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Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

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Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Mar Ago 06, 2013 11:44 pm

Giotto y el Trecento
Giotto, la escuela Toscana y sus seguidores.


Durante el periodo que abarca de 1300 a 1350 la pintura de la Toscana dominó el arte europeo. La pintura igualó los logros alcanzados por los escultores durante los cincuenta años precedentes, rompiendo con una tradición bizantinista que  hacía que todavía en el siglo XIII las iglesias italianas se decoraran con mosaicos a la "maniera greca". 

El proceso de ruptura comienza a finales del siglo XIII con artistas como Cavallini o Cimabue que, desde Roma y Florencia respectivamente, empezaron a abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y se encaminaron hacia un mayor realismo, pero hay en ellos todavía mucho de la iconografía greca. Obras como la deesis del ábside de la catedral de Siena (1301-02) están realizados todavía bajo modelos humanos y técnicas del mosaico bizantino, pese a que el fresco, junto con la tabla al temple, ya iban ganando terreno como soportes.
Habrá que esperar al florentino Giotto di Bondone para inaugurar una verdadera nueva forma pictórica. Su obra convivirá con la de la escuela Sienesa, más ligada a la tradición bizantina. Duccio Buonisegna (1260-1319) y  su discípulo Simone Martini (1284-1344), sus máximos representantes, también se dejarán influir por la obra de Giotto.


Giotto di Bondone (1266-1337).

Tradicionalmente se le considera el iniciador de la pintura moderna y el precedente del Renacimiento porque rompe con la pintura bizantinista. Su personalidad tan intensa se refleja en la reafirmación que hace de su valía al firmar sus obras o al hacer fortuna y gozar de gran popularidad en vida sólo por su genio creador. Este rasgo le aleja también de la Edad Media y le acerca al Renacimiento.

Trabajó en Asís, Roma, Florencia, Nápoles, Bolonia, Milán y Padua, siendo en esta ciudad donde realizó su obra maestra los frescos de la capilla de la Arena o de los Scrovegni (1303-1305).Analicemos las características más significativas de su obra sobre estos frescos, tomando como base (siempre que sea posible) la escena del Lamento sobre Cristo muerto, del ciclo de la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo.




Última edición por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 12:30 pm, editado 2 veces
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Mar Ago 06, 2013 11:56 pm






COMENTARIO OBRA DE GIOTTO "Lamento sobre cristo muerto".







 


  •  La profundidad le interesa, pero en los planos inmediatosal espectador, no en los fondos (que ya analizaremos). En esta escena crea una sensación de verdadera profundidad al utilizar simultáneamente los siguientes recursos, que puedes ver gráficamente en las imágenes inferiores:



--- las espaldas de los personajes del primer plano crean un vacío, que sirve para que el espectador pueda ver con distancia la escena principal. Los personajes no se precipitan sobre nosotros, como era habitual en el gótico.
-------  las figuras  se solapan escalonadamente para ganar otros cuantos metros de profundidad. No lo hacen como era habitual en las tablas de la época en la que aparecían grupos de personas extrañamente superpuestas en altura unas por encima de otras.
------------ el escorzo de los brazos extendidos de San Juan proyecta aún otro par de metros más allá el espacio. Este recurso será muy utilizado por el Renacimiento y supone un alarde técnico para un pintor.






  • podemos apreciar como Giotto tambiénpretende captar los sentimientos. Cada personaje que contempla a Cristo muerto expresa una reacción única de mayor o menor intensidad y sinceridad dramática.


-- Los discípulos de la derecha ponen gestos apesadumbrados, pero conteniendo su dolor.
-----Hay ángeles que se desesperan, gritan y lloran violentamente, mientras que otros maldicen.
------ Las mujeres de la izquierda están estremecidas por el suceso: una se recoge sobre sí misma como no creyéndose lo que está viendo y otra como San Juan gesticula con los brazos de desesperación.
--------- María Magdalena recoge con amor los pies de su maestro.
----------- La Virgen María abraza compungida el cadáver de su hijo para besarle, su corazón está roto.



  • La composición. La escena principal no tiene que estar necesariamente en el centro. En este caso las figuras de Cristo y de la Virgen están desplazadas en el lateral izquierdo. Pese a romper la regla de la simetría como elemento de equilibrio, la obra resulta bien clara por varios motivos.


--- Todas las figuras confluyen con sus miradas en los rostros de Madre e Hijo.
------ Las figuras-bulto de primer plano, que ya hemos dicho, sirven para que nuestra atención no se detenga en el primer plano y se oriente, casi resbale por su espalda, hacia el foco temático que está en el segundo plano.
----------- La diagonal creada por la ladera de la montaña también nos está señalando el motivo principal.
------------------ No hay historia secundaria que distraiga nuestra atención.



  • El fondo es para él como un telón teatral de arquitecturas y paisajes casi abstractos, donde ubicar sus figuras, que es lo que realmente le interesa. Aún así no se puede decir que desprecie la ubicación espacial.


--- Los cielos azules suponen un avance sobre los fondos dorados bizantinos.
-------- Las rocas descarnadas y los árboles solitarios y desnudos, como el que aparece en la escena del Lamento, intensifican el dramatismo y el dolor de los personajes.
-------------- En las habitaciones intenta crear una perspectiva intuitiva con las líneas rectas de las estructuras arquitectónicas y de los muebles. En la Anunciación, que tenemos debajo, los balcones, el techo y el reclinatorio proyectan líneas que se alejan hacia la izquierda.
--------------------- Los paisajes ciudadanos demuestran un amor por la realidad cotidiana que no existía anteriormente.



  • Modelo humano. Rompe con los cánones estilizados y elegantes bizantinos. Sus figuras son un tanto achaparradas y gruesas. Sus rostros son estereotipados con ojos rasgados.




  • No hay jerarquía de tamaño. El personaje de Cristo es proporcional al resto de las figuras. El único elemento distintivo de su importancia es el halo, que por otra parte también tienen el resto de las figuras consideradas santas. Este elemento arcaico es una licencia que se permite Giotto para aclarar aún más la escena.


 


Última edición por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 7:05 am, editado 1 vez
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 12:02 am

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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 1:32 am

JAN VAN WEIDEN Pregunta de examen

Pintor flamenco activo entre 1400 y 1464. Junto al Maestro de la Flémalle y Jan van Eyck, es considerado creador de la pintura flamenca.


Retrato de dama. Van der Weyden, (1460). National Gallery Londres.



Algunas veces se le ha identificado como Rogelet de la Pasture, discípulo de Robert Campin en 1427. La influencia en sus primeras obras del maestro de la Flémalle ha provocado confusión, haciendo que algunas obras de este último hayan sido atribuidas al joven Van der Weyden, hipótesis que hoy ha sido abandonada. En cualquier caso, en las primeras obras realizadas antes de 1445, la influencia del maestro es evidente aunque presentan un mayor sentido de monumentalidad. El tríptico de la Virgen, repartido entre la capilla Real de Granada y el Metropolitan Museum de Nueva York, el Tríptico Miraflores de Berlín, y el Descendimiento del Museo del Prado, presentan un tratamiento estatuario de las figuras con fuertes ritmos serpenteantes. Desde 1435 hasta su viaje a Italia en 1450 vivió en Bruselas como pintor oficial de la ciudad.

En 1450 se traslada a Roma, quedándose un tiempo en Ferrara donde trabaja para Lionello de Este, visitando Florencia y Milán. Sobre su actividad en este periodo no se tienen muchas noticias. El Juicio Universal de Beaune, parece ser una obra anterior a este periodo, ya que se encuentra llena de reminiscencias al altar del Cordero Místico de los Van Eyck. La influencia del arte italiano sobre su obra se aprecia en una disminución del dramatismo y una refinadísima división del espacio. Obras como La Anunciación del Louvre, o el Tríptico de San Juan de Berlín, son de difícil precisión cronológica. De su última época con absoluta seguridad son el Tríptico de la Santa Paloma, de Munich, el Políptico de los Siete Sacramentos de Amberes.

Van der Weyden constituyó en nexo de unión entre la pintura de Robert Campin y Jan Van Eyck, tomando la emotividad y el ritmo lineal del primero, y aplicando el naturalismo y el tratamiento de la luz del segundo. Su obra tuvo una repercusión muy fuerte no sólo en Flandes sino en toda Europa, siendo un gran creador de composiciones. Como retratista destaca la definición psicológica que hace de los personajes y las variaciones de luz que incluye en obras como las Jóvenes mujeres, de Berlín, Francesco de Este, de Metropolitan Museum, y El Gran Bastardo de Borgoña, en Bruselas.







El Descendimiento. Rogier Van der Weyden

Es una de las obras maestras de todo el arte flamenco del siglo XV y que actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid. Fue realizada hacía 1435. La concepción espacial del marco y el volumen de las figuras recuerda la estructura de los retablos esculpidos, en los que las imágenes policromadas se adosan a espacios de escasa profundidad. Los personajes, con su corpulenta presencia, se disponen en un único plano. Sus actitudes, más allá de lo real, se muestran tremendamente efectistas tanto por la definición de sus sentimientos como por el tratamiento de los ricos tocados y vestidos.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=van-der-weyden-rogier1


OTRA POSIBLE CONTESTACIÓN



  Pintor flamenco de mediados del siglo XV, destacado por el carácter innovador de sus composiciones religiosas dentro de la pintura de su época. Nació en Tournai, y su verdadero nombre era Roger de la Pasture (apellido que al traducirse al flamenco se convierte en Weyden). Su primera formación la realiza en el taller de Robert Campin en su ciudad natal hacia el año 1427, y obtiene la maestría en 1432. En 1435 es el pintor oficial de la ciudad de Brujas, donde residió el resto de su vida. Sus numerosas obras —fundamentalmente religiosas como retablos, aunque también cultivó el retrato— carecen de firma y datación por lo que la cronología de su carrera se ha realizado sobre análisis estilísticos. Las pinturas de Van der Weyden, como las de otros pintores flamencos contemporáneos (especialmente las de Jan van Eyck), destacan por su detallada minuciosidad en la representación de los asuntos tratados, pues el autor atiende con la misma precisión desde el tema principal hasta el más mínimo detalle secundario o anecdótico que aparece en la obra. En su caso, se percibe en muchas de sus obras el interés por centrar la atención en la figura humana, motivo principal de la composición, a la que se subordinan el resto de elementos secundarios. Analiza de forma cuidadosa los diversos estados de ánimo de los personajes, y capta sus sentimientos y reproduce fielmente las distintas calidades de las telas y los plegados, al tiempo que modela sus personajes por medio de la luz y el color. Sus primeras obras, anteriores a 1430, presentan escenas de la vida de la Virgen, como La Anunciación (c. 1425, Museo del Prado, Madrid). 

Estas obras denotan cierto influjo de su maestro, Campin, pero están imbuidas de una mayor intensidad dramática y emocional, otro de los rasgos que caracterizan su producción. Las obras de madurez de Van der Weyden, realizadas entre 1430 y 1450, muestran un creciente interés por el tema de la Pasión de Cristo. Se distinguen por sus colores fríos, el movimiento rítmico de las líneas, a veces diagonales o curvilíneas, la elegancia en los gestos de las figuras, y un sentimiento religioso trágico que alcanza su apogeo en las tres versiones de la Piedad (c. 1440, una de ellas en el Museo del Prado, Madrid). Van der Weyden introdujo importantes innovaciones que influyen en la siguiente generación de artistas primitivos flamencos, como la perfecta composición de grupos de personajes que realiza en El descendimiento de la cruz (1435, Museo del Prado); marcos arquitectónicos en grisalla que definen el espacio de la escena, como en Llanto sobre el cuerpo de Cristo (capilla Real de Granada, España), y el mecanismo de colocar en el primer plano del cuadro una figura de espaldas, creando un espacio cerrado y unificado, como en Los desposorios de la Virgen (Museo del Prado). Con posterioridad a 1450, tras un viaje a Italia, donde Van der Weyden entró en contacto con la pintura del renacimiento italiano, su obra se hace más suave, de un realismo más idealizado y sentimental, particularmente en la Adoración de los Magos (Alte Pinakothek, Munich) o La Virgen con el Niño (Museo del Prado). Fue uno de los pintores más influyentes del siglo XV europeo, no sólo en los Países Bajos, sino también en España, Italia, Francia y Alemania, países que encargaron o recopilaron algunas de sus obras.  


Última edición por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 7:03 am, editado 3 veces
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 1:36 am

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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 8:50 am

 INNOVACIONES TÉCNICAS Y FORMALES DE LA ARQUITECTURA GÓTICA



En el siglo XIII el mundo cristiano se ha vuelto mucho más urbano y burgués. Surge una nueva ideología que se plasma en los ideales del abad Suger, brillo y esplendor frente a la austeridad del Císter. El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. El nuevo estilo recibirá el apoyo de las autoridades municipales y la burguesía. Su expresión más típica es la catedral, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.
Sin dejar de ser un arte didáctico, el gótico se vuelve mucho más decorativo que el arte románico. Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, que gracias a sus nervios que convergen en contrafuertesadosados o bien separados de los muros a través de los arbotantes, posibilita una envolvente ligera y diáfana que se recubre con vidrieras que permiten el paso de una luz tamizada por los colores de los cristales. Esta luz crea una atmósfera irreal, símbolo de la divinidad. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores, que tiñen el interior de color, o de una luz blanca. Existe un contraste entre estructura y apariencia.
Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales. La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.
El arco apuntado es una de las señas de identidad más características del arte gótico. Confiere a los edificios esbeltez y verticalidad. En el siglo XIII son muy abiertos, es el arco apuntado clásico. En el siglo XIV se hacen más apuntados y altos: se denomina arco lanceolado. Corresponde al momento de mayor verticalidad. En el siglo XV se utilizan el arco conopial, el carpanel y el mixtilíneo.
Los soportes, generalmente el pilar, evolucionan desde los redondos (columnas) a los acanalados con forma de estrella. Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas (baquetones). En el edificio gótico se necesita un sistema de contrapeso adicional a la función sustentante ejercida por el pilar (otra seña de identidad gótica) para ello se usan los contrafuertes separados del muro. Los arbotantes enlazan la bóveda central con los contrafuertes a través de un arco rampante. En la intersección se ponen pináculos para hacer más estable el conjunto. Además, los arcos poseen canales de desagüe del agua de lluvia, que terminan en gárgolas. En los edificios más altos existen dos niveles de arbotantes.
Tan características como los arcos apuntados son las cubiertas del gótico. Es la época de la bóveda de crucería, que permite cubrir espacios rectangulares a gran altura. Está formada por dos arcos (nervios) que se cruzan en el centro: en la clave. El resto de la superficie se cubre con plementos. Con este sistema todo el peso de la cubierta descansa sobre los soportes, por lo que el muro de descarga es innecesario y se puede cerrar el espacio con grandes ventanales. No obstante, para cubrir toda la nave siguen empleándose el sistema de arcos fajones. La bóveda de crucería evoluciona con el tiempo. En el siglo XIII se utiliza la bóveda de crucería simple. Para cubrir los espacios que no son rectangulares se utiliza un tercer nervio que divide la bóveda en seis partes (bóveda sexpartita). En el siglo XIV la bóveda se enriquece por medio de nervios secundarios (Terceletes) que van desde los ángulos a la mitad de los nervios; y ligaduras, que van desde el centro del cuadrado a la clave. Ellos dan a la bóveda un aspecto estrellado (bóveda estrellada). En el siglo XV a las bóvedas se añaden nervios combados, que van del centro del cuadrado al centro de los nervios pasando por en centro de los treceletes. Aparecen, también, las bóvedas de plementería calada, que se recubren con vidrieras.
Este sistema constructivo permite abrir vanos en los muros. En realidad los muros no son necesarios para sostener la cubierta, por lo que se permite la entrada de la luz lo más posible. El muro se cierra con vidrieras de colores que tamizan la luz. Las vidrieras se organizan en tracerías, o divisiones de piedra, que forman los vanos. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado que unen los diferentes trozos de cristal, y forman las figuras. Las vidrieras son un elemento indisoluble de la arquitectura, aunque utiliza los mismos convencionalismos iconográficos que la pintura, y su mismo programa.
La portada se revaloriza. Aquí aparecen los principales motivos ornamentales, que se vuelven más naturales. En ella se colocan las torres y las puertas. Las torres pueden estar adosadas a las naves, o justo encima de las puertas laterales.
 La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón: que iluminan el interior. También las portadas laterales se decorarán. El rosetón tiene también una función simbólica, pues representa la luz de Dios. En ocasiones la fachada se remata con un gablete triangular. Las portadas siguen el modelo románico: son abocinadas y en ellas se encuentra la decoración escultórica. Su número varía en función de las naves que hay en el interior.
En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales. El muro tiende a desaparecer, sobre todo en lo alto. El triforio es estrecho, ya que pierde su función de tribuna, y se emplea sólo para que pase la luz al interior.
En el gótico se distinguen cuatro etapas: el gótico primitivo o protogótico, al que pertenece Notre-Dame de París. Tiene un aspecto un tanto románico. El gótico clásico, del siglo XIII, principalmente en la primera mitad, a la que pertenece la catedral de Chartres, y en el que desaparece la tribuna, y los ventanales se alargan. El gótico manierista, de la segunda mitad del siglo XIII, que en algunos lugares se alarga hasta el XIV. Se multiplican los radios de los rosetones, y se complican y estilizan todos los elementos arquitectónicos. Además, hay una mayor luminosidad, porque el triforio casi desaparece en favor del claristorio. Y el gótico flamígero, sobre todo en Francia durante los siglos XIV y XV, en el que las estructuras se vuelven más sencillas y la decoración más abundante. Se caracteriza por la decoración de calados con adornos asimétricos, semejantes a las ondulaciones de las llamas. Aparecen: el arco conopial y las bóvedas estrelladas, como en la catedral de Oviedo. Esta es la época en la que surgen, en España, el estilo isabelino, en fusión con el mudéjar.
Además de las catedrales, adquieren importancia otros edificios civiles. Las ciudades crecen dentro de sus murallas, gracias a la burguesía, y aparecen edificios de administración y comercio. Se levantan el ayuntamiento, las lonjas, sin dejar de construirse castillos y fortificaciones militares, con menos vanos. La ciudad tiende a organizarse en torno a la catedral, el ayuntamiento y la lonja. Aparecen, también, palacios urbanos, que expresan la riqueza tanto de los nobles como de la burguesía.

 


Última edición por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 9:09 am, editado 1 vez
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 8:55 am

 EL FINAL DEL GÓTICO Y LOS REYES CATÓLICOS







Gótico isabelino, también llamado estilo Reyes Católicos, es un estilo propio de la Corona de Castilla durante el reinado de los Reyes Católicos, que representa la transición entre el gótico final y el renacimiento inicial, con características originales e influencias decorativas del arte islámico y del mudéjar, de Flandes y, en menor medida, de Italia. La consideración o no del isabelino como un estilo gótico o renacentista, como un estilo ecléctico, o como una fase dentro del más genérico plateresco, es una cuestión debatida por la historiografía del arte y aún no resuelta.1
El estilo isabelino introduce varios elementos decorativos más que estructurales, de influencia islámica y otros procedentes de la tradición castellana y de Flandes, especialmente en las formas flamígeras. Muchos de los edificios que se construyeron en este estilo fueron encargos de los Reyes Católicos o bien estuvieron de algún modo patrocinados por ellos. Paralelamente se desarrolla en Portugal un arte muy similar denominado manuelino. Como característica más evidente está el predominio de los motivos heráldicos y epigráficos; especialmente los símbolos de el yugo y las flechas y la granada, que hacen referencia a los monarcas. También es característico de este periodo la ornamentación con bolas.
Las referencias a la Antigüedad clásica en España apenas son algo más que literario, al contrario que en Italia, donde la presencia de edificios romanos era mucho más abundante y lo gótico se había recibido de una forma muy adaptada al gustoclasicista local. Hasta la década de 1530 y aún después no terminó de imponerse lo romano a lo moderno en la arquitectura española. El uso de estos términos se refería, en la intención de los que los usaban, a cosas diferentes a lo que hoy podría pensarse: lo romano era el estilo del renacimiento clasicista, purista e italianizante; mientras que lo moderno era para ellos el gótico que era estructuralmente racional y eficaz, y el vocabulario decorativo plateresco.
Independientemente de las características ambientales de los interiores, el gótico proporciona unos sistemas estructurales de conocida y probada eficacia. Y precisamente el estilo gótico había tenido en la Península una serie de modificaciones debidas a la tradición local: ventanas más pequeñas que las conocidas en el sistema constructivo y pendientes de cubierta mucho menos pronunciadas, y también cubiertas planas, lo que hizo un estilo realmente original, pero que aprovechaba eficientemente el sistema constructivo gótico. Por otro lado, muy probablemente los arquitectos españoles habituados al gótico, considerasen con cierto desprecio los tirantes metálicos vistos y refuerzos, que los arquitectos italianos se veían obligados a colocar en los arcos para resistir los empujes horizontales, cuando en el sistema constructivo "gótico" con su bien conocida distribución de fuerzas, simplemente no eran necesarios o había métodos que evitaban la "trampa" de estas ayudas arquitectónicas.
A partir de la herencia gótica se empieza a gestar un estilo propio en el que se incluyen elementos más modernos. Quizá el ejemplo más representativo de este estilo sea el Monasterio de San Juan de los Reyes de Toledo, en que la idea gótica está más en el sistema constructivo que en la concepción del espacio interior, la relación se hace más lejana con el gótico original francés, pero más cercana a una tradición constructiva local.
Por ello en la Península, cuya tradición de arquitectura clásica está temporalmente muy alejada, (tras siglos de construcción gótica) prefiere, por tradición propia, por racionalidad constructiva, el sistema gótico, que en el tiempo va evolucionando en la decoración de los edificios, correspondiendo con la riqueza general del país en el momento, hacia un recargamiento, lo que se ha dado en llamar plateresco, mientras se mantienen íntactos varios elementos del gótico, especialmente el modo de llevar las cargas de las bóvedas a los pilares (no a los muros, como en el románico), apuntalándolos con los arbotantes, con sus chapiteles y muchas veces, los arcos apuntados.
En América se destaca la Catedral Basílica Metropolitana Santiago de Tunja, es la iglesia catedralicia de culto católico romano más antigua de Colombia, ubicada en la Plaza Central Mayor de la ciudad capital del departamento de Boyacá, Santiago de Tunja;



La iglesia se caracteriza por tener una planta basilical compuesta por tres naves principales sin transepto denominadas nave central, nave evangelio (norte) y nave epístola (sur), a las cuales se le han anexado cuatro capillas laterales menores denominadas Domínguez Camargo y Mancipe (al norte), y Hermandad del Clero y de Santiago (al sur), y dos capillas frontales que coinciden con las naves evangelio y epístola.





Fachada del Colegio de San Gregorio, Valladolid. 



 Interior de San Juan de los Reyes, Toledo.


Iglesia del Sagrario, Málaga
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 12:18 pm

GÓTICO RADIANTE, CARACTERÍSTICAS GENERALES Y EJEMPLOS (Pregunta teórica y lámina de examen)




Gótico radiante (rayonnant en francés) es la denominación historiográfica de una de las fases del arte gótico, acuñada específicamente para la arquitectura gótica en Francia, y coincidente en gran medida con el reinado de Luis IX (1226-1270).
Uno de los primeros edificios que sentaron los patrones de este estilo fue la Catedral de Beauvais, que pretendía una altura de las bóvedas tan imponente (48 metros) que no fue igualada en ningún otro edificio gótico. La Sainte-Chapelle, en París, concebida como una especie de relicario de cristal, constituye el paradigma perfecto del estilo radiante.
En el interior de estos edificios la luz se convierte en el elemento predominante, y en función de ella y su significado simbólico y espiritual se conciben el resto de elementos arquitectónicos. Se intenta liberar los muros de su función sustentante para colocar vidrieras más grandes y muy decoradas. Puede ser mediante rosetones radiales (de ahí el nombre) o de vanos de mayor tamaño que antes, que se decoran con vidrieras, sobre todo de color azul oscuro y rojo. Los edificios tienden también a ganar en altura y verticalidad.

 ¡Ojo! lámina de examen
Rosetón de la catedral de Notre-Damede París. 


La Sainte Chapelle.





 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 12:29 pm

 ARQUITECTURA ALMOHADE: características y ejemplos








La laxitud moral y la degradación de costumbres de los almorávides dio lugar a un nuevo movimiento rigorista, los almohades, al-muwahhidun "los unitarios". Estaba encabezado por Ibn Tumart quien procedía de un medio tribal del Alto Atlas. Su continuador, Abd Al-Mumin, se nombró califa, tomó Marrakech en 1147 y emprendió la conquista del resto de imperio incluyendo Túnez. Al-Andalus fue incorporada definitivamente por su sucesor Abu Yaqub Yusuf quien eligió, en 1172Sevilla como capital del nuevo imperio. 
El retorno a la austeridad más extrema se trocó, aún más rápidamente que en el caso de sus predecesores, en uno de los momentos artísticos de mayor brillantez, particularmente en el terreno de la arquitectura. De forma que, el arte almohade (1130-1269) va a continuar la estela almorávide consolidando y profundizando sus tipologías y motivos ornamentales. Va a construir con los mismos materialesladrilloyesoargamasa y madera. Y, va a mantener como soporte el pilar y los arcos empleados en el período anterior.




Sus mezquitas, excepto la inacabada de Rabat, van a seguir el modelo de la mezquita de Tremecén, con naves perpendiculares al muro de la qibla. En ellas, se potencia un esquema en "T" mediante cúpulas que son de muqarnas en la mezquita deTinmal y en la Qutubiyya de Marrakech. Asimismo, la Qutubiyya, la de Hasan y la de Sevilla cuentan con alminares muy semejantes entre sí. Se caracterizan por su planta cuadrada y su alzado compuesto por dos torres, una de las cuales alberga a la otra y entre las que discurre una escalera o una rampa en el caso de la Giralda de Sevilla. La torre interior está formada por estancias abovedadas superpuestas que tendrán repercusión posterior en las torres campanarios mudéjares, sobre todo deAragón. 

Desarrolla los patios cruceros que ya habían hecho su aparición en Medina al-Zahra aunque es, en estos momentos, cuando adquieren un gran protagonismo. Sus mejores testimonios se hallan en el Alcázar de Sevilla donde se han conservado el patio de la casa de Contratación y otro, actualmente subterráneo, conocido como el Jardín Crucero o los Baños de doña María de Padilla. Estos posiblemente fueron trazados por alarifes que realizaron el patio crucero del Castillejo de Monteagudo, mandado construir por el gobernante beréber del reino independiente de Murcia. Este esquema será retomado en los patios nazaríes y mudéjares. Igual repercusión tendrá otra novedad que aparece en el Patio del Yeso del Alcázar sevillano. Consiste en la colocación de unas pequeñas aberturas o ventanas cubiertas con celosías de estuco sobre el vano de acceso a una estancia para permitir su iluminación y ventilación. 


Experimenta un enriquecimiento tipólogico y un perfeccionamiento de su eficacia defensiva de gran trascendencia, incluso, para el ámbito cristiano. Aparecen complejas puertas en recodo para que los atacantes al avanzar dejen uno de sus flancos al descubierto; torres poligonales para desviar el ángulo de tiro; torres albarranas separadas del recinto murado pero unido a él en la parte superior mediante un arco superior y cuya proyección hace que aumente su eficacia defensiva respecto a una torre normal; muros corachas que discurren perpendiculares al recinto murado al objeto de proteger una toma de agua, una puerta y evitar el cerco completo; así como barbacanas o antemuros. Entre las fortificaciones destacan las alcazabas de Cáceres,Badajoz, donde se encuentra la torre albarrana de Espantaperros, y Sevilla; a esta última pertenece la famosa torre albarrana poligonal conocida como la Torre del Oro. Los almohades se encuentran, asimismo, entre los primeros en utilizar bóvedas nervadas para cubrir estancias militares, ya que hasta entonces este tipo de cubrición se había utilizado casi exclusivamente en edificios religiosos (como la mezquita de Córdoba y la de Bab al-Mardum en Toledo). Las mejor conservadas en la arquitectura militar están en el castillo de Villena y el de Biar.1




 


Última edición por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 11:28 pm, editado 1 vez
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 12:58 pm

 LA VIDRIERA: CHARTRES Y SAINT-CHAPELLE

La vidriera del Gótico supone la definitiva consolidación, desarrollo y expansión de este arte en toda Europa y, según muchos autores, el periodo de que mejor define la esencia del arte de la vidriera.

La vidriera se constituye en la principal forma de pintura monumental, transforma la arquitectura del momento y se convierte en el vehículo idóneo para expresar los conceptos de la mística y el simbolismo del Cristianismo de los siglos finales de la Edad Media.


Las atractivas posibilidades lumínicas y simbólicas de la vidriera, junto con los avances técnicos en la arquitectura, como el desarrollo del sistema de contrafuertes, pináculos, bóvedas nervadas, etc., propiciaron una espectacular reducción del tamaño y grosor de los grandes muros de los edificios religiosos, facilitando la apertura de grandes ventanales en varias alturas del edificio, compartimentados mediante maineles y complejas tracerías. El edificio más importante en la evolución de la arquitectura gótica del siglo XIII, dentro del proceso de sustitución del muro por paramentos translúcidos fue, sin duda, la Sainte Chapelle de París. 
, Sainte-Chapelle es la capilla del Palacio Real de París fue edificada por Pierre de Montreuil durante el reinado de san Luis con un fin muy preciso: custodiar en su interior una de las reliquias más preciadas de la cristiandad, la corona de espinas de Jesucristo. Aunque presenta dos niveles, sólo la iglesia alta estaba directamente implicada en este cometido, y es en ella donde se lleva hasta sus máximas consecuencias la estructura diáfana. Todos sus elementos están subordinados a la función de relicario que debía ejercer la fábrica. 

Sainte-Chapelle de una sola nave, la zona presbiterial estaba presidida por la sagrada reliquia y a su alrededor se distribuían, como ahora, los vitrales y las figuras de los doce Apóstoles (en alto y apoyados contra los pilares que separan las ventanas) con los símbolos de la Pasión en sus manos.



La Santa Capilla (Sainte-Chapelle, en francés) está considerada una de las obras cumbre del periodo radiante de la arquitectura gótica. Fue construida para albergar las reliquias adquiridas por el rey san Luis de Francia, por lo que ha sido considerada como un enorme relicario. Las paredes han sido remplazadas por ventanas que filtran la luz a través de las vidrieras policromadas.  


























La catedral de Chartres en Francia, aparte de por sus flechas características, es conocida como la catedral de las vidrieras, admirables porque terminan por inmaterializar la atmósfera de la basílica, haciendo de ella según palabras de Edmond Joly “el navío encantado de una música muda, celebrando por los colores, en la luz, el secreto de la eterna travesía”.
De la primera mitad del s. XII quedan los de Nuestra Señora de la Bella Vidriera, realizados en tonos de un azul tal que parecen haber aprisionado el cielo. Esta vidriera logró salir indemne del incendio que destruyó en 1194 la construcción del s. XI, de la que prácticamente solo quedó la cripta.
En torno al 1150 se construyen las tres grandes vidrieras de la fachada occidental, que también lograron escapar al incendio de 1194. Son el vitral del Árbol de Jessé, “el más bello vitral del mundo” según Emile Mâle, de la Infancia y la Vida de Cristo, de la Pasión y de la Resurrección, con figuras en las que unos trazos de grisalla son suficientes para traducir una gran profundidad de sentimientos.




Detalle del vitral «Notre-Dame de la Belle Verrière», una parte del siglo XIII.



Vitral de la parábola del Buen Samaritano.



Vitral de la Vida de San Lubin.



Vitral de la Vida de San Eustasio.















 
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Mensaje por Uni Kotto el Miér Ago 07, 2013 11:30 pm

Desarrollo de la arquitectura gótica en francia: el período preclásico y clásico.








Gótico francés    (wikipendia)


Francia supone el punto de origen del estilo gótico y el lugar desde donde se fue creando esta arquitectura para difundirse por toda Europa.


  • Gótico preclásicogótico inicialgótico primitivo o primer gótico; los primeros templos construidos son la abadía de Saint Denis en 1144 y la catedral de Sens en 1140. Destaca la Catedral de Nuestra Señora de París.

  • Gótico clásico, también denominado alto gótico (1190–1240), en este periodo desaparecen los últimos vestigios del estilo románico, los templos presentan tres pisos, arcadas, triforio y claristorio. Buen ejemplo de este periodo es la catedral de Chartres, que sirvió de modelo para otras grandes catedrales de la época como la Catedral de Soissons y la de Reims.

  • Gótico radiante (rayonnant) (1240–1350), llamado así por el diseño de grandes rosetones, que constituyen una de sus principales características. Estas ventanas forman parte de la evolución del tamaño de los vanos en general, su tracería y el papel que tuvieron en la articulación de los edificios. La tracería cobra una creciente importancia y pone de manifiesto un cambio de puntos de interés. Puede destacarse dentro de la evolución de este estilo la Sainte Chapelle, en París, considerada como una de las joyas del arte gótico

  • Gótico flamígero (flamboyant) (desde 1350).






OJO LA PREGUNTA SÓLO SE REFIERE AL GÓTICO PRECLÁSICO Y CLÁSICO

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Última edición por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 12:07 am, editado 3 veces
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 12:00 am

PALACIO O CUARTO  DE LOS LEONES




Cuando Mohamed V sucedió a su padreYusuf I, no se limitó a terminar las reformas que éste había comenzado, sino que comenzó a construir lo que sería su gran obra, el magnífico legado que nos dejó en la Alhambra: el Palacio de los Leones. Este palacio constituía las estancias privadas de la familia real, y se construyó en el ángulo que forman losBaños y el Patio de los Arrayanes.

En este palacio el arte nazarí alcanza su máximo esplendor, en el que se alcanza una belleza de una sensibilidad y armonía incomparables, donde la luz, el agua, el colorido, la decoración exquisita, convierte a este palacio en una maravilloso placer para los sentidos, en el que se deja atrás el periodo anterior de decoraciones más abstractas y geométricas para dar paso a un estilo más naturalista, sin duda influjo de lo cristiano, acrecentado por la amistad que mantuvieron Mohamed V y Pedro I, el Cruel, por aquel entonces monarca cristiano. 

 







[b style="text-align: justify; "][/b]
PALACIO DE LOS LEONES

El palacio está compuesto por un patio central rodeado de galerías de columnas a modo de claustro cristiano, que permite el acceso a distintas salas: al oeste la de los Mocárabes, al este la de los Reyes, al norte la de Dos HermanasAjimecesMirador de Daraxa y al sur la de losAbencerrajes y el Harén.







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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 12:10 am

 GÓTICO INGLES
Gótico inglés ( wikipendia)

La arquitectura gótica inglesa sigue una evolución independiente del resto del continente. A finales del siglo XII comienza a sustituir al estilo normando reinante (denominación que recibe en este país el estilo románico) y se prolongará hasta más de un siglo después de que en Florencia se introdujera el estilo renacentista a principios del siglo XVI. Los historiadores del arte han dividido tradicionalmente el gótico inglés en tres periodos:

    Primer gótico inglés o gótico primitivo (Early English) constituye la primera fase, que se inicia con el coro de la catedral de Canterbury, construida conforme al modelo francés. En 1192 se empieza a construir la catedral de Lincoln, los trabajos se prolongarán durante todo el siglo XIII. El más puro gótico inglés de esta época lo representa la catedral de Salisbury que es ejecutada de un tirón. El estilo es más horizontal que en Francia y se desarrolla un tipo de fachada, denominada de pantalla, la fachada surge como una pantalla con una reducida puerta de acceso y numerosas arquerías ornamentadas con estatuas, que cubren toda la superficie, incluidas las torres, las naves se alargan. La abadía de Westminster, comenzada en 1245 es influenciada por el estilo francés.

    Gótico curvilíneo o decorado (Decorated Style), abarca el periodo comprendido entre finales del siglo XIII y la mitad del siglo XIV. Característico de este periodo son las ventanas con tracería y también se construyen salas capitulares de forma poligonal.

    Gótico perpendicular (Perpendicular Style): se desarrolla a partir de la mitad del siglo XIV y corresponde a la fase del gótico más tardío que se va a caracterizar por las bóvedas de abanico, el uso de moldura verticales en los muros y tracerías y la generalización del arco llamado Tudor. Las obras más representativas se encuentran en las universidades de Oxford y Cambridge, donde destaca el King's College, Cambridge, que se comenzó a construir en 1443, también son muy notables la iglesia de San Jorge en Windsor y la de Enrique VII, en la abadía de Westminster. Existe también un gran desarrollo de la arquitectura civil.




[th]Gótico inglés[/th]




Catedral de Canterbury
Catedral de Salisbury
Abadía de Westminster(entrada norte)
Capilla de San Jorge del Castillo de Windsor






 
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Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 11:01 am

HUGO VAN DEN GOES


TRIPTICO PORTINARI


La Adoración de los Pastores es la tabla central del Tríptico Portinari (en italianoTrittico Portinari), obra del pintor flamenco Hugo van der Goes. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, en panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.


El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisajeDomenico Ghirlandaiocopió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencasllegadas a ItaliaLorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.


Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.
La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.
    LAS DOS ALAS LATERALES DEL TRIPTICO.

En primer plano, un bodegón de flores: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, y otro de cristal, con flores. A su lado, los ángeles. A su alrededor, los pastores son representados como campesinos, con rostros más realistas y ropas severas. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal.
En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra. En el ala izquierda del retablo está representado Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio yTomás; el paisaje del fondo representa el viaje a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra a la esposa, María Portinari, con sus hijas, y las santas Margarita y María Magdalena; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal.
En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.

 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 11:08 am

EL POLIPTICO DE VAN EYCK FLAMENCO
 



















 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 
El Políptico de la Adoración del Cordero Místico, también conocido como Políptico de Gante o el Altar de Gante es un retablo o conjunto de cuadros o tablas pintadas al óleo por los hermanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante.

En el marco inferior interno está escrita una cuarteta rimada que dice que fue comenzado por Hubert van Eyck "del cual no existe mejor" y que Jan, "segundo en el arte", lo acabó en 1432. Se supone que Jan siguió el trabajo a la muerte de Hubert. También en la inscripción se dice la identidad de los comitentes: Joos Vyd y su esposa.1

Sus 24 paneles forman la obra de mayores dimensiones de la pintura flamenca.2

La tabla central que representa la escena de la Adoración es una obra fundamental en la historia de la pintura ya que presentaba un nuevo campo de visión naturalista, resultado de ampliar sobre una tabla, escenas y representaciones que hasta entonces solo fueron accesibles a los conocedores de las miniaturas.

El panel central interior del políptico, junto con los paneles interiores de las puertas representa una composición basada en un pasaje del Apocalipsis de San Juan (7.9) que dice :

El políptico normalmente se mostraba cerrado, con las escenas menores de la parte exterior de las puertas visibles, pero en las festividades se mostraba abierto, con los paneles interiores visibles, entonces se revelaban sus mejores figuras, escenas y colores.

Una serie de referencias esotéricas que llenan el retablo de simbolismo escondido, muy del gusto de los pintores flamencos junto a referencias cultas a la pintura italiana del Trecento, a Giotto e incluso a su contemporáneo, el pintor renacentista Masaccio, confieren al cuadro un notable interés, ya que Jan, el autor del panel central, fue capaz de reelaborar los elementos simbólicos dentro de los elementos visibles. Pero es su aportación innovadora a la representación de la realidad y al desarrollo del espacio pictórico lo que sitúa este retablo como un hito en la historia del arte que marca ya la transición del gótico al Renacimiento.

En la escena contemplamos una campiña con la ciudad de Gante al fondo. Esta campiña presidida por el trono del Cordero es un espacio que alberga un despliegue efervescente de miles de figuras y detalles prodigiosamente concretos. Una ola de luz penetra toda la naturaleza, liga sin brusquedad todos los ambientes y une armoniosamente todas las materias, desde las telas de los ropajes y los metales de las hebillas y coronas, hasta la piel de losrostros o las hojas de los árboles y los edificios del fondo.

El Políptico fue pensado para la catedral de san Bavón en Gante, donde permanece aún hoy. No obstante, Napoleón se llevó a París las cuatro tablas centrales, que volvieron a Gante en 1816. Ese mismo año, las alas laterales fueron vendidas, regresando un siglo después, en 1919. Durante la segunda guerra mundial, fue trasladado y guardado en una mina de sal, lo que causó algún deterioro.





    Adán (detalle)

  •  



  •                                                                                                                        Eva (detalle)



  • Los paneles superiores  De los extremos representan a Adán y Eva, a la izquierda y derecha respectivamente. Están desnudos, no idealizados, sino con cuerpos extremadamente reales; el vientre hinchado de Eva hace referencia a su papel como madre de toda la Humanidad.7
    Han sido pintados con su púdica hoja, y Eva sostiene la manzana que le hizo salir del Jardín del EdénAdán parece como si anduviera, dotando a la pintura de mayor perspectiva tridimensional.
    Los paneles de Adán y Eva están rematados con La ofrenda de Caín y Abel (sobre Adán), y el asesinato de Abel en manos de su hermano Caín (sobre Eva).7 A diferencia de otras figuras, estas escenas fueron pintadas para dar la apariencia de serbajorrelieves.
    En el siglo XIX, las representaciones desnudas de Adán y Eva fueron consideradas inaceptables, y los paneles fueron sustituidos por reproducciones vestidas, que aún se conservan en la catedral de Gante.
















 

 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 11:18 am

 ANUNCIACIÓN. Díptico de  Simone Martini















Simone Martini1333
Temple sobre madera • Gótico
23,5 cm × 14,5 cm
Real Museo de Bellas Artes de Amberes, Amberes
 Es un díptico obra del pintor italiano Simone Martini. Está realizado en temple sobre madera, y fue pintado en 1333. Cada una de sus dos tablas mide 23,5 cm de alto y 14,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Real Museo de Bellas Artes de Amberes.Este Díptico está formado por dos tablas. En la de la izquierda está representado el Ángel y en la derecha, la Virgen.
Están realizados con la misma técnica, temple sobre madera, y las dos tablas miden lo mismo: 23,5 × 14,5 cm.
El ángel está arrodillado, anunciando a María que será madre. En este punto utiliza la técnica del esgrafiado sobre el fondo de oro, para que las alas parezcan realmente de pluma.
La Virgen María recibe la noticia con recogimiento. Esta obra de pequeño tamaño permite, sin embargo, apreciar el dibujo de Simone Martini y su destacado colorido, típico del autor: la Virgen, sentada sobre un trono dorado, lleva un vestido rojo y un manto de intenso azul con los bordes de oro.
Las carnaciones se modelan a partir del "verdaccio", preparación de tonalidad verdosa sobre la que se pinta a pequeñas pinceladas de tonos oscuros y luminosos. Los mantos se dibujan con pliegues, en oro, según la tradición de la "maniera grieca".
Tanto la figura de la Virgen como la del ángel se recortan sobre un fondo típicamente dorado. Los bordes laterales y superior se adornaron a punzón con una cenefa de rosetas y motivos ojivales, creando así una arquitectura gótica que enmarca la escena. 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 11:26 am

ROSETÓN CATEDRAL DE NOTRE DAME EN PARÍS




En la Edad Media, todos los vanos de Notre-Dame tenían vidrieras magníficas. Todo fue destruido en el siglo XVIII, excepto tres grandes rosetones, de excepcional calidad. En el siglo XIX, Viollet-le-Duc y sus colaboradores crearon nuevas vidrieras en el estilo medieval para las capillas laterales y las de la girola. Por fin, en el siglo XX, en 1960, Jacques Le Chevallier hizo para las ventanas altas de la nave y para los vanos de las tribunas unas vidrieras no figurativas en los tonos de los tres rosetones de la Edad Media. 

Está dedicado al Antiguo Testamento el rosetón Norte. Predomina el color morado, señal de espera y de esperanza de la venida del Mesías. En tres círculos, están representados ochenta personajes: profetas, reyes, jueces y sumos sacerdotes. En el centro, de nuevo se encuentra la Virgen con el Niño, realización de la promesa y, por eso, que une el Antiguo Testamento al Nuevo. 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 11:36 am

 CATEDRAL DE BURGOS
Escultura
Puerta Sarmental




En el brazo, la puerta sur del crucero o Puerta Sarmental, está muy emparentada con el arte francés; posiblemente el escultor sea uno de los que trabajan en la catedral de Amiens, se le conoce por "escultor de la sonrisa del buen Dios”. 


La puerta sigue el esquema y la iconografía de las catedrales francesas, el tratamiento de la corona del Cristo es igual que el de Amiens; el tímpano, en el que se representa Cristo y los evangelistas en su doble aspecto de Tetramorfos y escribanos en sus pupitres (rasgo de tipo popular); en las arquivoltas (se reconoce la mano del autor del tímpano) se representan figurillas de ángeles, serafines, ancianos del Apocalipsis y figuras que se interpretan como alegoría de las artes. 
Aparece un nuevo concepto de espiritualidad: el mundo celestial se aproxima al terreno se hace más accesible. El Pantocrátor mantiene un aire arcaizante por su hieratismo, pero es más conciliador que el Cristo románico, expresa misericordia, aunque sigue bendiciendo con una mano y sosteniendo el libro con la otra, resulta más cercano y comunicativo. 






Otro maestro es el autor del [b style="color: rgb(0, 0, 0); font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; text-align: justify; background-color: rgb(248, 229, 196); font-weight: bold; font-style: italic; "]parteluz[/b] representando al [b style="color: rgb(0, 0, 0); font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; text-align: justify; background-color: rgb(248, 229, 196); font-weight: bold; "]obispo Mauricio[/b] y del apostolado del [b style="color: rgb(0, 0, 0); font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; text-align: justify; background-color: rgb(248, 229, 196); font-weight: bold; font-style: italic; "]dintel[/b] interpretados con un sentido naturalista en la expresión de los rostros y en el movimiento de los cuerpos. Los plegados de los paños muy naturales. Son figuras con rasgos individuales que aparecen en parejas, conversan, giran la cabeza. Se produce una rotura de la ley de la frontalidad: sus cuerpos permanecen frontales mientras que sus cabezas se mueven, los rostros repiten tipos populares. La técnica es compleja, con cánones un poco alargados, con perspectiva, las figuras se van despegando del marco, aparecen los sentimientos.

En resumen: un eje de simetría divide el conjunto y subraya la importancia de Cristo en el tímpano y del Obispo Mauricio en el parteluz. Las figuras se adaptan a la forma del tímpano curvándose para adaptarse al arco apuntado, las figuras de las arquivoltas siguen la forma del arco. Las figuras se humanizan, se relacionan entre si, los rostros tienen rasgos diferenciadores, los ropajes presentan plegados dando profundidad. La mayoría son figuras casi exentas sobre peanas, doseles.








Fuente: http://iesleopoldocano.centros.educa.jcyl.es/aula



























http://iesleopoldocano.centros.educa.jcyl.es/aula/archivos/repositorio/0/5/html/web/etapa1/catedral/#Puerta_Sarmental


 


 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 11:45 am

Abrazo en la puerta dorada
Autor: Giotto di Bondone
Fecha: 1304-06
Museo: Capilla de los Scrovegni
Características: 200 x 185 cm.
Estilo: 
Material: Fresco
Copyright: (C) ARTEHISTORIA








Este fresco está pintado dentro de un ciclo inmenso en el interior de la Capilla Scrovegni, una edificación de finales delDucento, también denominada Capilla de la Arena, por encontrarse muy cerca de un antiguo Teatro Romano. El ciclo se corresponde perfectamente con la estructura arquitectónica de la capilla, por lo cual durante mucho tiempo se pensó que tal vez su autor, Giotto, pudiera también haber realizado los planos de aquélla. El encargo lo realizó una familia particular, y no la Iglesia como era habitual. Esto ya habla de un cambio de mentalidad en una época que todavía puede considerarse como medieval para el resto de Europa. El tema es la historia de San Joaquín y Santa Ana, los padres de la Virgen María; este episodio en concreto narra el encuentro de los dos cuando se comprometen en matrimonio, ante una de las puertas de Jerusalén, la Puerta Dorada. Los progenitores aparecen abrazados y besándose, momento en el cual se consideraba que Santa Ana concibió a la Virgen, ya que según la Iglesia, María había sido concebida sin pecado. Giotto utiliza algunos modelos para sus personajes de otros artistas, incluso de escultores, como los Pisano. Los frescos se organizan en tres grandes registros horizontales, con escenas de tamaño similar a la que nos ocupa, delimitadas por cenefas de mármoles y adornos fingidos. El techo simula ser una bóveda celeste azul, con las constelaciones y las estrellas en dorado. Este tipo de decoración era muy frecuente en el Gótico italiano e incluso la Capilla Sixtina ostentaba este supuesto cielo antes de que Miguel Ángel recibiera el encargo delJuicio Final. Otro rasgo de modernidad en los frescos de Giotto lo encontramos en el empleo sobrio del dorado, que en el Gótico de otros países se extremaba al máximo, como por ejemplo en España. Aquí, Giotto lo aplica tan sólo en los nimbos que distribuyen a los personajes sagrados de los normales y en las orlas de los vestidos. Los nimbos además son de pastillaje, una técnica que emplea relieves de yeso sobre los que se aplica el pan de oro para fingir mayor riqueza. Esta técnica italiana se empleó mucho precisamente en las regiones levantinas. Esa restricción del oro es lo que hace que el fondo de la escena sea de paisaje urbano, un paisaje en el cual puede observarse el urbanismo típico de una república italiana medieval, con sus torres, murallas y edificios de colores. Las figuras de Giotto tienen una presencia monumental que las distingue de las de cualquier otro autor. La masa corporal, la individualización de los personajes a través de sus rostros y gestos, la elegancia y el empleo casi por primera vez de las gamas tonales, en vez de colores absolutos, planos, son rasgos del pintor que introducen en el comienzo del Trecento. 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 11:53 am

La Madonna Rucellai
Duccio pintó esta obra para la Iglesia de Santa María de Novella de Florencia, aunque en la actualidad se encuentra en la Galería de los Uffizi.


 

Se trata de un retablo que muestra a la Virgen sentada en el trono con el Niño Jesús, flanqueada por dos ángeles de rodillas y con un fondo de oro de tradición bizantina.
Presenta muchos elementos similares a la Madonna de Cimabue, ya que Duccio fue discípulo suyo. Pero la delicadeza, el limpio colorido y el movimiento decorativo de la línea ondulada del borde del manto de la Madonna Rucellai difieren de la de Cimabue.
El trono, que se presenta simultáneamente de frente y de lado, no tiene respaldo y detrás de la Virgen se coloca un velo. Los ángeles que la flanquean aparecen arrodillados unos sobre otros, no hay profundidad, ya que Duccio no se preocupa por el volumen de las formas, sino por el color.
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 12:00 pm


CATEDRAL DE NOTRE-DAME DE PARIS


Construida entre 1163 y 1245 en la Île de la Cité, la Catedral de Notre Dame de París es una de las catedrales góticas más antiguas del mundo. El nombre de la catedral significa Nuestra Señora y está dedicada a la Virgen María.



Catedral de Notre Dame











Gárgola de Notre Dame admirando París





Notre-Dame iluminada.




En sus ocho siglos de historia, la Catedral de Notre Dame ha sido reformada en varias ocasiones, siendo la más importante la de mediados del siglo XIX. A lo largo de estos años se sustituyeron los arbotantes, se insertó el rosetón sur, se reformaron las capillas y se añadieron estatuas.
En Notre Dame se han celebrado importantes acontecimientos, entre los que cabría destacar la coronación de Napoleón Bonaparte, la beatificación de Juana de Arco y la coronación de Enrique VI de Inglaterra.
Notre Dame tiene dos torres de 69 metros en su fachada. 


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(Wikipendia)




La catedral de Notre Dame se encuentra en la Île de la Cité, núcleo del que germinó la París celta y posteriormente la urbe romana y medieval. Se sabe que este templo gótico se construyó sobre el solar de numerosos edificios anteriores, entre ellos un templo romano dedicado a Júpiter, una iglesia altomedieval del siglo VI con el nombre de Saint-Etienne y otra románica. El actual edificio se edificó a partir de 1163, siendo el más notable de los edificios franceses del Gótico Temprano.
Sin problemas de financiación, las obras avanzaron muy rápidamente, llegando a la fachada occidental alrededor del año 1200, mientras que las torres se terminaron a mitad del siglo XIII. No obstante las tareas constructivas siguieron avanzando hasta bien entrado el siglo XIV.


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La Catedral Notre Dame de París es, sin ninguna duda, uno de los símbolos de la ciudad. Si bien no es la catedral más grande de Francia, es una de sus obras de arte gótico más remarcables.
El obispo Maurice de Sully emprende la construcción de la nueva catedral a partir de 1163 sobre el solar que ocupaba una antigua basílica dedicada a San Etienne.
La edificación coincidió con un período de prosperidad y de creciente dominio de la ciudad, por lo cual la obra debía reflejar este poderío. Así, la edificación se realizó sin interrupciones por problemas económicos, aunque sólo se dio por concluida a mediados del siglo XIV, después de muchas modificaciones e intervenciones de diferentes arquitectos y artesanos.
La Catedral sufrió numerosas modificaciones y restauraciones, la más notable emprendida en 1844 por Viollet-le-Duc y Baptiste Lassus, que se prolongó por 23 años. Más recientemente, en 1965, excavaciones bajo la catedral revelaron la existencia de catacumbas de la época romana y habitaciones medievales.
Víctor Hugo escribió en 1831 su novela "Notre Dame de París". Su ilustración poética de la arquitectura de la catedral permitió a muchos descubrirla de una forma diferente. En 1804 fue coronado en la catedral Napoleón Bonaparte y en 1909 fue beatificada Juana de Arco. Destaca particularmente su magnífico órgano Cavaille-Coll,
Como la mayoría de catedrales góticas, está dedicada a la Virgen María. Es notable por su gran tamaño, por la elegante regularidad de su diseño y por la introducción de un nuevo elemento técnico, el arbotante.

 

 
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Re: Preguntas teoría y láminas exámenes Hª Arte Baje EM (Grado Arte)

Mensaje por Uni Kotto el Jue Ago 08, 2013 12:11 pm




La Virgen del Cardenal Vanderreal es una obra muy realista, con gran sensación de profundidad y colorido. Se muestra la riqueza material en la escana, mediante alfombras, telas, joyas. También es representado el mecenas. La Virgen del canónigo Van der Paele (en neerlandés, Madonna met kanunnik Joris van der Paele) es una pintura religiosa realizada en óleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1436. Actualmente está expuesta en el Museo Groeninge en Brujas (Bélgica). La obra lleva como número de inventario el O.161 y mide 122,1 cm de alto por 157,8 cm de ancho. Es una de las cuatro obras de Jan van Eyck conservadas en una colección belga y, después delPolíptico de Gante, la más grande de las pinturas obras de Jan van Eyck que se conservan.
Esta tabla tiene una posición muy particular en la historia de la pintura occidental, al tratarse de uno de los más tempranos ejemplos del género denominado sacra conversazione (sagrada conversación): una pintura en la que se representa a la Virgen con el Niño junto con dos o más santos, representados de una manera realista como si estuvieran manteniendo una conversación cotidiana; y junto a ellos, a veces, los donantes de la obra, dentro de la misma escena, pero en una posición subordinada, como orantes.
Es un cuadro religioso pintado al óleo sobre tabla, pero como aparece el comitente o donante, también puede ser considerado un retrato. A diferencia de la Virgen del Canciller Rolin, es una pintura más convencional en la que el comitente o donante aparece, si no de menor tamaño, al menos no se dirige directamente a la Virgen sin intermediarios, sino que aparece presentado por un santo, el de su nombre (San Jorge). El canónigo, envejecido, vistiendo de blanco, se arrodilla a la izquierda del trono de María. Ha abierto un libro de oraciones y lleva un instrumento óptico, signo de riqueza y de erudición, en sus manos. Al otro lado está el arzobispo Donaciano de Reims, patrón del capítulo y de la ciudad de Brujas. Tanto Donaciano como Jorge actúan como intermediarios entre el canónigo Van der Paelen y la Virgen. Debido a esto la pintura es frecuentemente descrita como una sagrada conversación.


Entre ellos, y como centro del cuadro, la Virgen con Niño entronizada. La Virgen lleva un manto rojo y tiene al Niño en su regazo. Cada detalle de la obra tiene un sentido simbólico y es adecuado en un esquema teológico general. La rueda con las velas encendidas que lleva san Donaciano se refieren a un milagro de su juventud, pues le salvó de perecer ahogado. En su otra mano lleva una cruz. Se transmite un mensaje de «Cristo está entre nosotros». En el trono de María están tallados pasajes del Antiguo Testamento que prefiguran la crucifixión y la resurrección de Cristo.


Jan van Eyck ha empleado aquí su asombrosa técnica al servicio del simbolismo de la obra. El manto rojo de la Virgen se refleja en la brillante armadura de San Jorge. Este reflejo tiene también una alusión simbólica a María como «inmaculado espejo de Dios» (SPECULUM SINE MACULA DEI MAIESTATIS). Lo mismo que en el Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa Jan se muestra aquí como un artista muy confiado en sí mismo, de una manera indirecta. Su silueta está, según resulta, reflejada en el escudo brillante que San Jorge lleva a la espalda.

 
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