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Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

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Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 3:35 pm

Curso 2011-2012

PRIMERA SEMANA JUNIO

- Las escenas de interior de Vermeer
- La obra de Luisa Roldán, La Roldana.

SEGUNDA SEMANA JUNIO

- Los bodegones de Juan van der Hamen
- El antiguo testamento en la obra de Rembrant

SEPTIEMBRE

- José de Ribera
- El realismo en la escultura de Gregorio Fernandez

RESERVA

- La etapa Sevillana de Velázquez
- Las vanitas en la pintura del Siglo de Oro.

************************************************************************************

CURSO 2012-2013

PRIMERA SEMANA ¿¿¿¿?????
- interiores de Vemeer
-Obra La Róldana

SEGUNDA SEMANA

- Primera Obras de Caravaggio: figuras y bodegones.
- El realismo en la pintura de Rembrant

SEPTIEMBRE

- Zurbarán
- La pintura de Vanitas

RESERVA

- La etapa Sevillana de Velázquez.
- La escultura de Pedro de Mena
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Uni Kotto

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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 3:45 pm

Pregunta de examen:   Escenas de Interior de Vermeer.

Posible respuesta.



El Barroco implica en Europa dos comportamientos artísticos diferentes: el católico y el protestante, aunque dentro de cada uno pueda haber diferentes variantes. En los territorios que hoy forman los países de Holanda, Bélgica y que formaron parte de la corona española durante todo el siglo XVI, podemos diferenciar dos partes: la zona de Flandes, que siguió bajo la tutela española durante todo el siglo XVII y por lo tanto fue católica, y la zona de Países Bajos, lo que hoy es Holanda, la cual se independizó en 1640 y donde el calvinismo se unió a las aspiraciones independentistas, en una sociedad de predominio burgués.

Si en Flandes se unieron perfectamente la iglesia católica y el estado monárquico de los archiduques, en los Países Bajos se experimentó una unión paralela entre la naciente república y el protestantismo reformista. El catolicismo mantenía la idea de monarquía por derecho divino, mientras que los protestantes, que rechazan el autoritarismo religioso en todos los aspectos, tratan de relacionar a los fieles directamente con Dios, sin intermediarios y, por tanto, cada conciencia es responsable ante Dios y no ante la iglesia.

La sublevación de Holanda contra España fue por motivos religiosos, sociales y económicos. Pero no fue una revolución de progresistas contra un rey anticuado sino todo lo contrario: la sublevación de una burguesía medieval, amante de sus privilegios feudales, sus ciudades autónomas, frente al centralismo de la monarquía absoluta de los Austrias; sus gremios y su estilo de vida, contra un rey que pretendía imponerles un sistema estatal centralizado racionalista y moderno.

El arte holandés estaba determinado pues por esta coyuntura social, por este tipo de pensamiento y por este tipo de público burgués que era su cliente y promotor. La iglesia deja de ser el principal cliente del artista. La iconografía holandesa, sólo excepcionalmente, es religiosa, se representan escenas del Antiguo Testamento. Los temas holandeses son los de la vida cotidiana, retratos, costumbres, paisajes, bodegones, etc.

Temas que habían sido tratados marginalmente hasta entonces y ahora pasan a ser protagonistas. Los interiores de las casas se convirtieron en un género de pintura muy cultivado, que hoy nos permite conocer muchos detalles de la vida privada de su tiempo. Lo primero que notamos es el valor que las casas y la vida familiar tenían para sus propietarios.

Las casas holandesas eran propiedad de una familia formada por la pareja y sus hijos, que hacían allí una vida hogareña y tranquila. Esta forma de vida, con un núcleo familiar reducido y sólo con algún criado, se dio antes en Holanda que en otros países europeos.

Los muebles y la decoración en estos interiores expresaban la riqueza de sus propietarios, pero los interiores eran sobrios, nunca había tantos muebles como para reducir el espacio o la luminosidad de las habitaciones. Las paredes se adornaban con cuadros, espejos y mapas, y entre los muebles abundaban los bancos y las sillas, tapizadas de terciopelo y otros materiales ricos.

El artista se centra en la realidad doméstica y rutinaria que le es familiar, pero que ahora descubre como centro y objeto primordial de su arte. Se descubre en el arte holandés un formalismo naturalista, pero de un naturalismo sui generis y determinado, marcado por las pequeñas dimensiones que va a tener el marco, adaptable al interior de una casa burguesa y también por las pretensiones psicológicas que caracterizan al burgués.
No se trata de representar estados de ánimo o recuerdos místicos o heroicos, como antaño, sino que se limita a reproducir de forma realista el naturalismo de los objetos.

En Holanda la luz unifica y cohesiona todos los elementos del cuadro, dándoles una importancia por igual. Los temas son de la vida cotidiana, nada heroicos y por tanto propicios a conceder escasa importancia a la anécdota temática y a concentrar el esfuerzo del artista en los problemas técnicos.

Del numeroso grupo de pintores de esta escuela, nombraré al más representativo. El gran genio de Delft, Johannes Vermeer.

Jan Vermeer (1632-1675) nació y desarrolló casi toda su obra en la ciudad de Delft. En sus interiores crea planos de luz alternados, como Velázquez. las normas que Vermeer utilizaba en sus cuadros: sobriedad, luz natural que proviene de una ventana abierta en el lateral, figuras serenas en acciones comedidas, materiales ricos pero discretos y, como nota personal del autor, ese azul maravilloso, indescriptible y que jamás ha logrado ser reproducido, convirtiéndose en la firma de su autor.

El ambiente participa en general de la intención intimista que se practicó en los retratos y los cuadros de costumbres del barroco holandés, pero ni se suele identificar quién puede estar retratando ni se sabe qué costumbre capta en esos interiores delicados y misteriosos.

Pinta cuadros pequeños, de género, de la vida familiar burguesa y de la ciudad. En su Vista de Delft nos da una visión nostálgica de su ciudad. Como paisajista tiene iguales cualidades que los pintores de su época, pero una mayor calidad. El paisaje holandés es el primer intento de crear la pintura fuera de convencionalismos, utilizando la luz para modelar un cielo tormentoso que responde más a una inquietud interior del artista que a un cielo real.

Esta escuela va a influir mucho en el paisaje romántico de principios de siglo XIX, en la Escuela de Barbizón y de ahí su influencia trascenderá hasta el Impresionismo en los años finales del siglo XIX.

Vermeer pintor de la luz y de los interiores de la “Edad de Oro” de la pintura holandesa, gozó de cierta fama en su día, aunque trabajó más bien como comerciante del arte de otros artistas contemporáneos y acabó endeudado, tras el desastre de los diques de Holanda, cuando se echaron a perder los terrenos de su suegra, que es quien poseía la fortuna con la que se sostenía su numerosa familia.

Como ejemplo de pintura interiores de este maestro, El soldado y la joven sonriente, es una de mis pinturas favoritas. Recuerda a alguna composición de otro de los grandes del momento, Pieter de Hooch. En la escena, un apuesto soldado que muestra su espalda al espectador y un poco el perfil y con una pose algo chulesca, conversa con una hermosa joven que sostiene un vaso en las sus manos. Ella le mira sonriendo, y tiene una mezcla de expresión tierna, dulce y despierta.

Vermeer se dedicó con más frecuencia a escenas de interior protagonizadas por mujeres. Sus mujeres están incluidas en este ambiente íntimo de interior, suelen aparecer ejerciendo algún tipo de actividad, que realizan muy concienzudamente.

En el siglo XVII en los Países Bajos se intentaba educar a las mujeres para que fuesen virtuosas, es decir, que pensaran y se comportaran conforme a las normas, esto queda muy reflejado en las obras del maestro.

Pintó posiblemente poco para el mercado público del arte, la mayoría de sus obras eran para promotores o mecenas que apreciaban su arte. Tal vez esto explique el poco volumen de su producción artística. El teórico Thoré Bürgen publicó un ensayo atribuyéndole a Vermeer 66 pinturas y de estas, solo 34 de ellas le son actualmente atribuidas con seguridad.

La mayoría de obras están protagonizadas por mujeres, como ya he explicado anteriormente, y sólo en seis ocasiones rompió la norma: dos paisajes con vistas de Delft y cuatro interiores con hombres.

Según numerosas investigaciones, se ha constatado que utilizaba una cámara oscura para realizar sus obras, cosa que él no escondía y remarcaba con ese puntillismo de luz muy fotográfico.

Fuente: http://atlascultural.com/pintura/veermer
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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 3:49 pm

La obra de Luisa Roldán, La Roldana


Luisa Ignacia Roldán Villavicencio (Sevilla, 1652 - Madrid, 1706), conocida popularmente como La Roldana, nace en Sevilla el 8 de septiembre de 1652 y fallece hacia el 1704 según García Olloqui. Sin embargo parece que hizo una declaración de pobreza en enero de 1706 según consta Hall-van den Elsen 1997 en un documento hallado de su fallecimiento.3 Es una de las principales figuras de la escultura del Barroco en la Andalucía de finales del siglo XVII y principios del XVIII.Su fama alcanza mayor relieve desde que Antonio Palomino la reconoció como una escultora tan importante como su padre Pedro Roldán.
Se formó influida principalmente por su padre, en cuyo taller de Sevilla trabajó hasta su matrimonio en 1671. Su escultura fue de temática religiosa, siguiendo las directrices del Concilio de Trento de humanizar el arte de las imágenes, para poner la religión más cercana al pueblo. Realizó esculturas de tamaño natural para procesionar, en madera o de barro cocido con policromía y muchas de ellas de las llamadas «de candelero» o para vestir, así como también otras de pequeños grupos de devoción para particulares y conventos, con gran movimiento y expresividad con plenas características del arte barroco. Ejecutó numerosos belenes en terracota de estilo italiano, inclinándose más por los que formaban una escena de la Natividad como grupo escultórico unido.
Después de una etapa de aprendizaje y primeras obras realizadas en Sevilla, en 1686 se trasladó a Cádiz para realizar diversos trabajos encargados por el cabildo municipal y el catedralicio. Después de dos años de estancia en esa capital andaluza viajó a Madrid, donde trabajó como escultora de cámara para los monarcas Carlos II y Felipe V hasta su fallecimiento.
Su obra está formada principalmente por esculturas de imaginería, junto con terracotas de pequeño formato realizadas sobre todo durante su estancia en Madrid y para la pequeña burgesía. Se distribuye gran parte de ella por Andalucía, pero también fuera de esta, como en Madrid, Móstoles, Sisante (Cuenca), Gran Canaria, Nueva York, Londres, Ontario, Los Ángeles.
Ocupó un lugar importante en su obra, la realización de «Belenes» o «Natividades», en los que solía representar al grupo de la Sagrada Familia, rodeados por ángeles. En algunos incluía la presencia de algún animal propio de los nacimientos, como corderos, la mula y el buey, además de otros. En estas escenas se aprecia ya un aire progresivo con tendencia al rococó. Sus obras muestran caras bellas pero humanizadas, llegándose a creer que eran retratos de personajes próximos a ella, familiares o amigos.
Algunas de sus obras —aun cuando fueran realizadas durante un mismo año—, demuestran diferencias muy grandes en su representación. Por ejemplo en 1692, el San Miguel aplastando al diablo y La Virgen cosiendo, en donde el grupo de San Miguel es de gran dramatismo y movimiento mientras la escultura de la Virgen acerca al sentimiento de tranquilidad, intimismo y serenidad. Esto se explica teniendo en cuenta el estado de ánimo de la escultora, lleno de altibajos, a veces afectivo y otras triste incluso agresivo, lo que podría ser debido a que padeciese una ciclotimia, aunque en un grado pasajero, quizá causado por las desavenencias matrimoniales y los acontecimientos tan duros de penuria por los que tuvo que pasar, sobre todo en los años de su estancia en la corte.

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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 3:52 pm

Los Bodegones de Juan van der Hamen

Nacido en Madrid en 1596, Juan van der Hamen perteneció a una noble y adinerada familia, descendiente de un antiguo linaje de nobles y militares flamencos, que durante generaciones habían servido en la corte de los Habsburgo. Al igual que su padre y su abuelo, fue miembro de la Guardia de Archeros, cuerpo de élite que desde tiempos de Carlos I tenía la misión honorífica de proteger al rey. De su formación artística no tenemos datos, salvo que tuvo lugar en Madrid. En 1615 contrajo matrimonio con Eugenia Herrera, miembro de una familia de escultores y pintores, y cuatro años más tarde recibió su primer encargo para la corte real.

Fue. un pintor afamado dentro de los círculos cortesanos y nobles, y tuvo un activo papel dentro de la vida cultural madrileña, llegando a escribir versos dedicados a la relación entre poesía y pintura. Grandes figuras de las letras españolas, como Lope de Vega, Góngora y Juan Pérez de Montalbán, se refirieron a él, alabando su habilidad para recrear la realidad. Juan van der Hamen se dedicó a la pintura religiosa, al retrato y a las naturalezas muertas, siendo estas últimas sus composiciones más apreciadas y conocidas.

Sus primeros bodegones, de influencia flamenca, muestran ya muchas de las características de su estilo, como la precisión técnica, las composiciones diáfanas y el uso de un foco de luz dirigida, que crea zonas de fuertes sombras. Van der Hamen presentaba sus modelos simétricamente, preocupándose por la consecución de las distintas calidades. A partir de 1626 introdujo en su repertorio los bodegones asimétricos, creando grupos que compensaba con repisas a distinto nivel y en diferentes planos, logrando con ello una mayor riqueza espacial. En su estilo más característico se aprecia su admiración por la obra del pintor de la generación anterior: Sánchez Cotán. Juan van der Hamen fue el mejor representante de bodegones con flores del foco madrileño en la década de 1620, así como el propulsor en España del tema de las guirnaldas de flores enmarcando imágenes religiosas o paisajes.
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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 4:08 pm

JOSE DE RIBERA


José de Ribera y Cucó (Játiva, España, 12 de enero de 1591 – Nápoles, Italia, 2 de septiembre de 1652); pintor y grabador español del siglo XVII, que desarrolló toda su carrera en Italia y principalmente en Nápoles. Fue también conocido con su nombre italianizado Giuseppe Ribera y con el apodo Lo Spagnoletto («el españolito») debido a su baja estatura y a que reivindicaba sus orígenes firmando sus obras como «Jusepe de Ribera, español» (como en su cuadro Apolo y Marsias) o «setabense» (de Játiva) o en varias obras indicando ambas cosas a la vez, siendo común que firmara como «Jusepe Ribera, español, setabense, Partenope» .
Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más colorista y luminosa, influida por Van Dyck y otros maestros. Contribuyó a forjar la gran escuela napolitana (Giovanni Lanfranco, Massimo Stanzione, Luca Giordano...), que le reconoció como su maestro indiscutible; y sus obras, enviadas a España desde fecha muy temprana, influyeron en técnica y modelos iconográficos a los pintores locales, entre ellos Velázquez y Murillo. Sus grabados circularon por media Europa y consta que hasta Rembrandt los conocía. Autor prolífico y de éxito comercial, su fama reverdeció durante la eclosión del realismo en el siglo XIX; fue un referente imprescindible para realistas como Léon Bonnat. Algunas de sus obras fueron copiadas por pintores de varios siglos: Fragonard, Manet, Henri Matisse...
Ribera es un pintor destacado de la escuela española, si bien su obra se hizo íntegramente en Italia y de hecho, no se conocen ejemplos seguros de sus inicios en España. Etiquetado por largo tiempo como un creador truculento y sombrío, mayormente por algunas de sus pinturas de martirios, este prejuicio se ha diluido en las últimas décadas gracias a múltiples exposiciones e investigaciones, que lo reivindican como creador versátil y hábil colorista. Hallazgos recientes han ayudado a reconstruir su primera producción en Italia, etapa a la que el Museo del Prado dedicó una exposición en 2011.
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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 4:13 pm

EL REALISMO EN LA ESCULTURA DE GREGORIO FERNANDEZ

Gregorio Fernández es una de las personalidades más relevantes de la escultura barroca española y, en concreto, de la Escuela de Valladolid.

Nació en Sarria (Lugo) en 1576 y se trasladó a Valladolid en 1605 debido a que allí se había establecido la corte. Completó su formación con Rincón y comenzó a atender importantes encargos provenientes de una clientela adinerada, como por ejemplo, Felipe III, el Duque de Lerma, los Condes de Fuensaldaña o las principales órdenes monásticas.
En Valladolid, también estudió las obras de Juan de Juni y de Pompeo Leoni. De este último adquirió una elegancia estilizada y académica, como se aprecia en su estilo inicial y de Juni, tomó las imágenes religiosas de gran dramatismo, aunque Gregorio Fernández incorporó un mayor naturalismo en sus obras.

Su producción refleja un cambio estilístico. Parte de un refinado manierismo y va evolucionando hacia el naturalismo barroco. Adecua sus trabajos a los ideales contrarreformistas que imperaban en la época y que consideran al realismo como el lenguaje plástico más idóneo. Las figuras se policroman con colores sobrios para evitar la distracción del fiel. Las actitudes son calmadas pero de intenso dramatismo y se emplean postizos como ojos de cristal, dientes de marfil, etc., para reforzar ese acercamiento a lo real.

Gregorio Fernández fue uno de los grandes maestros de la escultura religiosa en madera policromada. Su realismo se aprecia en el estudio anatómico que realiza de los cuerpos, plasma la tensión de los músculos, la blandura de la carne o la suavidad de la piel. Las actitudes son calmadas, recayendo la carga expresiva en el rostro y las manos. Emplea ropajes con pliegues muy marcados que favorecen los contrastes lumínicos entre luces y sombras y postizos para aumentar la sensación de autenticidad.

Realizó numerosos retablos, pasos procesionales y, también, imágenes aisladas. Sus pasos procesionales son escenas narrativas con figuras a tamaño natural. Tengo sed y Camino del Calvario son ejemplos de su primera etapa, mientras que el Descendimiento, de 1623, refleja ya la madurez de su estilo.

Destaca el de La Piedad con los dos Ladrones, ejecutado en 1616 para la cofradía de Ntra. Sra. de las Angustias de Valladolid. El grupo central, en el que se encuentra la Virgen y Jesús, está compuesto en diagonal. La Virgen eleva el brazo derecho en señal de dolor, mientras con su mano izquierda sostiene al Hijo, que se apoya en su regazo. Ambos están tratados con belleza y elegancia, mientras que los dos ladrones suponen un magnífico estudio anatómico. Dimas, el bueno, tiene una actitud serena y su rostro, tranquilo, se dirige hacia el grupo central. Gestas, el malo, con el cuerpo más crispado, el pelo agitado y un rostro desagradable, tiene la cabeza vuelta hacia el espectador.
Para el retablo mayor de las Huelgas Reales de Valladolid llevó a cabo el altorrelieve de Cristo desclavándose para abrazar a san Bernardo. Está interpretado de manera natural, pero con gran intensidad emocional.

Una de sus obras maestras es el relieve del Bautismo de Cristo del antiguo convento del Carmen Descalzo, en Valladolid. Los dos protagonistas están tratados como si fueran figuras exentas, haciendo hincapié en la anatomía de los cuerpos y en los quebrados pliegues para conseguir mayor volumen.
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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Preminger el Vie Mar 07, 2014 7:40 am

La etapa sevillana de Velázquez.

La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana y la madrileña

Etapa Sevillana (1599-1623)

En esta fase, Velázquez tuvo como maestro a Pacheco. Con él aprendió a ser un gran dibujante y a organizar las composiciones. Las primeras obras que realizó pertenecen al tenebrismo (tendencia italiana que procede de Caravaggio). Las características de esta corriente son:

Realismo.
Contrastes de luz.
Composición diagonal.
Los temas que Velázquez pintó en esta primera etapa son religiosos y también populares, extraídos de la vida cotidiana.

Las obras más importantes son:

Adoración de los Reyes Magos
En esta pintura, gran parte del escenario está oscuro y sólo ilumina la parte del mismo que quiere destacar. Se trata, por tanto, de un cuadro de estilo tenebrista, realista y composición diagonal.

La Vieja friendo huevos
Recuerda a un bodegón (con abundancia de naturaleza muerta). Sorprende su exquisito realismo, sobre todo al representar el material en que están hechos los objetos. También es una obra tenebrista.

El Aguador de Sevilla
Obra de nuevo muy tenebrista y de gran realismo, como se aprecia en las calidades de los objetos.

Bodegón a lo divino
Representa una escena de la vida cotidiana con gran realismo y en el fondo Marta y María con Cristo.

Con estas primeras obras alcanza un gran prestigio entre la nobleza sevillana lo que le permite catapultarse e instalarse en el Madrid de los Austrias.

*******************************************************
A-ETAPA SEVILLANA (1610- 1623): en esta etapa Velázquez es un tenebrista, seguramente influido por Caravaggio cuya fama se conocía en Sevilla. Comienza sus estudios con el maestro Herrera el Viejo, pero meses después pasa al taller de Francisco Pacheco, donde consiguió seis años más tarde el título. A los diecinueve años empieza a ejercer su oficio, tras casarse con Juana, hija de Pacheco.
En 1622 realiza su primer viaje a Madrid donde pinta el retrato de Góngora.
Es la época en la que hace obras realistas tomadas de la vida ordinaria como:
-El Almuerzo: según parece es su primera obra conservada, se encuentre en el Ermitage de Leningrado. Se trata de un cuadro costumbrista y claroscurista, en el que los objetos situados sobre la mesa están cuidadosamente estudiados.
-La Criada Mulata y Los Músicos (Berlín): son cuadros que responden a las mismas características que el anterior.
-Cristo en casa de Marta (Londres):en el que utiliza el plan típicamente Barroco de colocar el tema principal en segundo término y dedicar el primero a una escena costumbrista con despliegue de materiales culinarios.
-La Vieja friendo huevos (Edimburgo): posee una notable técnica lumínica y un gran estudio de cualidades.
-El Aguador de Sevilla: obra magistral, de la que se hicieron copias. Interpretado como una alegoría de las tres edades del hombre en los tres personajes representados. Ensaya en ella una composición circular con las tres cabezas, al tiempo que destaca en primer plano el cántaro iluminado. Al igual que el anterior, también posee esa notable técnica lumínica y un gran estudio de cualidades.
Fue en esta época cuando Velázquez pintó mayor número de temas religiosos:
-La Epifanía (del Prado): pertenece a 1619 y en ella utilizó a su esposa y a su hija como modelos para la Virgen y el Niño, y a él mismo y a su suegro para los reyes.
-Cristo y los discípulos de Emaús(Metropolitan, Nueva York), Santo Tomás(Orleáns) y La imposición de la Casulla a San Ildefonso(Arzobispado de Sevilla), data de 1623 y tiene una notoria influencia del Greco.
También pintó Velázquez varios retratos en su etapa sevillana. Desde entonces manifiesta ya la maestría en este género que irá creciendo a lo largo de su vida; ejemplos más importantes:
-Sor Jerónima de la Fuente: fechado en 1620 y del que existen varias copias, una de ellas en Madrid.
-Pacheco(Prado).

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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

Mensaje por Preminger el Vie Mar 07, 2014 7:45 am

EL REALISMO EN LA PINTURA DE REMBRANDT

REMBRANDT (1606-69). REALISMO ÓPTICO.
° En Holanda se organizan varios artistas en la Escuela Utrecht para dar a conocer las lecciones de Caravaggio aunque no
tendrá continuidad, pues estos artistas se formaron con los discípulos del maestro asimilando los motivos, composiciones, el
fuerte claroscuro, todo menos la intensidad del maestro.
° Al comienzo de los treinta la Escuela de Utrecht fue perdiendo fuerza ante la llegada de artistas como Rembrandt que
renovaban el uso del claroscuro. Es uno de los pintores del claroscuro más originales de la historia de la pintura.
° Trasciende lo puramente provinciano para darnos una pintura que sabe hacer categoría de la anécdota: poder intuitivo,
independencia de criterio, su propia estética intimista y su dominio de la luz y del color, todo lo cual le enraíza en su ambiente
protestante e individualista pero superándolo con la fuerza de su vida interior.
° Se formó en Leyde recibiendo influencias italianas de Caravaggio que le interpretó a su manera.
° Casado por primera vez con Saskia, hija de un burgués de Ámsterdam. Al fallecer su segunda mujer e hijo, se consume en la
tristeza y la depresión, lo que se refleja en las obras religiosas y en los autorretratos finales.
° La influencia de Miguel Ángel se deja sentir en su apuesta por el dibujo, por la línea precisa en tal figura o imprecisa en tal
otra, logrando un aura inquietante.
° Maneja el dibujo con soltura dotándolo de pictoricismo y colorido, lo que le induce al grabado, superando a Durero.
° La mezcla de influencias, de Tizziano a Miguel Ángel y de Durero a Caravaggio, le impide inscribirse en el tópico holandés.
° El desnudo se trata realistamente sin ninguna idealización amable y tampoco se priva de las escenas de género, ni del retrato
de corporaciones, ni por supuesto al autorretrato.
° Busca la iluminación pertinente al estado de la cuestión o de su ánimo.
° Pintor y grabador. Considerado uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado.
° TÉCNICA: CLAROSCURO. A veces usa excesivos juegos de luz por lo que el conjunto no resulta natural.
° Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años están marcados por la tragedia personal y la ruina económica.
° Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas, y durante
veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores holandeses.
° Entre sus mayores logros creativos están los magistrales retratos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas.
° En sus autorretratos la mirada es humilde y sincera. Trazó en ellos su propia biografía.
° Tenía gran conocimiento de la iconografía clásica. En pinturas y grabados (250 aguafuertes) hace una libre interpretación.
° Dese 1625 hasta 1631 su obra se mueve al margen de las modas extrajeras pero si imbuido en el humanismo.
° Desde un principio abordo el tema religioso así como los retratos y autorretratos y temas mitológicos.
° Abarcó todos los géneros siendo al mismo tiempo un gran grabador.
° Representa lo más íntimo de Holanda a pesar de su marginación social, tanto por motivos sociales como por motivos artísticos.
° Su grandeza consiste en llenar de idealismo las situaciones más realistas; en buscar siempre el sentido de lo universal.
° Su idealismo y subjetivismo coincide con la filosofía de Descartes.
° En el Buey desollado, la representación realista está llena de un profundo idealismo, se elimina la parte fea y desagradable.
° Tiende a lo monocromo pero hace brillar todos los objetos en la obscuridad. El color lo aplica en manchas gruesas.
° La luz procede de focos débiles y se difunde sin seguir las leyes de la física.
° Varios temas son los más repetidos:
- La noche y la sombra que crean ambientes propicios para sus juegos de luz: Ronda nocturna.
- La vejez que le permite captar por una parte la pobreza y por otra la sabiduría y la experiencia.
- La tormenta, que le permite hacer paisajes casi surrealistas.
- Quiere llegar a captar el alma. Se preocupa especialmente por las miradas que parecen buscar al espectador para establecer
una comunicación con él. Trabaja tanto el individual como el colectivo.
- Le atrae el tema religioso, sobre todo el Antiguo Testamento, pero interpretado subjetivamente, con gran emotividad.
- No siente gran interés por los temas mitológicos porque se preocupa más por lo humano.
OBRAS.
· Susana en el baño: desnudo no precisamente bello.
· Los síndicos de los pañeros: buena muestra del retrato corporativo.
· Los peregrinos de Emaús: de impresionante dominio de la luz cargada de simbología.
· El buey deshollado: la carne con rigor pero sin exageraciones anatómicas siguiendo consejos de Leonardo.
· Retrato con Saskia: nos introduce en sus momentos más alegres como se ve en la composición, el colorido, los vestidos…
· Betsabé en el baño: retrato de su 2ª mujer, es un medio desnudo naturalista y alejado de la belleza clásica.
· Autorretratos: evolución técnica y estética; al final de su vida un rostro con gran dominio de la anatomía y la psicología.
· La fiesta de Esther.
· La lapidación de San Esteban.
· Judas devolviendo las treinta monedas: atavíos orientales tan del gusto del pintor, Rembrandt maneja un fuerte claroscuro y
una gesticulación muy acentuada (Influencia de su maestro Lastman).
· Tobías y Ana.
· La huida a Egipto: insiste en la humanidad de los protagonistas y el poder de percepción.
· San pablo en meditación: la vejez muestra la riqueza interior, la experiencia y sufrimiento que se adquiere con la edad.
· La Presentación en el templo: tendencia a la unificación de la luz y la sombra creando una sensación atmosférica mágica y
envolvente, en esta obra el espacio, luz y figuras se funden armoniosamente hasta crear un escenario vibrante. Los puntos de
luz parecen flotar sugiriendo una sensación tanto física como espiritual.
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Re: Exámenes anteriores, teoría "los realismos del Barroco"

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