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El realismo en la pintura barroca ESPAÑOLA

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El realismo en la pintura barroca ESPAÑOLA

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 2:54 pm

El realismo en la pintura barroca española
Fuente: http://www.artecreha.com/Textos/el-realismo-en-la-pintura-barroca-espanola.html

Velzquez
D. Velázquez: "Cristo en casa de Marta"


Ya comentamos en esta misma página, que recientemente había fallecido Alfonso Emilio Pérez Sánchez, uno de los Historiadores del arte al que los demás que también lo somos, le debemos parte de su magisterio y sobre todo la herencia dejada por él y otros profesores de su generación, que elevaron esta materia a la condición de ciencia, contribuyendo además a la difusión y popularización del conocimiento del arte.
Por todo ello nunca está de más recordar alguno de sus textos, en los que indaga sobre algunos aspectos de nuestra Historia del arte, abriendo nuevos cauces a la interpretación y divulgación de determinados estilos y autores. Hemos seleccionado en este caso un breve apunte sobre su visión del realismo en la pintura barroca española, tema del que era uno de sus mejores especialistas:
“Frente a otros países católicos, como Francia o la misma Italia, sede del papado, en España es muy rara la pintura profana. Son muy escasas las pinturas de género: casi no existe pintura mitológica o de paisaje, y sólo el retrato y la naturaleza muerta ofrecen ejemplos significativos. La escasez de pintura de género que ofrezca (al modo de Flandes, Holanda o incluso Francia e Italia) una imagen de la vida cotidiana sorprende en un país donde un sector muy importante de la literatura (desde la picaresca a Cervantes o al teatro de Lope de Vega y Tirso de Molina) ofrece un carácter estrictamente realista y cotidiano. Se ha hablado mucho del carácter realista del arte español, pero es preciso subrayar que se trata siempre de un realismo de segundo grado. Se emplean los tipos humanos más directos y reales, y los escenarios cotidianos para hacer más próximos y comprensibles los temas religiosos evangélicos, bíblicos o hagiográficos, pero la vida verdadera y contemporánea raras veces se representa como tal. Se trata de una actitud, propiciada por la Iglesia, para recuperar al espectador devoto, permitiéndole una emoción más viva y directa a través de la humanización del hecho representado, en abierto contraste con la dignificación y distanciamiento del mundo del alto renacimiento o el manierismo. La expresión de Santa Teresa de Jesús “Dios anda entre los pucheros”, con su mezcla de cotidianidad y de prodigio, de trascendencia y de sencilla humildad casera, define bien el carácter de la parte más importante y significativa de la producción pictórica del Barroco español.”




Velázquez: "El almuerzo"
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Uni Kotto

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Re: El realismo en la pintura barroca ESPAÑOLA

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 3:04 pm

La pintura española del siglo XVII es una pintura básicamente realista; a pesar de que los temas dominantes continúan siendo los religiosos, el realismo invade todos los aspectos de esta pintura, en la que si bien falta casi por completo el paisaje, el retrato adquiere, en cambio, una importancia muy considerable.
El realismo, concebido con una crudeza que subrayan los contrastes entre sombra y luz, triunfó en las obras del valenciano José (o Jusepé) de Ribera, nacido en Xátiva en 1591, y que habiendo residido en Italia desde los dieciocho años, se conservó siempre español, firmó sus cuadros como Valentino y es llamado por todos el Spagnoletto. No se sabe por qué ni cómo pasó Ribera a Italia.
Es posible que hubiese trabajado en Roma algunos años, dejándose influir por las obras de Caravaggio. Protegido por un cardenal, que lo recogió hambriento, Ribera escapó de los salones suntuosos para recobrar su independencia y vivir de nuevo entre los mendigos de la calle. Por su contacto prolongado con la naturaleza en toda su verdad, el joven seguidor de Caravaggio, ya desde entonces, se complacerá en pintar las carnes macilentas que ha visto a través de los andrajos de los rotos pordioseros, y buscará sus asuntos en los filósofos que van semidesnudos, en los penitentes y santos martirizados, heridos.
Pero marcha a Nápoles y allí, en la corte de los virreyes españoles, se impone por su arte magistral; los encargos que recibe, tanto de otras partes de Italia como de España, le permiten llevar una vida de ostentación.
El fin del Spagnoletto fue tan fantástico como su vida: en su estudio de pintor renombrado le visitaba el virrey, Juan José de Austria, hijo bastardo de Felipe IV; éste se enamora de la hija de Ribera y, para obtenerla más fácilmente, la hace raptar y llevarla a Palermo, donde la deposita en un convento. El infeliz padre, loco de dolor, vive sus postreros años como un monomaníaco, encerrado en su casa de Posillipo, hasta que un día desaparece sin dejar rastro. En Nápoles hubo de sospecharse que había vuelto a su patria, Xátiva. Lo positivo es que no se habla más de él y se ignoran las circunstancias que precedieron a su muerte, aunque su partida de defunción, fechada en 1652, apareció finalmente en Nápoles.
Ribera es uno de los representantes más característicos del realismo barroco, de esa pintura mezcla de luz y de tinieblas, que impuso el genio enorme de Caravaggio. El propio Guido Reni, que conoció a Ribera en Roma, lo compara a Caravaggio y añade que lo considera "piu tenso e piu fiero". Efectivamente, la realidad vista por Ribera es análoga a la de la novela picaresca española, no teme la representación de lo deforme, de lo patológico y se entrega con fruición a exponer las torturas más sangrientas. Así el Niño cojo del Louvre, pese a su pie monstruoso y a su brazo contrahecho, sonríe alegre como si no le afectase su desgracia, mientras pide limosna con un cartel colgado de un palo.
El Martirio de San Bartolomé, del Prado, quizá pintado en 1630, representa el momento en que el cuerpo del mártir es preparado para la tortura. No es tan insistente en el aspecto sangriento como otras obras análogas de su mano. Así la tela del mismo título del Museo de Barcelona y el grabado de 1624, también sobre el martirio de San Bartolomé, en los que el verdugo, con el cuchillo en la boca, arranca al mártir atado la piel que chorrea sangre. Los santos penitentes y los apóstoles, a veces semidesnudos, que pinta Ribera, responden al deseo del Concilio de Trento de encarecer la vida conventual, tan criticada por la Reforma. Junto a otros cuadros de este tipo deben citarse la Magdalena, San Pablo Ermitaño y San Andrés, todos ellos en el Museo del Prado.
Este último es justamente apreciado por su impresionante mezcla de luz y tinieblas. Sorprendente resulta su Arquímedes, representado como un personaje típico del hampa del puerto de Nápoles, y que de ninguna manera sugiere la nobleza de la ciencia antigua. Probablemente aquí Ribera sigue una corriente de inspiración tridentina, típica de la época, que trataba de desacreditar simultáneamente la mitología grecorromana y la ciencia clásica. No hay que olvidar que estas obras son casi contemporáneas del proceso inquisitorial contra Galileo.



San Andrés de José de Ribera
San Andrés de José de Ribera (Museo del Prado, Madrid). Detalle en el que se muestra lo mejor de su técnica lumínica y un válido intento de penetración psicológica. En esta obra, la singular mezcla de luz y tinieblas típica del autor, y en cierto modo caravaggista, le ha valido un merecido aprecio.

Fuente: http://www.historiadelarte.us/barroco/la-pintura-barroca-el-realismo.html
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Re: El realismo en la pintura barroca ESPAÑOLA

Mensaje por Uni Kotto el Lun Feb 24, 2014 3:08 pm

2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA BARROCA EN ESPAÑA

- En la pintura barroca española es fundamental la influencia de la pintura italiana, principalmente del tenebrismo de Caravaggio, que estuvo presente en gran parte de los pintores españoles, como Ribera y Velázquez.

+ Una de las características principales de la pintura española barroca es su gran naturalismo, su realismo, el deseo de mostrar lo más fielmente posible la realidad.

+ También destaca la sencillez y equilibrio en las composiciones y las formas, no hay movimiento violento ni impetuoso como ocurre en las obras italianas, prefiriéndose organizar el tema en el cuadro a partir de líneas diagonales y escorzos.

+ Por otra parte, el dibujo cede terrero a la utilización más natural del color.

+ También existe una mayor preocupación del artista por la profundidad, culminando con el pleno dominio de la perspectiva aérea.

+ En cuanto a la luz, se concibe como un elemento que organiza los ambientes donde se desenvuelven las figuras, contribuyendo además a crear atmósferas que transmiten la realidad de los temas.

+ En cuanto a la temática, predominan los temas religiosos: santos, martirios, Inmaculadas; entre los temas profanos sobresalen los mitológicos, por clara influencia de Rubens, los bodegones, las escenas de género, los retratos, los desnudos y los paisajes.

- A finales del s. XVII la capacidad pictórica nacional da muestras de agotamiento y empieza la intromisión de cuadros y artistas extranjeros, que culminará con el cambio de dinastía. En el s. XVIII se observa un cambio en el desarrollo de las características pictóricas:

+ Adquieren mayor importancia los temas profanos y el tratamiento menos dramático de los temas religiosos, circunstancia que contrasta con el realismo cruento de la primera etapa.

+ Aparece también el empleo de una iluminación más dispersa y suavizada, ya muy próxima al rococó francés.

3. LA INCORPORACIÓN DEL TENEBRISMO A LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA

3.1. Francisco Ribalta

- Se forma como pintor en Madrid y sus primeras obras se caracterizan por el dramatismo en el tratamiento de los temas y, por influencia de Tiziano, la preocupación por la luz y el color. Posteriormente se trasladó a Valencia donde realizó toda su obra de  madurez, observándose en él en esa etapa una tendencia más acusada hacia el naturalismo e influencias del tenebrismo de Caravaggio, con el que probablemente entró en contacto durante sus estudios en Italia.

   
+ San Francisco confortado por un ángel músico: El uso de la luz y la sombra para crear un clima de misterio, construir el espacio y resaltar los elementos de carácter dramático, la delicadeza de los gestos y de la acción, la valentía compositiva o la maestría en la reproducción de las texturas son características de Ribalta presentes en esta obra.



+ Cristo abrazando a San Bernardo: Centra su atención en las dos figuras protagonistas, pues los dos ángeles que representa en el fondo apenas se distinguen en la oscuridad. La luz, influencia de Caravaggio, penetra por el lado izquierdo del cuadro e ilumina el rostro del santo, mientras que el de Cristo permanece en las sombras.



3.2. José de Ribera

- Se formó con Ribalta pero viajó tempranamente a Italia, donde realizó toda su obra y donde se impregnó de la influencia de Caravaggio, siendo allí conocido por “Lo Spagnoletto”, el pequeño español. Sus primeras obras tienen marcado carácter tenebrista, con figuras que se recortan violentamente sobre un fondo oscuro; en una segunda etapa su pincelada se hace menos densa, la luz más dorada y se van aclarando los fondos.

             
+ San Andrés: Ribera trabajaba en ambientes humildes, llegando a utilizar como modelos a mendigos, inclinándose principalmente por cuerpos arruinados por la vejez o el hambre, representando con extremo naturalismo la piel, la delgadez y otros rasgos de las figuras, cuyo misticismo es reforzado además por los intensos claroscuros empleados en las composiciones.



+ El sueño de Jacob: Muestra a Jacob en un alto en el camino, durmiendo sobre una piedra; es una composición sencilla en ángulo recto, formada por el tronco del árbol y la figura de Jacob; destaca el escaso interés que confiere al paisaje, que se reduce al árbol y la piedra, aunque esta obra sí significa el abandono de su etapa anterior tenebrista; además se aprecia su culto al color, de raigambre veneciana, y la fuerza escultórica del personaje.



+ El martirio de San Felipe: Compendio de su estilo visto anteriormente, también de su etapa ya no tenebrista.



+ El patizambo: Cuadro naturalista en el que un niño cojo sonríe ajeno a la tragedia de su pie destrozado, siguiendo aquí la línea de la pintura barroca de representar todo aquello que se da en la naturaleza, aunque sea desagradable, raro o feo.

4. LA ESCUELA ANDALUZA

4.1. Francisco Pacheco

- Tratadista que creó escuela en la ciudad de Sevilla, la mayor y más rica de su época.

- Destaca sobre todo por ser el maestro y suegro de Velázquez.

4.2. Juan  Sánchez Cotán

- Se observa en sus obras una tendencia hacia el tenebrismo como consecuencia de la influencia de Caravaggio, creando un estilo plenamente barroco y naturalista, sobre todo en sus bodegones, que marcarán la línea de los bodegones que se pinten en épocas posteriores.  Los bodegones españoles son muy diferentes de los italianos o los flamencos, caracterizándose por ser composiciones de pocos elementos, muy sencillas, son extremadamente austeros.


+ Bodegón de caza, hortalizas y frutas: Bodegón colocado en el interior de una alacena; la composición destaca por su sobriedad, intimismo e intensidad, características que se enfatizan gracias a la luz lateral que produce grandes sombras, creando una ilusión perfecta y plenamente realista propia de las naturalezas muertas pintadas por Cotán que se convertirán en el prototipo del bodegón español.



4.3. Francisco de Zurbarán

- Aprendió en Sevilla, pero volvió a su lugar natal, Fuente de Cantos (Badajoz), donde realizó numerosos encargos, sobre todo series monacales, que habían de constituir su especialidad. Por recomendación Velázquez viaja a Madrid en 1634 con el fin de tomar parte en la ornamentación del famoso Salón de Reinos, para el que pinta El Socorro de Cádiz. Su producción desciende hacia 1640, y se observa también un cambio en la estética de su pintura, que evoluciona hacia formas más blandas, delicadas y coloristas, con  temas más amables por influencia de Velázquez y de Murillo.

         

+ Aparición del Apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco: Obra de la primera etapa de su carrera, en ellas el pintor muestra su facilidad para realizar composiciones sencillas en las que puede centrarse en el estudio de la expresión de los personajes, en la reproducción de las texturas de las telas y en el juego de la infinita gama de los blancos y los grises.

+ San Hugo en el refectorio de los Cartujos: Crea un ambiente cerrado en el cuadro, al que falta la profundidad; las figuras se disponen en fila a lo largo del lienzo, lo importante es el equilibrio en la composición; toda la atención se aplica a los rostros y manos, que adquieren un inmenso poder expresivo, también es fundamental la representación de las calidades de las telas y de los objetos.



+ Defensa de Cádiz contra los ingleses: Obra profana que representa el desembarco de marinos ingleses en la inmediaciones de la ciudad. Ese suceso, que tuvo lugar en 1625, fue una de las acciones bélicas elegidas para decorar el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro en Madrid, junto con otras encomendadas a pintores españoles como Velázquez, Maíno, Vicente Carducho o Pereda.



+ Bodegón: El tema de los bodegones es también clave en su obra, utiliza una composición sobria y sencilla, distribuyendo los objetos representados en fila sobre una mesa; sigue la línea iniciada por Sánchez Cotán en la representación de naturalezas muertas.



4.4. Alonso Cano

- Pintor de origen granadino que se trasladó a Sevilla, donde trabajó a las órdenes de Francisco Pacheco, coincidiendo en su taller con Velázquez.

- Su pincelada es clara y en su paleta predominan los colores plateados; fue hábil dibujante, muy estudioso en la composición de sus cuadros, generalmente sencillas, con una o dos figuras que se destacan sobre un fondo neutro o un paisaje vaporoso; en los tipos femeninos tiende a la belleza ideal concebida por medio de formas ovaladas.


+ El Milagro del Pozo: Es un cuadro que presenta una composición más elaborada; presenta una técnica suave y desenvuelta que imita a Velázquez en la pincelada quebrada; realiza un detallado estudio de la luz, concentrada en la figura del niño, mientras que el resto de las figuras permanecen a oscuras; en cuanto a la gama de colores que utiliza se aprecia que dominan los tonos oscuros.



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