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El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

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El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Jue Abr 04, 2013 5:42 am


Apogeo, siglo XVI

El retrato fue uno de sus géneros predilectos y casi obligados. Al perfil tipo Bellini y Pisanello seguirían la pose tres cuartos de perfil de Antonello y la frontalidad del periodo del esplendor, que comienza con la devoción a la belleza de Giorgione y Vincenzo Catena. Si en determinadas composiciones religiosas de uno y otro las diferencias de inspiración son mínimas, Giorgione discurre temas de no siempre claro simbolismo, como La tempestad o Los tres filósofos, prolongado en obras como Venus dormida o Concierto campestre el paganismo y orientalismo veneciano, antes sólo latente.


Tiziano continúa los retratos femeninos, en el marco de una obra rica, voluptuosa, con que recurre a las mitologías y de bacanales. Tiziano, en efecto, incluye una constante hasta entonces ajena a la pintura veneciana, y es el neto influjo español, representado por sus ilustres clientes Carlos I y Felipe II. Debido a su longevidad e influencia, es a veces difícil conciliar su obra en una sola descripción. Sus retratos y paisajes le dieron fama, siendo asimismo especialista en escenas mitológicas y cuadros de temática religiosa.
El color, vívido y luminoso, así como una pincelada suelta y fineza en las modulaciones cromáticas son, a grandes líneas, rasgos generales de su obra. El nivel de su obra fue determinantes no sólo para la escuela veneciana sino para el arte universal. Sin embargo, si su obra juvenil tuvo un impacto directo en su medio artístico, su trabajo de madurez fue criticado por sus contemporáneos, entre ellos Giorgio Vasari, siendo empero reivindicado por otros maestros posteriores como Velázquez, Rembrandt y Goya. Dentro de sus obras se destacan La Asunción de la Virgen de 1518, La bacanal de 1520, Baco y Ariadna de 1523, Pala Pesaro de los años 1520, el Retrato de Federico II Gonzaga de 1529, el de Carlos V con perro de 1532, el de Carlos V sentado de 1548, el de Felipe II de 1551, Dánae de 1554, El martirio de san Lorenzo de 1558, el Autorretrato de 1567 así como La Piedad y Cristo coronado de espinas de los años 1570.


Conocido como il furioso (el furioso), Tintoretto se caracterizó por un dramático uso de la perspectiva y especiales efectos de luz, siendo un precursor del barroco. Inserta su temática en un marco característico de la escuela veneciana, fuertemente influenciado por Tiziano, dando prelación al color, el paisaje y la luz. Sus temas fueron sobre todo religiosos, tanto bíblicos como evangélicos. Sus escenas, sin embargo, se enmarcan en decorados venecianos, reflejando su alegría y esplendor. Dentro de sus obras se destacan San Marcos liberando al esclavo de 1548, El Lavatorio de 1550, Venus, Vulcano y Marte de 1555, Cristo en casa de Marta y María de 1580 y La Última Cena de principios de los años 1590.
Paolo Veronese fue por su parte fuertemente influenciado por Tiziano y Tintoretto. Su obra se caracterizó por los grandes formatos, determinando el lujo y la arquitectura clásica sus escenas, que presentan un rico aunque suave colorido. Como sus predecesores, maneja varias escenas de temática religiosa, las cuales sin embargo recuerdan las grandes fiestas venecianas, como en Las bodas de Caná de 1563. Su estilo es manierista, anunciando en algunos sentidos el barroco. Otras obras del autor son Venus y Adonis y Alegoría de la Virtud y el Vicio, ambos de los años 1580.


Última edición por Uni Kotto el Miér Mayo 22, 2013 11:17 am, editado 3 veces
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Jue Abr 04, 2013 5:44 am

La influencia de los pintores venecianos



Aunque El Greco se presente como alumno de Tiziano, justo es reconocer otras influencias, acaso mayores, que se perciben en sus obras: las de Tintoretto, Veronés y Bassano, y la del dálmata Schiavone. Todos esos artistas pueden considerarse "manieristas", adjetivo que dista mucho de ser peyorativo, y que significa la tendencia dominante a mediados del siglo XVI, por influencias de las últimas obras de Leonardo de Vinci, de Rafael y de Miguel Ángel, cuya imitación da a 'la pintura un estilo elegante y sinuoso, de enormes y rítmicos personajes de pequeñas cabezas, al mismo tiempo gracioso y sorprendente, heroico y relamido, arte sofisticado, que se aparta de la imitación de la naturaleza y de los valores atmosféricos que son la gran novedad de Giorgione y Tiziano, para complacerse en esquemas mentales y en bizarras iluminaciones.
Hasta cierto punto, a este movimiento pertenecen los tres pintores vénetos antes citados, aunque se salgan de él por la fruición de su pincelada y su materia (la técnica manierista suele ser fría), por el respeto a una entonación o dominante cromática (el color de los manieristas es tabicado por zonas, como un esmalte) y por la afición al estudio del natural (los verdaderos manieristas estudian las obras de otros artistas, antiguos y modernos).
Si de Veronés ha tomado El Greco algunos colores ácidos y exquisitos (verdes y amarillos) y algunos "trucos" técnicos (el más genial, el de inundar de lágrimas un ojo con una simple pincelada blanca dada verticalmente sobre la pupila: véase la Oración del Huerto por Veronés, en la Galería Brera, y comparar con el Expolio de El Greco, en la Catedral de Toledo), del taller de los Bassano imitó la composición agrupada en torno al Niño en la Adoración de los pastores, iluminada por el resplandor que sale del recién nacido; y de Tintoretto, el dramatismo rítmico del dibujo (encontramos el cuerpo del esclavo del Milagro de San Marcos de Tintoretto en el Laocoonte de El Greco y hasta bajo la damasquinada armadura del Conde de Orgaz...), la composición dividida en zonas o estancias, la afición a los tonos dramáticos, purpúreos y negros, rasgados por enormes pinceladas de blanco puro, con una técnica expeditiva y somera en unos lugares, pero rica y sensual en otros. De Tintoretto y Bassano aprendió también El Greco a modelar un rostro con sueltas pinceladas y a concentrar en él todo el interés de un retrato, dejando el resto en sombra. Schiavone le enseñó su composición rítmica, como de "ballet", entreverada de efectistas claroscuros.
Pero el centro de la pintura expresiva y "moderna" de la segunda mitad del siglo XVI no estaba en Venecia, sino en Roma. El estilo llamado "manierismo" que, tras pasar una época larga de desprestigio empieza en nuestro tiempo a interesar a todos, tenía que atraer al Greco más que el "naturalismo" atmosférico de la escuela veneciana. Por lo demás, en Venecia no era fácil abrirse camino para un joven candiota que aspiraba a ser algo más que simple "madonero". Así que cambió nuevamente de lugar de actividad y salió hacia Roma, pasando quizá por Parma (donde había pinturas de Correggio y del Parmesano), por Florencia (Pontormo, Bronzino), por Siena (Beccafumi, Sodoma). La ya citada carta de Clovio (16 de noviembre de 1570) le sirve de presentación para el cardenal Alejandro Farnesio, quien le aloja en las buhardillas de su suntuoso palacio romano.
La admiración hacia Miguel Ángel alcanza en Roma el fervor de un culto. Los pintores Zuccari y Vasari, que El Greco ha podido tratar en ese palacio, son de total obediencia miguelangelesca. El joven forastero (según el testimonio de Mancini) tiene el descaro de ofrecerse, en caso de que los frescos de Miguel Ángel se destruyan (como algunos contrarreformistas pacatos proponen a San Pío V) a rehacerlos "con onestá et decenza" y con no inferior calidad artística. Eso sonó a blasfemia en los oídos de los manieristas romanos y el insolente griego tuvo que huir a España para evitar mayores males.



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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Jue Abr 04, 2013 5:46 am

La pintura veneciana

Venecia era un enclave comercial importantísimo donde el occidente europeo estaba en contacto con todo el oriente mediterráneo, por eso no es de extrañar que también se convirtiera en un centro artístico de primer orden que tuvo gran influencia en el resto de Europa.

De entre los pintores venecianos del Renacimiento destacan los de la familia Bellini y su entorno: Jacopo Bellini y sus hijos Giovanni y Gentile ( Mantegna (cuñado de los dos anteriores); o Vittore Carpaccio (discípulo de Gentile). Por otro lado, estos pintores se verán influidos por la figura de Antonello da Messina, que introdujo el uso de la pintura al óleo en Venecia tras formarse en Flandes.

En general, las obras de estos pintores se caracterizan por un estilo detallista, minucioso y extremadamente preciso; así como por el uso que hacen de los paisajes, que en estos pintores tienen un papel muy significativo y en los que se nota la observación directa de la naturaleza.

Ya en el siglo XVI, tanto Giorgione como Tiziano, discípulos ambos de Giovanni Bellini, representan otra generación de pintores venecianos que marcará un nuevo estilo, en el que la pintura de aspecto un tanto seco de sus maestros se convierte en una técnica suelta en la que la luz y el color se encuentran estrechamente unidos, y cuyos efectos dan lugar a la perspectiva aérea, que más allá de los resultados de la perspectiva lineal, evoca los cambios en la atmósfera entre los distintos planos de profundidad del cuadro. Se ha dicho que los pintores venecianos se inspiraron en las especiales condiciones lumínicas de la laguna donde se encuentra la ciudad, lo que no sería de extrañar, ya que estos artistas se mantuvieron fieles a la representación de la imagen sensible de la realidad, y su consecuente naturalismo es el que marca la diferencia entre la pintura veneciana frente al manierismo que en el siglo XVI estaba en boga en el resto de Italia.

A estos pintores les seguirán otros como El Veronés o Tintoretto, que si bien a su "manera", también mantienen este especial tratamiento del color, el paisaje y la luz, que son los rasgos característicos de la Escuela veneciana.



Última edición por Uni Kotto el Sáb Abr 06, 2013 10:27 pm, editado 1 vez
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Abr 06, 2013 10:25 pm

GIOVANNI BELLINI

Aunque no aparece como Pintor destacado en los temas de esta asignatura, desde luego es parte importantísima de la pintura veneciana. Tanto por su obra, su prestigio como pintor en Venecia y por ser su estudio "el nacimiento" de pintores como Giorgione o Tiziano.

Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 - Venecia, 1516 ) fue un pintor cuatrocentista italiano. Probablemente sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.
Aunque sus contemporáneos apreciaron a Giovanni Bellini como un gran pintor, su vida está relativamente poco documentada; numerosas obras suyas de capital importancia carecen de un encuadramiento definitivo por la escasez de datos seguros.

La temática de su obra es predominantemente religiosa. Trató episodios de la vida de Jesús, el tema más frecuente es el de la crucifixión, representada a veces con la Virgen y San Juan a los pies de la Cruz. Las figuras, los elementos vegetales, animales y paisajistas asumen muy a menudo un valor simbólico bien codificado, aunque para los modernos la lectura puede no resultar siempre clara. Los pequeños cuadros devocionales de la Virgen con Niño, solos o acompañados de santos, eran generalmente encargos privados. Su significado no es sólo una "relación afectuosa entre la madre y el hijo" sino algo más complejo que muchas veces prefigura la Pasión de Cristo; en casi todas las pinturas el Niño está representado en posiciones que recuerdan la muerte.
Bellini aúna el plasticismo metafísico de Piero della Francesca con el realismo humano de Antonello da Messina, alejado del exasperado realismo de los flamencos y la profundidad cromática típica del Véneto, tomando el camino hacia el llamado "tonalismo" véneto. Gracias a su cuñado Andrea Mantegna, entra en contacto con las innovaciones del Renacimiento florentino. Con él trabajó en el viaje a Padua y lo influyó en la expresividad de los rostros y en la fuerza emotiva que transmiten los paisajes del fondo. En Padua, Bellini conoció la escultura de Donatello, que en esta época imprimía una carga expresionista a su obra, acercándose a un estilo más próximo al ambiente nórdico. Finalmente, conoció la novedad, también en la perspectiva de la escuela de Forlì, gracias al taller veneciano de Marco Palmezzano, el mejor discípulo de Melozzo da Forlì.
Giulio Carlo Argan revela que los rasgos característicos de la pintura de Bellini son el "tonalismo" cromático y la fusión armónica de "naturalismo clásico" y "espiritualidad cristiana".3


Cristo bendiciendo, 1465-1470. Nótese el borde de la túnica profusamente decorado con escritura pseudo-cúfica (véase detalle).
Tanto en el sentido artístico como en el mundano, la carrera de Giovanni Bellini fue, en conjunto, muy próspera. Su larga carrera comenzó con estilos cuatrocentistas pero maduró hasta un estilo renacentista post-Giorgione. Vivió hasta ver a su propia escuela deslumbrar y superar a la de sus rivales, los Vivarini de Murano; personificó, con poder creciente y maduro, toda la gravedad devocional y también gran parte del esplendor mundano de la Venecia de su tiempo. Sus principales discípulos fueron Giorgione, Tiziano y Sebastiano del Piombo. Otros alumnos del estudio de Bellini fueron Girolamo Santacroce, Vittore Belliniano, Rocco Marconi, Andrea Previtali5 Nicolò Rondinelli y posiblemente Bernardino Licinio.

Bellini hizo prevalente tanto el uso de la pintura al óleo, diferente de la pintura al temple que se usaba en aquella época por la mayor parte de los pintores renacentistas italianos, y el uso de un simbolismo disfrazado propio del Renacimiento nórdico. Bellini usa el simbolismo religioso a través de elementos naturales, como vides y rocas. Aun así, su contribución más importante al arte reside en su experimentación con el uso del color y la atmósfera en la pintura al óleo.

Su influencia fue trascendental no sólo sobre sus discípulos directos, sino sobre toda una generación de pintores nacidos o afincados en Venecia, influencia que se rastrea en el propio Durero, que le conoció cuando Bellini era ya muy viejo, pero "aún el mejor pintor", en palabras del alemán.

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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Vie Abr 12, 2013 6:58 am



La pintura se convirtió en un arte de capital importancia del período renacentista, trabajado por grandes creadores que ayudaron a elevar la consideración del artista a la categoría de genio universal. En el Renacimiento, la pintura se basó en los siguientes principios:


1) Recuperación del lenguaje del arte clásico. A pesar de contar con escasos ejemplos conservados de conjuntos pictóricos grecorromanos, las ideas estéticas de la cultura clásica sirvieron como inspiración a la pintura renacentista: la imitación de la naturaleza, basada en el estudio anatómico del ser humano y del entorno que lo rodea; idealización, que persigue la consecución de una idea de belleza basada en la proporción, la armonía y el equilibrio.


2) Expresividad serena y contenida propia de las obras escultóricas clásicas.


3) Creación de composiciones simétricas y equilibradas, que solían responder a formas geométricas como el triángulo equilátero.


4) Perspectiva científica. En el Renacimiento surge un nuevo sistema de representación visual: la perspectiva, que permitía reflejar con fidelidad las tres dimensiones de la naturaleza sobre un soporte bidimensional. La perspectiva lineal consistía en la representación geométrica y matemática de la profundidad de un espacio a través de líneas que convergen en un punto de fuga situado en el plano.


5) Desarrollo del paisaje. La observación de la naturaleza y la imitación de la misma conllevó la representación de paisajes naturales que servían de fondo a las figuras.


6) Predominio de la línea sobre el color. En el Renacimiento, el dibujo (disegno) fue concebido como el padre de las artes visuales. Por ello, en la pintura florentina del s. XV y en la romana del s. XVI predominó el dibujo en el contorno y diseño de los personajes y de las composiciones sobre un uso espontáneo del color. Con el desarrollo de la escuela veneciana a finales del s. XVI, el color comenzó a imponerse sobre el dibujo.


7) Técnicas. La pintura renacentista se desarrolló en soportes tanto de caballete como murales. Dentro de la pintura de caballete, el soporte más utilizado siguió siendo la tabla, aunque progresivamente se incorporó el lienzo hasta el punto de desplazar prácticamente al anterior. En la pintura sobre tabla o lienzo, la técnica tradicional del temple fue sustituida por el óleo, que permitía mayores posibilidades plásticas y que se usaba regularmente en la pintura flamenca del s. XV. Por otra parte, en las pinturas murales se usó, especialmente en Italia, la técnica del fresco. Italia gozaba con una importante tradición en la creación de grandes conjuntos murales al fresco, contando entre sus máximos exponentes a artistas como Giotto. El fresco requiere rapidez en su ejecución y permite pocas modificaciones, de ahí su dificultad. Los pigmentos se aplican, mezclados con agua de cal sobre el revoco de un muro todavía húmedo, proporcionando un resultado luminoso y duradero.


Cool Temas. La pintura religiosa es la más abundante en el Renacimiento, decorando prolijamente capillas e iglesias. Esta temática se distinguió por la creciente humanidad de los personajes sagrados, no exenta de decoro y rigor, con el fin de acercarlos cada vez más a los fieles que las contemplaban.


a) El retrato es un género que adquiere una gran relevancia en esta época, relacionado con la dignidad conferida al ser humano y al individualismo durante la época renacentista. Reyes, príncipes, papas, cardenales, obispos, aristócratas y acaudalados burgueses demandaron numerosos retratos que decorasen sus residencias palaciegas.


b) Los temas mitológicos. En el Renacimiento, los temas de la mitología clásica vuelven a tener un destacado protagonismo. El estudio de los clásicos grecolatinos estaba de actualidad y la pintura reflejó un gran interés por los mitos clásicos y las enseñanzas morales que desprendían. La temática mitológica ornamentaba con frecuencia los palacios renacentistas.


c) La temática histórica o narración de episodios históricos que resalten por su heroísmo o por su elevado contenido moral, también fue trabajada en el Renacimiento
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Abr 20, 2013 11:13 pm

JOSHUA REYNOLDS Y LA INFLUENCIA DE LA ESCUELA VENECIANA


El pintor Joshua Reynolds nació en Devonshire, Inglaterra, en 1723. Su padre:' un clérigo, colocó al muchacho, por entonces de 17 años, como aprendiz de un pintor de Londres. En 1749, después de conseguir cierta atención gracias a sus retratos, Reynolds conoció al vizconde Keppel, quien se ofreció a llevarle a Italia en su barco. Tres años en ese país, incluida una prolongada estancia en Roma, permitieron a Reynolds gozar de la contemplación de las obras maestras del arte italiano, y desarrollar su propio estilo de pintura. Después de este viaje por Italia, Reynolds se instaló en Londres, donde vivió y pintó casi continuamente hasta su muerte, acaecida en 1792. Alcanzó la fama en 1755, cuando su retrato del vizconde Keppelle abrió las puertas de la aristocracia inglesa. Los encargos llovieron sobre él. Reynolds prefirió la compañía de la nobleza que la de los artistas, y su vida social fue casi tan activa como su vida artística. Bajo el prometido patrocinio del rey Jorge III, Reynolds fue el alma creadora de la Royal Academy, en 1768. Fue nombrado primer presidente de la misma, y, ese mismo año, el rey le nombró caballero. Sus charlas, realizadas en los banquetes anuales de la Academia y publicadas posteriormente con el título de Discursos) son considerados hoy día como un documento importante sobre las teorías artísticas del siglo XVIII.

En 1784, fue nombrado pintor del rey. Es notable que Reynolds siguiera realizando cuadros de tan elevada calidad, considerando el perpetuo deseo que sentía por un progreso social, deseo que sin duda le indujo a olvidar, e incluso a despreciar, a varios de los pintores contemporáneos suyos. Reynolds era un hábil político que sabía cómo obtener y conservar el favor de la clase que le protegía. Durante su vida, Sir Joshua Reynolds realizó más de dos mil cuatrocientos retratos.

El examen de su serie de figuras aisladas nos permite obtener de ellas una íntima historia personal de la época en que vivió. Su estrecha relación con la aristocracia le dio un lugar de privilegio para captar los gustos y características de sus clientes, entre los que se contaban los hombres y mujeres más distinguidos de Inglaterra. Estaba enraizado en su época, que aceptaba plenamente, y adoptó en su pintura las actitudes y costumbres habituales, así como los puntos de vista corrientes en la Inglaterra del siglo XVIII. Por encima de todo, el decoro y la gracia eran calidades que nunca debían de omitirse. Aunque pintando según una fórmula general que había desarrollado en el curso de los años, Reynolds nunca se mostró rígido en dicha fórmula. En sus últimos cuadros, podemos incluso ver cierta informalidad y abandono, aunque siempre dentro de ciertos límites. La profundidad de los colores en Reynolds se debe a la influencia de la escuela veneciana, que absorbió durante su viaje formativo por Italia. Después de tres años viajando por Italia regresó a Londres y montó un taller en el que expuso una serie de retratos de personajes importantes que había realizado durante sus viajes y que le aportaron fama inmediata. El principal teórico

VENUS DE JOSHUA REYNOLDS

Artista: Joshua Reynolds
Fecha de finalización: c.1785
Estilo: Rococo
Género: pintura mitológica
Técnica: aceite
Material: lona
Dimensiones: 124,2 x 99 cm
Galería: Colección Privada


La influencia de Tiziano es aún mayor en su Venus de 1785, donde a pesar del fomato vertical la composición es hereditaria de la Venus del artista veneciano, entre ellas la "Venus con Cupido con un tañedor de laúd, que había copiado el artista británico. La sensualidad del desnudo, poco habitual hasta entonces en la pintura inglesa, la suavidad de su modelado, la gran superficie que ocupa el paisaje entre las dos figuras, su carácter sintético y elegante, la sustuosidad del cortinaje y la riqueza del colorido, evocan directamente a Tiziano.

El principal teórico de la pintura inglesa en la segunda mitad del siglo Joshua Reynolds (1723-1792) consideró en sus Discursos tras la pintura de Rafael y Miguel Ángel, la de Tiziano. Reynolds no valoraba del mismo modo a los otros artistas venecianos, como Tintoretto y Veronés. Qué conoció también de primera mano y contra los que ponía en guardia por sus cualidades demasiados seductoras. Su estilo muestra una profunda influencia de la pintura veneciana, que estudió con la mayor atención durante su estacia de tres semanas en la ciudad y muestra, a despecho de su mayor aprecio teórico de la pintura florentina, la evidencia de su fascinación por aquella otra escuela, tanto en la riqueza de su transiciones tonales como en su valoración de las luces y las sombras. El aprecio de Reynolds por Anton van Dyck, el gran retratista de la corte inglesa durante el siglo XVII, le acercaba al mismo tiempo a la valoración de Tiziano, cuya obra es en la base misma del estilo de aquel artista flamenco.
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Dom Abr 21, 2013 6:56 am

GOYA Y LA PINTURA VENECIANA

En el seno mismo del pensamiento neoclásico, anticipado por el pintor Anton Rafael Mengs (1728-1779) se establecía un modelo ecléctico, en que las referencias artísticas no eran solo Rafael, Miguel Angel y Correggio, sino también Tiziano, el gran representante de la escuela del color, por la veracidad de su pintura. En España la influencia de Mengs fue importante. Pero tuvo una relevancia aún mayor la destacada presencia de la pintura veneciana en las colecciones reales y su condición de origen mismo de la escuela española del Siglo de Oro a través de Velázquez. Así, Francisco de Goya (1746-1828) figura máxima del arte del período, asimiló en profundidad las enseñanzas de la primera pintura veneciana y tomó decidido partido por la riqueza del color y la amplitud de la ejecución en su pintura.
Por otra parte Goya aumentó su conocimiento de las obras de Tiziano en Roma. La Influencia de la tradición de los desnudos de este artista y de su sensualidad es muy visible en sus Majas.

La desnuda,(1795-1800) en realidad una Venus pintada para Godoy a Finales de la centuria, tuvo muy en cuengta las Venus y la Dánae de Tiziano, así como la fgura que está a la derecha de la Bacanal de los andríos, pero su factura es apretada en beneficio del volumen.
La vestida, (1802_1805) con idéntica actitud, muestra una ejecución mucho más amplia y pictórica.



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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Dom Abr 21, 2013 7:19 am

DEL NEOGLASICISMO AL ROMANTICISMO, DAVID, INGRES Y HAYEZ

En Francia, la pintura neoclásica se definió a partir de un modelo creado por Jacques-Louis David (1748-1825) basado rigurosamente en el dibujo y en el modelado por la luz, difundiendo este modelo hacia Europa. Sin embargo, la propia obra del artista durante el periodo Imperio delata la influencia del arte veneciano, y el gusto por un colorido más cálido. Como se advierte en su obra cumbre "La Coronación de Napoleón y Josefina no escapa por su gran tamaño y por su composición la confrontación con la obra de Veronés "Las bodas de Caná" recién llevada a Francia de Venecia.

También en el núcleo académico mismo de la pintura más clasicista, en el que el desnudo tiene una importancia central, como muestra el caso sobresaliente de Ingres ( 1780-1867) puede percibirse la influencia de la pintura veneciana. El propio Ingres reelaboró los modelos de los desnudos de Tiziano con un sentido de Idealismo formal a través de una concepción de la forma cerrada de modo perfecto por el dibujo. Así la Venus del Pardo, es el punto de partida de algunos de sus desnudos, tanto en plena naturaleza "Jüpiter y Antiope2 (1851), como en interiores "La Odalisca de la esclava" (1839/1840). También le sedujo la Venus de Urbino que copio en 1821. Por otra parte la composición ya entonación en sobrios colores oscuros de algunos de sus retratos "Lorenzo Bartolini" de 1806, evocan los Tizianescos del "Hombre del guante" y "Rerato de hombre". En "La capilla sixtina" Ingres mostró una fascinación por la pintura veneciana, no sólo de Tiziano, sino también de Tintoretto, a quien rindió homenaje en su cuadro "Arentino en el estudio de Tintoretto" (1815) y Veronés.

En Italia, el veneciano Francesco Hayez (1791-1882) próximo al ideal de Guido Reni y de Ingres, valoró también la pintura de Tiziano en obras como "Betsabé en el baño" de 1834 como muestra la sensualidad y mobidez del desnodo, mucho más carnal y naturalista que los modelos de Ingres. Y ese mismo sentido de veracidad aparece en sus retratos, a consecuencia del profundo estudio de los modelos venecianos del Renacimiento, con cuidados y medias tintas.





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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Abr 27, 2013 8:30 am

JEAN.AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES



Autor: J. Auguste Dominique Ingres
Fecha: 1806
Museo: Museo Ingres
Características: 108 x 85 cm.
Estilo: Neoclasicismo Francés
Material: Oleo sobre lienzo
RETRATO DEL ESCULTOR LORENZO BARTOLINI. 1806

Ingres llegó a París para ingresar en el taller de David en el año 1797. Allí conoció al escultor Lorenzo Bartolini, de quien se haría amigo hasta la muerte. Pocos años después de conocerle, Ingres ganó una beca para ir a estudiar a Roma. Bartolini vivía en Florencia, e Ingres se alojó en su casa unos días, de camino a Roma. En agradecimiento, Ingres realizó este hermoso retrato de su amigo, con un aspecto francamente romántico y no según los postulados del Neoclasicismo que Ingres practicaba: el joven escultor aparece medio girado, con una penetrante mirada y los cabellos rizados algo desordenados. Su vestimenta oscura se pierde contra el fondo negro, de manera que sólo dos elementos destacan del cuadro: por un lado el orgulloso rostro, destacado con habilidad por el cuello blanco de la camisa, como vemos también en el retrato de Joseph Ingres. Por otro lado, nos llama la atención la mano, separada del cuerpo, que sostiene una cabecita esculpida con el rostro de un dios griego. Esto nos habla de la filiación de ambos con el arte de la Antigüedad, que utilizarán como motivo en sus respectivas obras.
Este cuadro evoca las obras de Tiziano "El hombre del guante y "Retrato de un hombre" La composición y la entonación en sobres colores de algunos de sus retratos, nos recuerdan a Tiziano.






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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Abr 27, 2013 8:42 am

ODALISCA CON ESCLAVA DE INGRES 1839-1840

Odalisca con esclava

Autor: J. Auguste Dominique Ingres
Fecha: 1839-40
Museo: Fogg Art Museum
Características: 72 x 100 cm.
Estilo: Neoclasicismo Francés
Material: Oleo sobre lienzo

El siglo XIX experimentó una renovación del gusto por la antigüedad, por la Edad Media y, sobre todo, por lo exótico. Este gusto por lo exótico será una constante en los pintores románticos, pero también podemos encontrar sus temas en artistas como Ingres, que solía considerarse academicista. Las imágenes de moros, harenes, batallas en tierras lejanas empezarán a pulular a partir de 1830, sobre todo a raíz de los viajes a Grecia, Tierra Santa y el norte de África. Por otro lado, Ingres sentía debilidad por el desnudo femenino en sí. El cuerpo no podía ser representado por sí mismo, sino que se debía adecuar a un contexto que lo justificase. Por ello, serán muy frecuentes - y no sólo en Ingres, también en Delacroix- la representación de harenes o baños turcos. La sensualidad, el colorido y la languidez femenina son estereotipos que se repiten. Ingres realizó auténticos experimentos acerca de la línea y la estructura decorativa de la anatomía. Los estudios se repiten a lo largo de sus obras, y la misma mujer que aparece en este cuadro la encontramos en otros, como el estudio de Mujer Acostada, Mujer con tres brazos o en el propio estudio preparatorio para esta obra.

Ingrés reelaboró los desnudos de Tiziano con un sentido de idealismo formal a través del dibujo. Tanto en sus desnudos de exteriores como este de interior.Ingres mostro su fascinación por la pintura veneciana, no sólo procedente de Tiziano, sino también de Tintoretto (a quien rindió homenaje en su cuadro "Aretino en el estudio de Tintoretto de 1815) y también por Veronés.




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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Abr 27, 2013 8:50 am

PINTORES ROMÁNTICOS FRANCESES

Algunos artistas de la generación posterior a David, se mostraron seducidos por la escuela veneciana. Como es el caso de Antoine-Jean Gros (1771-1835) y sobre todo de Théodore [b]Géricault: Este artista fascinado por el movimiento, se dejó influir por los venecianos, viajó a Italia y copio los cuadros de Tiziano reunidos en el Museo Napoleónico de París, entre ellos "La muerte de San Pedro Martir" desaparecido en un incendio en 1867. Las copias muy abocetadas y personales, manifiestan el interés del artista por captar el carácter dramático de la acción, elemento que tendría la mayor relevancia en la fase madura de su arte. Junto a ello, la influencia del opulento colorido veneciano es patente, asociada con la sugestión de Rubens, en algunas de sus obras destacadas como "Oficial de cazadores a caballo"




Pero la mayor influencia de la pintura veneciana sobre la pintura francesa durante la primera mitad del siglo XIX se ejerció a través de Eugène Delacroix. Estudió con ahínco la pintura veneciana, que consituye junto con Rubens, gran admirador de Tiziano, la fuente principal de su arte. El interés que sintió Delacroix hacia la pintura de Gericault le llevó también a valorar, por esta vía, a Tiziano. También Tintoretto y Veronés ejercieron gran influencia sobre este pintor, según prueba su "Odalisca recostada" Testimonio de la fascinacimiento de artista por el exotismo, la sensualidad oriental, y su gusto por el colorido cálido y la ejecución amplia. La preferencia de Delacroix por el desnudo emenino enlaza directamente con los modelos venecianos del siglo XVI.


Por otra parte, obrasde Delacroix como "La lucha de Jacob y el ángel 1586-1861, recuerdan en su formato vertical que reserva un gran espacio al paisaje con árboles y en la veracdad de la representación de la violencia física, la influencia importantísima que ejerció la pala del altar de San Pedro Mártir de Tiziano, poco después destruida.



La predilección del artista por los movimientos de masas, patente en sus cuadros de Batallas y de masacres, recuerda la fuerza dramática visible en las grandes composiciones de Tintoretto. Así como también Veronés.Así lo revela el gusto por la monumentalidad de sus grandes composiciones inspiradas en la Antiguedad, como "La justicia de Trajano" de 1858. Lo mismo que su preferencia desde abajo hacia arriba y el encuadramiento de las figuras por arquitecturas triunfales, que magnifican su carácter imponente.




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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Abr 27, 2013 11:06 pm

EL ROMANTICISMO BRITANICO. WILLIAN MALLORD TURNER (1775-1851)

¿Cómo mira e integra Turner la pintura veneciana? (pregunta de autoevaluación)

Tras la conquista de Venecia por Napoleón y la exposición de pintura italiana en el Louvre, se difundió el gusto por la pintura veneciana que hizo al coleccionismo británico más sensible aún a la fascinación por aquellos pintores.
Así Turner pudo ver estas pinturas en Paris en 1802, comprendió la amplísima riquieza de sugerencias que mostraban y el atractivo que añadian a su concepción del paisaje basada hasta entonces en la doble referencia a la tradición empírica de los holandeses y a la clasicista de los franceses del siglo XVII.
Turner pudo estudiar allí obras como la desaparecida "el altar de San pedro Martir". Años después en una conferencia Turner ensalzaba la pintura veneciana pues en ella se manifestaba, en su opinión, el triunfo del paisaje, que dejaba de ser un simple fondo de la composición para convertirse en el factor que infundía a la escena su carácter más verdadero. Y esto es justamente lo que el pintor pretendía en sus paisajes históricos, donde la emoción del paisaje era expresión elocuente e lo que la escena narraba. Turner llegó a abordar pinturas de tema bíblico como "La Sagrada Familía" Su objetivo era asimilar el espíritu de los modelos tizianescos e interpretarlo a su modo. Así lo revelan el frondoso paisaje y el colorido azulado del celaje.


Turner, en el género mitológico, compuso 1803-1804 una inspiración muy próxima a Tiziano una obra singular, VENUS Y ADONIS. El motivo abordado por Tiziano y por Veronés, aparece tratado por Turner de un modo conscientemente veneciano, según revela la elegante sensualidad de las figuras, los tipos de los "putti" la disposición inclinada de los troncos, y sobre todo, el sustuoso colorido en rosas, azules y ocres y esa ejecución desecha, [b]que sería una de las aportaciones principales de la pintura de Tiziano a la de Turner.
Turner opta por un tema menos violento, aunque preñado de connotaciones dramáticas: el último encuentro amoroso entre Venus y el bello Adonis, el cual morirá en la cacería a la que se dirige, tal y como parecen presagiar los perros que lo acompañan.
Al ocultar los rostros de los personajes, Turner otorga un protagonismo aún mayor al paisaje, aunque también es posible que temiese no estar a la altura de Tiziano en un terreno tan complejo como la expresión de las pasiones. Aunque no pudo conocerla directamente, la obra Moisés salvado de las aguas de Veronés, participa de las mismas características que Venus y Adonis, por lo que se puede constatar la influencia en Turner de la pintura veneciana.

Durante las estancias de Turner en Venecia en 1819, 1833 y 1840, no sólo visitó los cuadros de Tiziano y Veronés, también se sintió muy atraido por otro pintor entonces poco valorado, Tintoretto. En Tintoretto apreció el valor del claroscuro, cuyo valor dramático le interesó y cuyas huellas pueden rastrearse en algunas de sus pinturas de mayor dramatismo.
Aunque en total, Turner Venecia menos de cuatro semanas, estableció una relación verdaderamente íntima con la ciudad, a la que llegó atraído por su belleza única, sus referencias literarias e históricas, y la reputación de sus pintores.

Los cuadros sobre el mar y los efectos de la luz sobre el agua siempre le habían interesado, de modo que acaso fuera inevitable que se sintiera hechizado por la famosa luz y los encantos de la ciudad, que marcaron su arte durante sus últimos veinte años de trabajo.

La mayoría de las pinturas y acuarelas de esta exposición proceden del inmenso legado del artista, que se halla en la Tate Britain de Londres.

Muy poco de ese material fue expuesto en vida de Turner y en su mayor parte se puede considerar inacabado de acuerdo con los estándares de aquel período, lo que en cierto modo nos permite ser testigos de la íntima relación del artista con su obra.

Entre 1833 y 1846 Turner expuso veinticinco óleos de Venecia. Pero la verdadera fuerza de esa fascinación sólo se conoció después de su muerte. En su estudio se hallaron diez cuadernos de dibujo y numerosas acuarelas de esta ciudad.

La obra de Antonio Canaletto (1697-1768) hizo tener la sensación a Turner y a su generación de que antes de visitar Venecia ya la conocían, gracias a la difusión de reproducciones grabadas y a la publicación de sus vistas del Gran Canal, iglesias y espacios públicos de la ciudad. Canaletto no sólo influyó en Turner en la elección del escenario y del punto de vista, sino también en la monumetalidad de la composición, en la calidad y en la propiedad de su luz transparente y en el interés por la representación minuciosa de los detalles arquitectónicos.
Turner reconoció su deuda con Canaletto en sus primeros cuadros de Venecia, pero nunca permitió que tal influencia le limitase: absorbió algunos principios de su predecesor, pero siempre trató de producir una obra personal.







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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Abr 27, 2013 11:23 pm

EL REALISMO Y LA PINTURA ACADÉMICA DEL 3/4 DEL SIGLO XIX

GUSTAVE COURBET (1819-1877)

La predilección DE Courbet por el desnudo femenino muy sensual, su preferencia por el cromatismo en rojos profundos y su gusto por la franqueza de ejecución revelan la influencia de Tiziano a través de obras como "La Venus del Prado". Pero también las medias figuras femeninas de Tiziano, como" mujer ante el espejo" interesaron a Courbet, como revelan sus dos versiones de la obra "Jo la bella Irlandesa". 1866



Esta bella muchacha sirvió para uno de los modelos de "El sueño" de Courbet, obra de mayor intensidad sexual, que evoca a la que Tiziano muestra en su Dánae.
El sueño

Autor: Gustave Courbet
Fecha: 1866
Museo: Museo del Petit Palais
Características:
Estilo: Realismo Francés
Material: Oleo sobre lienzo
El diplomático turco Khalil Bey mostró su deseo de adquirir el cuadro de Venus persiguiendo a Psique pintado por Courbet en 1864 - destruido en Berlín durante la Segunda Guerra Mundial - pero como ya estaba vendido decidió encargar al maestro esta imagen que observamos. Courbet representa una de las primeras escenas lésbicas de la historia, precediendo a las más populares representaciones de Toulouse-Lautrec. Las dos mujeres son de carne y hueso, eliminando idealizaciones típicas en el academicismo, siendo identificada la pelirroja con Jo Hefferman, quien ya había posado para el pintor en alguna ocasión. Sus figuras enlazadas se recortan sobre la oscura pared entelada, resaltando sus brillantes cuerpos ante la blanca sábana de seda. A ambos lados de la cama encontramos sendas mesas, una con objetos decorados a la moda oriental y otra típicamente occidental, con un jarrón de flores, pudiendo tratarse de una relación entre las dos culturas que representaba el cliente, un hombre muy culto que también poseía el Baño turco de Ingres. La luz resbala por los dos cuerpos y acentúa el erotismo de la composición, queriendo apreciar algunos críticos en el collar roto un símbolo de arrepentimiento aunque este elemento era frecuente en las representaciones eróticas masculinas. El tratamiento pictórico de la obra es perfecto, similar a escenas de Tiziano o Renoir, y es un hito dentro de la pintura tanto por el tema como por la manera de ejecutarlo.

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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mayo 20, 2013 9:36 am

"LOS ROMANOS DE LA DECADENCIA"
THOMAS COUTURE




Autor: Thomas Couture
Fecha: 1850 h.
Museo: Museo de Orsay
Características: 466 x 775 cm.
Material: Oleo sobre lienzo
Copyright: (C) ARTEHISTORIA

Thomas Couture necesitó tres años para acabar los Romanos de la decadencia cuyas dimensiones demuestran la alta ambición artística. Quería que su cuadro generase la renovación de la pintura francesa y para ello hace referencia, sin gran originalidad, a los maestros de la Grecia antigua, del Renacimiento y de la escuela flamenca. La obra forma parte del género de la pintura histórica, considerado como el más noble en el siglo XIX: De modo que debe representar acciones humanas y fomentar un mensaje moral.

Este fue plasmado por el propio Couture, que cita en el catálogo del Salón de 1847, donde se mostró el cuadro, dos versos de Juvenal, un poeta romano (hacia 55-140 d. J.C.): "Más cruel que la guerra, el vicio se ha abatido sobre Roma y venga el universo vencido".

En el centro del cuadro, Couture ha colocado el grupo de los lujuriosos, agotados, desencantados o todavía bebiendo y bailando. En el primer plano, se encuentran tres hombres que no participan en esta bacanal: en la izquierda, un chico melancólico sentado encima de una columna y en la derecha dos visitantes extranjeros que echan una mirada reprobadora sobre la escena. Por fin, encima del conjunto, estatuas antiguas parecen también condenar la orgía.

Más allá de la ilustración de un texto de la Antigüedad, Couture abarca la sociedad francesa de su época. Jacobino, republicano y anticlerical, crítica la decadencia moral de la Francia de la Monarquía de Julio, cuya clase al poder fue desacreditada por una serie de escándalos. Este cuadro constituye de este modo una "alegoría realista", por otro lado, los críticos de arte de 1847 veían en estos Romanos "Los Franceses de la decadencia".
[b]Evidencia el deseo de establecer un fundamento muy solido para su arte en la gran pintura del renacimiento, con una valoración del color deudora de los maestros venecianos, de cuyas obras realizó copias. Esta obra en deuda con "Las bodas de Caná" en tanto que el colorido se acerca más al maestro Tiepolo.

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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mayo 20, 2013 9:47 am

VENECIA HOMENAJEANDO A CATERINA CORNARO. 1876. Hans Makart





Artista europeo Hans Makart, principalmente alemanes y austriacos , como es este caso, que se sintieron herederos de la magnificiencia de la pintura veneciana. Esto hizo que muchos artistas austriacos se fomaran o incluso vivieran en Venecia, donde asimilarion el ejemplo de los grandes artistas venecianos. El ejemplo más claro es Hans Makart (1840-1884).
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mayo 20, 2013 9:54 am

NINFA DORMIDA DE Anselm Feuerbach. 1870


Anselm Feuerbach (Alemania, 1829-1880) estudió en Düsseldorf y Munich donde recibió las influencias de Rahl y Couture.En 1857 se trasladó a Roma. Viajó en 1855 a Venecia, donde copio la Asunción de la Virgen de Tiziano, pasando allí los últimos años de su vida. Su "Ninfa dormida" evoca la Venus de Dresde pintada por Giorgione y terminada por Tiziano.
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mayo 20, 2013 10:01 am

ARIADNA EN NAXOS. George Frederic Watts 1875


En Inglaterra la fascinación por la pintura veneciana fue considerable en la obra de la que nos ocupamos. Vivió en Italia hasta 1847. El refinamiento, la sensualidad, la disposición, el movimiento de las figuras femeninas, así como la interpretación del paisaje, muestra la impregnación de la pintura veneciana en su arte, que derivó hacia el simbolismo.
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Mar Mayo 21, 2013 6:17 am


DANTE GABRIEL ROSETTI (1828-1882)


Dante Gabriel Rossetti( 12 mayo 1828-9 abril 1882) fue un poeta Inglés, ilustrador, pintor y traductor. Él fundó la Hermandad Pre-Raphaelite en 1848 con William Holman Hunt y John Everett Millais.

Rossetti extrajo las mayores consecuencias de la capacidad de sugestión de Tiziano y de Palma el Viejo en unas composiciones del más acusado esteticismo y de la más refinada sensualidad en su tiempo. En sus obras en la decada de 1860-70 sus arquetipos de mujeres rubias bajo al sugestión de su modelo Fanny Cornforth como en
Fazio´s de Mistress (Aurelia ) de 1863



Monna Vanna, que él mismo llamó "Venus Veneta" de 1866




VERÓNICA VERONESE 1872, Las tres denotan intensa influencia veneciana. La fascinación por la opulencia y el lujo, la sensualidad desbordante y el cromatismo recargado y cálido, hacen del artista en este periodo un pintor neoveneciano, el más próximo, según Ruskin, a Tiziano.
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Mar Mayo 21, 2013 6:25 am

También en la pintura española del siglo XIX la influencia veneciana es notable. El artista con mayores dotes y que mayor prestigio internacional obtuvo MARIANO FORTUNY (1838-1874)

Tuvo en la pintura veneciana sus referencias más claras. Una faceta importante en su arte estuvo influida por el ascendiente ejercido por Tiepolo, cuyas obras estudió y copió. El gusto por la fantasia refinada y aérea con delicdos tonos suaves del maestro veneciano, se advierte en los óleos e incluso en los grabados de Fortuny. Así como el gusto por los "capricci" de Tiepolo.

Otro artista español como Martin Rico (1833-1908) pasó en Venecia la mayoria de los veranos, a partir de 1873, año en que pintó "La riva degli Shiavoni en Venecia" auna la serenidad de las composiciones, el refinamiento cromático y el preciosismo de su factura con la luminosidad armónica y equilibrada.
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Mar Mayo 21, 2013 6:37 am

MANET Y SU OLIMPIA

Olimpia

Autor: Edouard Manet
Fecha: 1863
Museo: Museo de Orsay
Características: 130´2 x 189´9 cm.
Estilo: Impresionismo
Material: Oleo sobre lienzo
Copyright: (C) ARTEHISTORIA



Posiblemente sea ésta la obra más famosa de Manet, junto a Desayuno en la hierba. Fue presentada al Salón de 1865 junto a Cristo escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación, por lo que de nuevo se produjo el escándalo; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo impresionista. El pintor presenta la figura de una prostituta de alto postín, desnuda, tumbada sobre un diván, acompañada de su dama y de un gato negro. La modelo que posó para el cuadro fue Victorine Meurent, favorita de Manet y amante del fotógrafo Nadar. La principal fuente de inspiración es la Venus de Urbino de Tiziano, copiada durante la estancia en Florencia de 1853 ó 1856. También existen ecos de la Maja Desnuda de Goya y la Odalisca con esclava de Ingres. Sin embargo, la novedad que aporta Manet es que se trata de una mujer de carne y hueso, olvidando la relación con la mitología o lo oriental. Es decir, se trata de una escena contemporánea, inspirada en una poesía de Baudelaire dedicada a una cortesana.
Manet estudió a los venecianos a través de copias en el Louvre, como en Autoretrato de Tintoretto y la Venus del Prado de Tiziano, que es uno de los antecedentes de almuerzo en la hierba, así como también Concierto Campestre
. Aquí estaría el punto de partida de las escenas de burdel que tan famoso harán, por ejemplo, a Toulouse-Lautrec. El recurso de unir modernidad y tradición clásica era muy utilizado por Manet, como ya había hecho en Música en las Tullerías o Desayuno en la hierba. Por esto es considerado el primero que rompe de manera definitiva con la tradición académica, sirviendo a los impresionistas como punto de referencia y estímulo, a pesar de que Manet nunca se integró en el grupo. El lenguaje empleado en esta imagen es mucho más audaz que en obras anteriores; de nuevo la figura se recorta sobre un fondo neutro, utilizando una iluminación frontal que elimina las gradaciones tonales y las sombras. Esta iluminación - tomada de la estampa japonesa - acentúa la sensación de planitud, eliminada por Manet al contraponer partes claras y oscuras, revelando el sentido del volumen. Las líneas de los contornos están perfectamente definidas, destacando el valor otorgado por Manet al dibujo como le había indicado su maestro, Couture. La pincelada de Manet es muy segura, define con brillantez los detalles de las telas y emplea la mancha para las flores o las cortinas verdes del fondo. La bella figura de Olimpia mira con descaro al espectador, como si de un cliente se tratara; su sensual cuerpo se ofrece con los zapatos de tacón puestos, aumentando así el concepto de realismo aprendido de Courbet, que acentúa con la aparición de la sirvienta de color - con un magnífico ramo de flores en las manos - y el gato negro, que contrasta también con el cuerpo nacarado de Olimpia y con las telas blanquecinas sobre las que posa. Destaca el mantón oriental que sujeta la dama con su mano izquierda, síntoma de la afición por lo oriental de aquellos momentos.

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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Miér Mayo 22, 2013 8:19 am

PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

La pintura veneciana estuvo en la raíz de su aproximación, cálida y vitalista, al desnudo, especialmente después de 1885. En sus conversaciones con Ambroise Vollard, Renoir recordaba el misterio que había percibido en 1892 en los Tizianos del Prado. También le fascinaba su sensualidad plena y apasionada la limpidez de desnnudos como la "Venus y Organista". Por otra parte su aprecio festivo y ornamiental de la pintura le hacía especialmente sensible en las composiciones del Veronés, como el Gran lienzo "Las bodas de Caná", se ha supuesto quizá con exageración el origen de composiciones como "El almuerzo de los remeros".

Venecia influyó también en su visión del paisaje, a partir de su viaje en 1881. La conocia por los Tizianos del Louvre, pero apreció especialmente a Carpaccio y a Tiepolo. .
La luz de los venecianos parecía a Renoir alegre y cálida, pero también fuero, tanto Tiziano como Tintoretto (junto con Velazquez y Manet) valiosos precedentes en su utilización de los tonos negros.La Sensualidad de los opulentos desnudos femeninos inmersos en el paisaje en una atmósfera dorada, muestran la profunda afinidad electiva del artista en su último periodo con la pintura veneciana.



Misia Sert 1904 Renoir.
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Miér Mayo 22, 2013 8:22 am

PAUL CÉZANNE ( 1839-1906)

el cuadro "Las grandes bañistas" en el que trabajaba cuando murió se ha comparado en su composición, que quizá conocia por su grabado a la "Diana y Acteón de Tiziano.


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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Miér Mayo 22, 2013 8:27 am

SIMBOLISMO

Dentro del ámbito simbolista, la sugestión veneciana fue capital para HENRI FANTIN-LATOUR (1836-1903) que copio obras de Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronés y cuya predilección por los tonos cálidos y oscuros, especialmente los negros, y por las sutiles transiciones de matices evoca los retratos de aquellos maestros.
Por otro lado, el extraordinario refinamiento cromático, el gusto por la elaboración de la materia y la sugestión orientalista y sensual de las obras de Gustave Moreau (1826-1898) así como la propensión al abocetamiento y el peculiar uso de los azules de Odilon Redon (1840-1916) tienen sus precedentes en la pintura veneciana.
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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Miér Mayo 22, 2013 11:26 am

JAMES MC NEILL WHISTLER

Este norteamericano es uno de los creadores para quienes la influencia veneciana fue sustancial. Familiarizado con la obra de Canaletto, sus visitaas venecianas, realizadas a partir de su primera estancia en la ciudad en 1879, muestran un gusto refinado para percibir tanto las vistas más conocidas como el Rialto y la Piazzeta, de las que ofrecia aspectos inéditos, como otros lugares mucho menos conocidos que captaba con precisión en dibujos, pasteles y grabados. En sus óleos, la fascinación por una pintura sin apenas contornos, que la había llevado a una valoración absoluta del color a través de la mancha.

Este cuadro se ambienta en los tonos venecianos por excelencia.



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Re: El Modelo Veneciano en la Pintura Occidental

Mensaje por Uni Kotto el Miér Mayo 22, 2013 11:42 am

JONH SINGER SARGENT (1856-1925)

Interior del Palacio de los Dux


Estuvo muy vinculado a Italia desde su mismo nacimiento en Florencia. Para este artista la pintura veneciana y Venecia conforman el sustrato más profundo de su arte y orientaron de modo decisivo su trabajo hacia las tradicciones de lo pictórico. En su imaginario, la ciudad, su cultura y su arte resplandecían por encima de cualquier otra comparación. Ello explica sus frecuentes estancias en la ciudad desde los años setenta, que llegaron a tener una frecuencia anual, su amplia producción basada en motivos venecianos y la influencia de los máximos maestros de aquella escuela sobre su arte, sobre todo Tiziano, cuyo retrato de Felipe II, copió en el Prado. Su estancia de 1880-81 en la ciudad, especialmente importante, tras su formación en París. En las obras realizadas entonces, tanto exteriores como interiores, su preferencia por los tonos sobrios, grises, marrones y negros y su gusto por la penumbra pueen relacionarse aún con su formación parisina , pero revelan también una proximidad a Whistler y una predilección por las calidades de matiz. La fascinación por el pasado histórico de la ciudad se percibe en "interior del Palacio de los Dux".

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