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Otras posibles láminas de examen

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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 10:42 am

CATEDRAL acuarela de Thomas Girtin



Thomas Girtin (18 de febrero, 1775 – 9 de noviembre, 1802) fue un pintor y grabador inglés, que tuvo un papel destacado en el establecimiento de la acuarela como una forma de arte valiosa.
Considerada el Gran Bretaña como un arte nacional, el único verdaderamente inglés, hubo varios factores que la llevaron a tener dicha importancia, tanto por el gran número de pintores que producían sus obras con pigmentos al agua, no cubrientes, por la calidad de las obras producidas, ganándose un lugar como técnica con valor propio, no preparatorio para ser desarrollado finalmente al óleo, como por la presencia y aprecio que tuvo, y tiene, en esa sociedad.

Las acuarelas se obtienen por aglutinación de pigmentos secos en polvo mezclados con goma arábiga, que se extrae de la acacia y que solidifica por evaporación, pero que es soluble en agua. Las acuarelas, en estado sólido, se disuelven en agua y se aplican sobre el papel con un pincel. Si bien la acuarela es un tipo de pintura relativamente moderno, a lo largo de la historia se han utilizado diferentes pinturas a base de agua. Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros del antiguo Egipto y los tempranos dibujos orientales a tinta son en realidad una forma de acuarela monocroma. En la Europa medieval, se empleaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador derivado del huevo, para los manuscritos miniados; de la misma manera, los frescos medievales estaban pintados con pigmentos mezclados con agua espesados con pintura blanca opaca. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua, muy cercanos a las acuarelas, como el gouache, que se sigue empleando en la actualidad.

La acuarela sufrió la evolución más importante de su historia en Inglaterra, en la segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo con el desarrollo, que además la intensificó, del movimiento romántico, que glorificaba la naturaleza y la belleza natural. Además de ser la técnica más conveniente para la pintura al aire libre (por su rápido secado), la acuarela era sobre todo adecuada para representar los temas románticos favoritos, como cielos tormentosos, niebla y bruma, y espesos follajes. Al principio, los acuarelistas ingleses seguían la tradición holandesa y se servían de aguadas de color para realzar sus dibujos a pluma o a lápiz. Sin embargo, a mediados de la década de 1700, la técnica de la acuarela se libró de esas ataduras -sobre todo con la obra innovadora de Paul Sandby-, y los artistas empezaron a aplicar la pintura directamente sobre el papel sin atenerse a contornos previamente dibujados. Esta evolución marcó la madurez de la acuarela como modalidad artística y se hizo muy popular.

Los temas abarcaban mucho más allá del paisaje, incluyendo las composiciones místicas de William Blake y las sátiras sociales de las caricaturas de Thomas Rowlandson. En manos de algunos artistas, la naturaleza pastoril y apacible de la acuarela fue sustituida por el drama, la grandiosidad y lo sublime. John Robert Cozens, por ejemplo, realizó acuarelas muy evocadoras de los Alpes suizos y ejerció una importante influencia sobre los dos grandes maestros ingleses de la acuarela, Thomas Girtin y Joseph Mallord William Turner. En la primera mitad del siglo XIX, este último alcanzó una brillantez y luminosidad que no ha encontrado parangón; para describir sus acuarelas se decía que habían sido "pintadas con vapor teñido". Acuarelas en América y en Europa.

La acuarela no se destacó tanto en otros países europeos. En Francia utilizaron mucho esta técnica algunos pintores románticos como Géricault o Delacroix. La facilidad que proporcionaba a los artistas para representar la luz y la atmósfera tuvo una influencia menor en el movimiento impresionista que se desarrollaba en Europa a finales del siglo XIX, aunque algunos artistas aprovecharon su rápido secado para captar el instante fugaz. En España fueron diestros acuarelistas Mariano Fortuny y Ricardo Madrazo entre otros. El empleo de la técnica de la acuarela estaba más extendido en los Estados Unidos; a partir de 1870, John Sargent y Winslow Homer, el primero con escenas europeas brillantes, si acaso ocasionalmente superficiales, el segundo con representaciones realistas y absolutamente espontáneas de los bosques de Maine y de escenas caribeñas.

En el siglo XX, la acuarela ha tenido un papel relativamente pequeño, destacando ocasionalmente en la obra del postimpresionista francés Paul Cézanne y del vanguardista suizo Paul Klee. Sin embargo, en general, ha quedado eclipsada por sus parientes más brillantes y expresivos, el gouache y la pintura acrílica.

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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 10:50 am

CRISTO MUERTO DE Andrea Mantegna (Guache)

Lamentación sobre Cristo muerto es una de las más célebres obras de Andrea Mantegna. Estilo artístico: Cinquecento italiano
Técnica: Temple sobre lienzo
Dimensiones: 68 x 81 cm., conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, cuya fecha de realización no se ha establecido con certeza, proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501, aunque lo más probable es que sea de la etapa de madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490. Se trata de un tema común en el Renacimiento (la lamentación sobre Cristo muerto, con precedentes desde Giotto) pero nunca hasta entonces se había reflejado de una forma tan rotunda el carácter definitivo de la muerte. Mantegna pone sobre la mesa de manera definitiva lo que serán las señas de identidad de su obra durante su madurez, como es el virtuosismo en el estudio de la perspectiva, el profundo conocimiento de los volúmenes del cuerpo humano, así como la capacidad de captar con enorme realismo hasta el más mínimo detalle.

El guache, que parece que viene del francés "gouache" . Es una técnica al temple pero que en la que no se utiliza huevo u óleo como aglutinante sino que se usa materiales solubles en agua como la goma arábiga y las gelatinas o la cola de caseína. Esto facilita la aplicación y la capa pictórica es muy final. La diferencia, con el temple al huevo, es que los colores son más claros y opacos. Parece que esta técnica se utiliza desde el Antiguo Egipto aunque pocas veces sobre tabla o pared; lo más habitual es sobre tela o en miniatura. A menudo se le ha comparado también con la acuarela pero el guache utiliza el blanco para aclarar las tintas y se puede utiliza con esparcimientos densos a diferencia de la acuarela.




Última edición por Uni Kotto el Miér Ene 30, 2013 9:14 pm, editado 1 vez
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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 11:05 am

BALLET de Degas. Guache y pastel.



Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet.

1875; Gouache y pastel sobre lienzo, 21-3/4 "x 27"; George G. Frelinghuysen Collection, Nueva York

GOUACHE: Esta técnica utiliza colores al agua pero de aspeto opaco. Los pigmentos se mezclan con un mayor cantidad de aglutinante que la acuarela y se añaden algunos inertes (creta, acuarela china blanca o blanco fijo) que le confieren aspecto opaco y un secado casi inmediato que se puede retardar añadiendo azúcar, almidón o acrílico.

Se diluye con agua para aplicarlo pero algunos pintores usan pegamentos líquido como diliyente porque retiene la tonalidad de los colores, que tienden a secar con un tono más claro, además de prevenir el craquelado en las capas gruesas.

PASTEL: técnica pictorica que consiste en aplicar color seco sobre papel y otro soporte. Las barras de pintura están compuestas casi exclusivamente por pigmento puro que se mezcla con una cantidad mínima de aglutinante. Al no tener casi aglutinantes, los colores permanencen mas estables a lo largo del tiempo.
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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 11:13 am

LAS HILANDERAS DE VELAZQUEZ

utor
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
Título
Las hilanderas, o La fábula de Aracne
Cronología Hacia 1657
Técnica Óleo
Soporte Lienzo
Medidas 220 cm x 289 cm
Escuela Española
Tema Mitología

Obra de los últimos años del pintor, Las hilanderas fue interpretado durante mucho tiempo como cuadro de género, simple visión de un taller de trabajo en la fábrica real de tapicería; algo inconcebible en la España de su tiempo para cuadro de tan grandes dimensiones. Hoy sabemos que en realidad el cuadro representa un pasaje mitológico: la contienda de Palas y Aracne sobre sus habilidades en el telar, que concluye con la maldición de Palas, el suicidio de Aracne y su transformación en araña.

Como en sus restantes lienzos mitológicos, Velázquez ha eludido toda grandilocuencia y ha magnificado las alusiones a lo cotidiano contenidas en el mito, en este caso el ambiente cerrado y fabril del telar. La técnica se ha hecho prodigiosamente suelta y el toque impresionista sugiere y cuaja la realidad en toda su viveza. La seguridad y la maestría de Velázquez para captar lo transitorio tiene aquí, quizá, su realización más perfecta. El aire circula y casi se escucha el zumbar de la rueda del torno de hilar.

OLEO SOBRE LIENZO:
El óleo se conoce desde la Edad Media y se aplicaba normalmente en combinación con la pintura al temple o al fresco. Esto se debía a la lentitud de su proceso de secado, que se aceleraba un tanto al combinarlo con otros materiales como el temple o la témpera. Normalmente servía para retocar los detalles de los grandes paneles realizados a toda velocidad sobre el yeso fresco.La gran innovación llega con la época de los primitivos flamencos, que revolucionan con sus investigaciones esta técnica. Los descubrimientos tuvieron mucho que ver con el desarrollo de la alquimia, que dio lugar a las modernas ciencias químicas.El avance consistió en combinar los óleos, que literalmente significan aceites, no sólo con los pigmentos minerales que ofrecen el colorido, sino con productos secantes que aceleren el acabado.
El más extendido fue la linaza, aunque cada maestro y cada taller de pintura tenía su fórmula secreta que se transmitía oralmente de generación en generación.Los efectos que permite el óleo son, por una parte, realizar una composición de manera más lenta que al fresco, que ha de finalizarse diariamente. También permite trabajar sobre un conjunto inacabado, en lugar de por áreas concluidas en una sesión. La técnica posibilita los retoques, con lo que se podía variar composición, número de figuras, colores, etc. El detalle y la precisión aumentan con estos materiales. Y la profundidad de la escena aumenta mediante un efecto óptico, ya que el color permanece opaco bajo capas y capas de barnices traslúcidos que aumentan la resistencia del cuadro al paso del tiempo.El óleo puede ser utilizado sobre diversos soportes, lo que apenas varía su aspecto, pero sí la preparación de dicho soporte. Los materiales más usados como base para el óleo pueden ser la tabla de madera, especialmente desarrollada durante la pintura flamenca; el fresco, donde se aplica una vez seco el yeso para retocar los grandes fragmentos pintados a toda velocidad; y el lienzo que nos ocupa ahora, el sistema más extendido a partir del Barroco y prácticamente invariable hasta nuestros días. Su uso se generalizó de tal modo, que ha llegado a sustituirse por metonimia la palabra "cuadro" por "lienzo". Sólo el empleo ocasional de otros materiales como las láminas metálicas, o el empleo de nuevos materiales a partir del siglo XX, escapan a esta identificación de la pintura de la edad moderna con el óleo sobre lienzo.

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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 11:20 am

RETRATO DE UNA DAMA Roger Van der Weyden



Retrato de una dama (o Retrato de una mujer) es una pequeña pintura al óleo sobre roble realizada en 1460 por el pintor flamenco Rogier van der Weyden. La composición está formada por formas geométricas que modelan las líneas del velo, el cuello, el rostro y los brazos y por la caída de la luz que ilumina su faz y su peinado.Es el único retrato de una mujer firmado por el propio van der Weyden, si bien se conocen más retratos atribuidos a él o a su taller, aunque no se conoce ni el nombre de la dama ni el título original de la obra.1
Van der Weyden. En esta obra, la humildad y maneras reservadas de la mujer están expresadas por su frágil físico, sus ojos bajos y los dedos fuertemente apretados. Es esbelta y se muestra de acuerdo con el ideal gótico de facciones alargadas, indicado por sus estrechos hombros, su cabello firmemente prendido, la larga frente y el elaborado peinado.
OLEO SOBRE TABLA: Esta técnica fue la utilizada preferentemente por los artistas de la pintura flamenca. Sin embargo, gran número de pinturas italianas de la primera época renacentista estaban pintadas sobre tabla. Se preparaba la tabla con una capa de carbonato de cal terroso (creta) blanco y cola animal (gesso). De esa manera la madera resultaba compacta y lisa, a la espera de la pintura.
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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 11:28 am

TRES BANDERAS DE JASPER JONS



En 1955, Jasper Johns pintó su primera bandera estadounidense: un gran panel blanco dominado por la evidencia de barras y estrellas. Tres años más tarde creó "Tres banderas", donde el artista superpuso tres pabellones de diferentes tamaños, reforzando así la imagen y generando un interesante efecto óptico. La técnica utilizada se denomina "pintura al encausto", originalmente empleada en la antigua Grecia, que consiste en diluir los pigmentos en cera caliente, dándole al cuadro una superficie gruesa con apariencia de relieve.
Johns no escogió pintar la bandera de los Estados Unidos porque fuese especialmente nacionalista, sino porque quiso representar el motivo más banal y reconocible que pudiese encontrar. Esta es una de las obras más conocidas de Jasper Johns, figura emblemática del Pop Art.



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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 11:04 pm

Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Dom Ene 27, 2013 11:05 pm

Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Mar Ene 29, 2013 9:14 am

VASOS VAFIO (Trabajo con metal)
(h. 1500-1450 a. C.),



Son dos vasos formados por dos láminas de oro, la exterior repujada con temas y estilo totalmente minoicos; las asas están fijadas al cuerpo mediante remaches.
El relieve no es muy común en el arte griego. Los ejemplos más importante son los Vasos de Vafio. Son dos vasos posiblemente religiosos, muy pequeños, de una altura de unos 8 cm., se encontraron en la tumba de Vafio, que se encuentra en Esparta, por lo que a veces se catalogan estas escenas como micénicas, pero estilísticamente pertenecen al arte minoico reciente. Representan escenas al aire libre en las que el hombre y el toro se relacionan y en las que aparece el paisaje. En el vaso pacífico o bucólico aparecen representados toros pastando, uno les guía y otro es atado por un hombre. En el vaso dramático, aparece representado un toro que ha caído en una red, el resto huye y uno arremete contra un hombre.
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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Mar Ene 29, 2013 9:23 am

PALA D´ORO



Entre las obras de carácter mobiliar más importantes De la Basílica de San Marcos destaca una enorme pieza de oro y piedras preciosas que constituye la mejor muestra de orfebrería bizantina, en este caso en forma de esmalte sobre plancha dorada: la Pala d’Oro.
Un esmalte es una pasta vítrea, dura y brillante, que puede ser pulimentada. Se obtiene por fusión en el horno (a más de 700º) de polvo de esmalte, o lo que es lo mismo polvo de vidrio mezclado con óxidos metálicos que son los que le dan el color. Su naturaleza por tanto es muy similar a la del vidrio, al estar compuesta de sílice en su mayor parte, minio, sosa y potasa.
Los esmaltes se presentan sobre metal, cobre o hierro, y en los casos más lujosos, plata u oro. Pueden utilizarse como piezas de orfebrería, pero también se emplea como una variante de la pintura.
Las técnicas utilizadas a lo largo de la historia han sido principalmente cinco: el esmalte Cloisonné; el esmalte Champlevé; sobre relieve; el esmalte pintado; y el nielado.
La Pala d’Oro es un esmalte del tipo cloisonné. Una magnífica plancha de oro a modo de retablo, convertido en realidad en iconostasio.
La plancha central se inicia a fines del S. X, encargada por el duque de Venecia Pietro Orseolo I a orfebres bizantinos, y se termina ya en tiempos del duque Ordelaffo Farlier en 1105. Más adelante, en tiempos del duque Pietro Ziani se añadiría la parte superior con paneles traídos del expolio de Constantinopla de 1204. Y en 1345, por encargo de Andrea Dandolo, se añade el marco y gran número de piedras preciosas.
Iconográficamente la plancha central reproduce en el centro un Pantocrátor, los cuatro evangelistas rodeándolo, y encima entre dos querubines y dos arcángeles, la hetimasia, o trono del Juicio Final.
Debajo, en línea con esta parte central, aparece el retrato de Ordelaffo Falier y de la Emperatriz Irene, flanqueando la imagen de la Virgen.
A los lados de la composición central aparecen en orden jerárquico y de abajo arriba, doce profetas, los doce apóstoles y doce arcángeles. A los lados, en sentido vertical y en diez recuadros se representan a la izquierda los principales hechos de la vida de San Marcos y a la derecha los episodios de su martirio y del traslado del cuerpo a Venecia.


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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Mar Ene 29, 2013 9:27 am

CAMAFEOS ROMANOS

En estos géneros menores, los camafeos son los más lujosos, limitados a las clases altas y eran usados generalmente como joyas. Tallados en piedra semipreciosa como la ágata, calcedonia, jaspe, amatista y ónix, están considerados esculturas en miniatura desde su apreciación por John Ruskin, cuando hasta entonces se consideraban como una forma de grabado. Esta forma de talla fue introducida en Roma por los griegos helenistas, que fueron los primeros en conseguir un alto grado de refinamiento en este género.

Su pequeño tamaño no nos debe inducir a error en cuanto a la pericia requerida para este tipo de trabajo, que requiere una intensa concentración y enorme sensibilidad para trabajar la veta de la piedra y sus diferentes capas para obtener sutiles matices de color y efectos de luz y transparencia. Su datación es muy problemática, y muchas piezas indican que se estaban elaborando en momentos diferentes. Los mejores ejemplares se han convertido en piezas de coleccionista, y entre ellas podemos mencionar la fantástica Gema Augustea, un gran trozo de ónix bicolor tallada con dos escenas compuestas de varios personajes.
Durante el periodo imperial, los camafeos gozaban de gran prestigio, lo que inspiró a los romanos a inventar un vidrio, que ofrecía la ventaja de permitir un mayor control sobre el color y la transparencia, pero fue aún más difícil, largo y costoso trabajarlo que la piedra, presenta considerables desafíos técnicos, que aún no ha sido totalmente desentrañado por los vidrieros contemporáneos. Sin embargo se llegó a producir recipientes de camafeo de vidrio con decoración entera tallada, como el famoso Vaso de Portland y el Vaso de las estaciones.
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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ene 30, 2013 7:39 am




Del año 620 es la corona del tesoro de Monza, la pieza más antigua que se conserva de la esmaltería de Bizancio. Por el siglo X ya hubo en la corte carolingia talleres de esmaltes, cuya tradición recogerían los artesanos románicos, quienes abandonaron el alveolado y los esmaltes traslúcidos, adoptando el campeado (champlevé).

Limoges trabajaba intensamente en el siglo XII y XIII. Su producción eclipsó otras, pero hoy se cree que muchas piezas tenidas por lemosinas son hispánicas.

ESMALTE: Se empieza a usar en el área mediterránea, en las culturas micénicas, griega y celta y alcanza su máximo esplendor en la Edad Media. La técnica consiste en incrustar pasta vítrea sobre superificies metálicas, uniéndose el arte del vidrio con la orfebreria. Primero se preparan los componentes del esmalte, que son el sílice, el minio, la sosa y la potasa y sustancias colorantes. Estos componentes se fusionan, se dejan enfriar y se reducen a polvo. Hay dos sistemas de aplicación del esmalte:
EL CLOISONNÉ. consiste en rellenar con esmalte pequeñas cavidades que sobresalen ligeramente. El resultado parece un mosaico, con motivos geométricos u otros motivos elaborados.
EL CHAMPLEVÉ consite en labrar sobre la lámina pequeñas cavidades usando las técnicas del trabajo de metales, lo que permite elaborar composiciones complejas. Escuelas Mosa, Limoges y Renania. Se aplicó a objetos religiosos, aunque más tarde se extendió a los civiles.
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Re: Otras posibles láminas de examen

Mensaje por Uni Kotto el Miér Ene 30, 2013 10:11 pm

EL NACIMIENTO DE VENUS Botichelli



Autor: Botticelli
Fecha: 1485 h.
Museo: Galería de los Uffizi
Características: 172´5 x 278´5 cm.
Estilo: Renacimiento Italiano
Material: Temple sobre lienzo
Copyright: (C) ARTEHISTORIA

El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres, surgiendo imágenes como la Primavera o Venus y Marte. Venus es la diosa del amor y su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar. El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli.
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