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Los discursos del arte contemporáneo. Práctica

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Los discursos del arte contemporáneo. Práctica

Mensaje por LorenaValero el Miér Mar 05, 2014 6:34 am

Detalles de la imagen 'La balsa de la Medusa. Gericault. 1819'


•Historia: El cuadro relata el horror vivido por los supervivientes de La Medusa, un navío que iba a la colonia francesa de Sant Louis, en África. Un accidente lo deja varado y tienen que recurrir a construir una balsa rudimentaria, transportada por los pocos barcos salvavidas que tenían. Sin embargo, los aristócratas del navío y el capitán decidieron abandonar a los tripulantes en la balsa. Durante muchos días vagaron por el mar, recurriendo al canibalismo, para llegar con vida. Sólo 15 de 150 sobrevivieron, lo que supuso un mazazo a la opinión pública francesa que hizo que se condenara al capitán por negligencia. Esta historia se convirtió en un referente en la lucha social.
•Esperanza: Dos figuras humanas se ven con paños para llamar la atención de un supuesto barco que ven. Es la esperanza, que aún reina en el corazón de algunos de ellos.
•Desesperanza: Si en los hombres esperanzados vemos la lucha, en el hombre pensativo vemos la desilusión. En sus brazos está su hijo muerto, rodeado de cadáveres, y él nos contempla tranquilo, triste y desesperanzado.
•Vela: El cuadro es el símbolo de la desesperanza, de que el azar les va a proporcionar un destino más cruel ya que el viento corre en su contra, azotando la vela hacia el lado contrario al supuesto navío que ven en el horizonte. Además, unas grandes olas se pueden ver en el fondo y el cielo encapotado anuncia tormenta.
•Importancia: Esta obra romántica es la mejor obra sin duda de Gericault y estuvo prohibida ya que mucho tiempo la historia del navío La Medusa estuvo prohibida. Gericault hizo este cuadro para sacarla a la luz.
•Delacroix: Debajo del hijo del anciano hay un cuerpo que posó su gran amigo, el pintor Delacroix.
•Teatralidad: Gericault prefirió no poner detalles escabrosos, como canibalismo, heridas, muertes desagradables...es una balsa llena de diferentes expresiones de esperanza y desilusión, pero sin sangre, sin dolor extremo. Más que personas, son símbolos.
•Muertos: Según se dice, Gericault llevó cadáveres del hospital de Beaujon a su estudio para hacer más realistas sus composiciones y cuerpos[/justify]

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LorenaValero

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Re: Los discursos del arte contemporáneo. Práctica

Mensaje por LorenaValero el Miér Mar 05, 2014 6:36 am

LOS IMPRESIONISTAS
Los títulos no dicen nada generalmente y este es el caso de Impresionismo, fruto de la fortuna, (aunque parece ser que el nombre lo dio un cuadro de Monet). A estos pintores se les etiqueta, sin su voluntad dentro del impresionismo. Este término se lo inventa un hombre que acudió a la exposición donde todos estos exhibieron sus obras.
El Impresionismo está encarnado por un grupo de pintores, que trabajaban en París entre 1860 y 1870, y que se reunieron por primera vez, como pintores independientes, en casa de un amigo fotógrafo. Estos artistas, englobados bajo el nombre de Impresionistas no formaban un grupo homogéneo. Solo tenían en común su pasión por el pintor Manet, la sala de exposición de sus obras y las características formales de este estilo pictórico.
Después de su exposición en la casa del fotógrafo, siguieron exhibiendo en un salón que se crearía más tarde y que se conocería como "El salón de los rechazados".
La diferencia de los impresionistas con algunos de los anteriores movimientos artísticos es que "Un pintor pinta de una manera determinada y por eso es impresionista, no por ser impresionista pinta así".
Los pintores se encontraban en cafés, junto con escritores y hablaban sobre pintura. Algunos de los impresionistas son: Monet (el verdadero impresionista); Pizarro (el mayor); Renoir (sensible y sensual. Le gusta el volumen, el objeto); Sisley (de origen inglés); Gauguin; Cezanne ( padres de la pintura del siglo XX ) y Degas ( preocupaciones bastantes distintas del movimiento y el espacio). Las características comunes de estos pintores son:
 El rechazo a los salones académicos oficiales. Pintura nueva.
 Orientación realista ( realismo de retina, no de concepto, pintan lo que ven).
 Desinterés por el tema y preferencia por el paisaje. Esta característica era algo novedoso. Pintaban cualquier cosa, preferiblemente el paisaje porque buscan los cambios de luz y el color fuera del taller.
 Desprecio por la costumbre de pintar en el taller, disponiendo de modelo y comenzando por el dibujo y seguir con el claroscuro y coloreado. Los pintores impresionistas parten de la luz, que es la que crea el color y la que da los cambios, por eso trabajan al aire libre.
 Estudio de sombras de color y relación de los colores complementarios. Un color se resalta con la mezcla de los otros dos primarios. La luz junto con el color, impacta en el ojo mediante una forma o mancha , y esta mancha que está coloreada es la que lleva al lienzo y esto da el objeto ( Luz - color - mancha ).
 Pretenden afrontar directamente la realidad, sin ninguna perspectiva romántica, intentan llevar al lienzo lo que entra por la retina. Se abre camino a la investigación artística moderna.
 Problemas impresionistas: confunden la realidad con su apariencia. Al quedarse con la apariencia, el objeto queda en segundo lugar. Este realismo además tiene otro problema, porque como su preocupación es la luz, cogen
temas muy imprecisos y vaporosos, donde más se noten las diferencias de luces, los brillos... Esto se debe a que se dan cuenta de que con su "fórmula" se llega al abstracto.
¿CÓMO PINTAN?
Pintan siguiendo la luz, técnica ágil y sin retoques, es rápida por su afán de captar la luz en un momento determinado, antes de que varíe. No utilizan el color negro para sombrear. En el impresionismo lo que interesa es captar la realidad tal y como llega a la retina y representarla. En resumen, los impresionistas captan el impacto directo de la luz sobre los objetos y lo llevan al cuadro.
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LorenaValero

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Re: Los discursos del arte contemporáneo. Práctica

Mensaje por LorenaValero el Miér Mar 05, 2014 6:37 am

Citá ideal de Urbino
Introducción
El concepto de ciudad ideal describe la utópica naturaleza de una ciudad en la que las cualidades morales y espirituales de la ciudadanía son representadas a través de la estructura geométrica de su malla urbana. El plano de la ciudad ideal y la disposición de los edificios son determinados entonces por una retícula rígida.
En pintura el tema Ciudad Ideal fue de particular interés durante el Renacimiento. En este periodo la perspectiva se instaló como el método legitimo de representación del espacio en las artes visuales. La construcción calculada y controlada del espacio en la pintura ocupó a artistas como Leon Battista Alberti y Piero della Francesca. En los talleres de este último fueron realizadas dos pinturas con el titulo: Città Ideale

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LorenaValero

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GRACIAS, LORENA. TUS PRÁCTICAS SON ESTUPENDAS. UN SALUDO

Mensaje por anaxipredo el Dom Abr 20, 2014 9:21 pm

LorenaValero escribió:
Citá ideal de Urbino
Introducción
El concepto de ciudad ideal describe la utópica naturaleza de una ciudad en la que las cualidades morales y espirituales de la ciudadanía son representadas a través de la estructura geométrica de su malla urbana. El plano de la ciudad ideal y la disposición de los edificios son determinados entonces por una retícula rígida.
En pintura el tema Ciudad Ideal fue de particular interés durante el Renacimiento. En este periodo la perspectiva se instaló como el método legitimo de representación del espacio en las artes visuales. La construcción calculada y controlada del espacio en la pintura ocupó a artistas como Leon Battista Alberti y Piero della Francesca. En los talleres de este último fueron realizadas dos pinturas con el titulo: Città Ideale

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anaxipredo

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Re: Los discursos del arte contemporáneo. Práctica

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