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Pintura Italiana del Quattrocento

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Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Jue Oct 28, 2010 7:15 am


En las ciudades italianas Venecia, Florencia, Roma, Papua, Ferrara, el arte pictórico experimenta un extraordinario impulso y una mutación constante.
El punto de partida ha de buscarse en Giotto, que rompe los convencionalismos de lllamado estilo Bizantino. La monumentalidad de sus figuras inicia el camino que van a recorrer Massaccio y Rafael; el dramatismo de las expresiones señala una observación de los rostros poco usual en la época, el movimiento anuncia un estilo nuevo, más vivo y más humano.

EL CUATROCENTO

Se diferencia claramente de la pintura Gótica. El retablo desaparece y con él la subordinación del tema a un conjunto; cada cuadro empieza a ser un mundo en sí sin conexión con un ámbito externo a él. Sin dejar el tema religioso, se trata, tímidamente al principio, el tema profano, que ira supliendo poco a poco al místico hasta llegar a ser tan importante como aquél.
El paisaje, la belleza idealizada de los desnudos, el volumen de las formas y elsentido espacial son las dimensiones cardinales de la pintura renacentista y cada una de ellas supondrá una larga lucha para su dominio.
En el SXV, el dibujo es elemento capital y traduce el talante del pintor sereno como Fra Angélico o nervioso como Botticelli; del imperio de la línea se desprenden contornos nítidos, la percepción no presenta ninguna dificultad. Esta prepotencia del dibujo deriva en una aparienciaplana de las formas y la pintura será a partir de entonces un arte en dos dimensiones y cada elemento lo corrobora.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Jue Oct 28, 2010 7:24 am

FRA ANGELICO (1387-1455)

- Profunda religiosidad: huye de lo trágico.
- Rasgos curvilíneos, finos contornos, actitudes serenas (influenciassienesas)
- Colores vivos, de gran riqueza cromático.
- Goticista: abundante uso del dorado; figuras alargadas y curvilíneas;colorido preciosista.
- Renacentista: volumen y espacio.
• Anunciación. Museo del Prado.
• Frescos del Convento de San Marcos. Florencia.
• Frescos de la capilla de Nicolás V. Vaticano.

La Anunciación de Fra Angélico





  • Pintada en temple sobre tabla entre 1430 y 1435 para la Iglesia del Convento de Santo Domingo de Fiesole, actualmente se conserva en el Museo del Prado, de Madrid.
  • Desarrolla el tema de la Anunciación, tal como aparece narrado en el Nuevo Testamento, (Lc. 1,26-38), mostrando la escena en un pórtico de mármol abierto, all’aperto, que recuerda al Hospital de los Inocentes, construcción de un coetáneo de Fray Angélico como Brunelleschi, con arcos de medio punto que descansan sobre finas columnas blancas. Tiene bóvedas de arista, de color azul celeste sembrado de pequeñas estrellas de oro. En la fachada del pórtico hay un medallón con la figura de Dios Padre en grisalla. Al fondo del pórtico hay un cubículo con un banco.
  • El pórtico es de mármol, La Virgen está situada a la derecha. Parece que ante la llegada del ángel ha suspendido la lectura del libro que ahora mantiene sobre el regazo. Tanto ella como la figura del ángel, son dos personajes rubios, de blanca piel y de manos finas y alargadas. La Virgen lleva una túnica de color rosado y un manto azul ultramar. El ángel está vestido con un traje de color rosa con franjas de oro, ceñido a la cintura, que cae en grandes pliegues hasta los pies.
  • Se encuentra en un jardín, hortus conclusus, representación del Paraíso. En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz dorada que viene recto hacia la derecha, en el que viaja la paloma del Espíritu Santo.
  • El vergel que hay delante del pórtico está cuajado de florecillas y tiene una espesa vegetación con algunos árboles entre los cuales puede verse a dos personajes: Adán y Eva, en este caso vestidos con pieles. Su expresión es de sumisión y de arrepentimiento. Representa en conjunto la escena, el principio y el final del pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María. Un ángel vigila detrás de ellos que abandonan el Paraíso.
  • El cuadro se completa con una predela en la que se narran escenas de la vida de la Virgen. La predela se compone de cinco paneles donde se representan cronológicamente los episodios: Nacimiento y Desposorios, Visitación, Adoración de los Magos, Presentación en el Templo y Tránsito.
  • Se trata de una obra realizada alrededor del año 1430, es decir, en un momento de transición entre la pintura gótica y el renacimiento. De la época medieval quedan rasgos como la minuciosidad propia de la miniatura, como puede verse en la flora delante de Adán y Eva, en las detalladas alas del ángel o en su halo dorado. La luz y el color son ya renacentistas, así como la austeridad de la arquitectura.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Jue Oct 28, 2010 7:31 am

Dedicado a nuestra Hath (Faraona)

La Anunciación de Fra Angélico en Florencia






Es una de las anunciaciones realizadas por el pintor italiano Fra Angélico. Está realizado al fresco, y fue pintado entres 1437 y 1446 para el Convento de San Marcos en Florencia, actualmente convertido en Museo Nacional de San Marcos.En el convento florentino de San Marcos realizó sus mejores pinturas al fresco, entre 1438 y 1445.

En la “Anunciación”, de Fra Angélico, pintada a fresco en el pasillo del convento de San Marco en Florencia, la perspectiva lineal es construida con una precisión geométrica hasta en los mínimos detalles arquitectónicos. El espacio así creado da a los personajes una "presencia" pacífica y armoniosa pero éstos quedan en un lugar cerrado. El punto de fuga, colocado en la pequeña ventana, llama irresistiblemente la atención del espectador que debe "entrar" en el cuadro para impregnarse de la belleza del acontecimiento.


Última edición por Unifi Kotto (universo) el Vie Oct 29, 2010 1:36 am, editado 1 vez
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Jue Oct 28, 2010 7:41 am

MASACCIO(1401-1428)

- Prescinde totalmente del goticismo.
- Carácter escultórico de las figuras: formas robustas, monumentales,llenas de dramatismo. Reencarna la monumentalidad de Giotto pero las figuras sefunden mejor con el ambiente.
- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los contornosy crea efectos de luz y sombra para aumentar la sensación de profundidad.
- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.
• Santísima Trinidad. Santa María Novella. Florencia.
• Tributo de la moneda.
• Expulsión del paraíso. Iglesia del Carmine. Florencia.


EL TRIBUTO
Autor:Masaccio
Fecha:1424-28
Museo:Iglesia del Carmine de Florencia
Características:255 x 598 cm.
Material:Fresco
Estilo:Renacimiento Italiano


El Tributo se ubica en el compartimento superior del lateral izquierdo de la capilla Brancacci. Se narra la llegada de Jesús con sus apóstoles a Cafarnaum, recogida en el Evangelio según San Mateo, en tres episodios dentro de la misma composición: en el centro contemplamos al recaudador solicitando el tributo a Cristo y éste indicando a Pedro que en el agua encontrará el dinero; en el fondo, a la izquierda, observamos a san Pedro sacando una moneda de la boca de un pez; y en la derecha el pago del tributo ante una construcción. Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje, formando casi un círculo y vestidas a la manera griega. Su monumentalismo está inspirado en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello por las que Masaccio sentía especial admiración. Conviene destacar la expresividad de los rostros, que aportan una tremenda sensación de realismo, reforzada por los gestos. Al ubicar al recaudador de espaldas, el maestro intenta involucrarnos en la escena y hacernos partícipes del episodio. La luz inunda la composición, resaltando los colores empleados -que también sirven para dar efecto de perspectiva a la obra colocando los más cálidos en primer plano y los más fríos al fondo- y el efecto volumétrico de los personajes, interesándose Masaccio por la anatomía, como se observa en las piernas del recaudador mientras que los apóstoles ocultan sus cuerpos bajo pesadas túnicas. Incluso se puede afirmar que existe una cierta sensación atmosférica, desdibujando los contornos de la zona final. La arquitectura de la derecha es aún algo arcaica pero sirve para obtener perspectiva.

Respecto al significado que Masaccio pretende transmitir con este fresco existen diversas interpretaciones; se ha apreciado una referencia a la reforma tributaria que se produjo en Florencia durante el año 1427, que obligaba a declarar las rentas propias con la introducción del catastro; también se apuesta por una interpretación relacionada con el comercio marítimo de Florencia en la escena del hallazgo de la moneda, en clara alusión a Felice Brancacci, el patrono de la obra; otros especialistas consideran que se debe parangonar a san Pedro con el papa Martín V, cuya actividad se enfocó a la consolidación del poder de la Iglesia, refiriéndose concretamente al principio por el cual la Iglesia debe obtener el dinero para el pago de impuestos de fuentes ajenas a su entorno; también se ha planteado la historia como la redención a través de la Iglesia dentro de un significado eminentemente religioso.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Jue Oct 28, 2010 7:48 am

LA EXPLUSIÓN DE ADAN Y EVA DEL PARAISO TERRENAL. ( Masaccio)


ANTES Y DESPUÉS DE SU RESTAURACIÓN.


  • Es uno de los frescos de la Capilla Brancacci. Prácticamente todos ellos se dedican a episodios de la vida de San Pedro, existiendo dos que reflejan el Génesis: a la derecha Adán y Eva en el Paraíso, pintados por Masolino y, a la izquierda, esta Expulsión del paraíso terrenal de Masaccio. Es así el primer fresco en la parte superior de la capilla, sobre el eributo.
  • Tradicionalmente se ha considerado que se pretende representar el pecado original y el alejamiento del hombre respecto a Dios. El tema de todo el ciclo de frescos en su conjunto es la salvación de la Humanidad operada por Jesucristo a través de Pedro y, por extensión, de su iglesia. Los frescos dedicados al Pecado original y la Expulsión del Paraíso serían así una premisa o precedente a las historias de Pedro.
  • Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire. La pareja se asienta firmemente sobre el terreno, sobre el que se proyectan las sombras de la violenta iluminación que modela los cuerpos, los gestos están cargados de expresionismo. Adán llorando se cubre los ojos con la mano, en signo de vergüenza mientras que Eva se cubre con los brazos y grita, en señal de dolor.
  • La Expulsión contrasta dramáticamente con la imagen delicada y decorativa que hizo Masolino de Adán y Eva antes de la caída, pintada en el muro opuesto. Mientras que la obra de Masolino pertenece todavía al gótico, en la de Masaccio está ya presente el Renacimiento.
  • El tratamiento del desnudo remite a modelos de la Antigüedad. Se ha pensado que Masaccio pudo tomar como modelo para su Adán estatuas de Marsias (de la mitología griega) o de Laoconte y algunos crucifijos hechos por Donatello.
  • Por lo que se refiere a Eva, hay en ella alguna referencia a las venus púdicas romanas o a Giovanni Pisano (La Templanza del púlpito en la Catedral de Pisa y que se muestra aquí). El claroscuro hace a los cuerpos intencionadamente macizos, desmañados realistas.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Jue Oct 28, 2010 8:04 am

LA TRINIDAD DE LA VIRGEN. Masaccio.



  • Su título completo es la Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes (en italiano, Santa Trinità). Está pintado en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia en Italia. Es quizá la obra más celebrada de Masaccio aparte de los frescos de la Capilla Brancacci. Las opiniones sobre la datación del freco varían entre 1425 y 1428. Unas fuentes dan como altura 667 centímetros y otros 680, siendo la anchura de 317 cm. o 475.
  • Fue redescubierta en su integridad en 1861, después de ocultarse en el siglo XVI por un retablo de Vasari y un altar de piedra. Es considerada una de las obras fundacionales de la pintura en la Edad Moderna.
  • Los críticos del siglo XIX vieron en ella una revelación de los principios de Brunelleschi en arquitectura y el uso de la perspectiva, hasta el punto de que algunos creyeron que Brunelleschi intervino directamente en el diseño de la obra (haya intervenido directamente o no, de todos modos se piensa que Brunelleschi al menos le enseñó conceptos y técnicas de perspectiva a Masaccio).
  • Cuando se ejecutó, no se había construido aún ninguna Bóveda de cañón.[2] La obra recuerda a las primeras obras de la arquitectura del Prerrenacimiento como San Lorenzo de Brunelleschi y el tabernáculo de San Luis en la iglesia de Orsanmichel.
  • La pintura representa el dogma de la Trinidad, en en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Vie Oct 29, 2010 3:32 am

Fray Filippo di Tommaso Lippi(14068 deoctubre de 1469),también conocido como Lippo Lippi, fue un pintor cuatrocentista italiano.Sobresalió por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en eldibujo, que influyó decisivamente en Botticelli.

Influido por Masaccio, del que este pintor del Quattrocento fue el discípulo más directo, Fra FilippoLippi dio a los temas tradicionales una nueva intensidad, en especial por suc oncepción del espacio (utiliza paisajes en lugar de fondos planos, a fin de contrastar figuras) y por su búsqueda de los efectos de color, lo que lo hace uno de los mejores expertos coloristas de esa época. Sobresale por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, influyó decisivamente en Botticelli, destacándose su valoración por el movimiento y el gusto por lo anecdótico.

Como naturalista, tiene un realismo menos vulgar queel de algunos de sus contemporáneos, con animaciones genuinas que incluyenincidentes semi-humorísticos y personajes menores. Trata frecuentemente temas religiosos, siendo su mayor aportación a la pintura quattrocentista florentina un mayor acento profano respecto a las obras de Masaccio o Fra Angelico que le sirvieron de inspiración, puesto que enfoca el arte religioso desde su lado humano. Su carrera estuvo en continuo desarrollo, sin grandes variaciones en estilo o color.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Vie Oct 29, 2010 3:35 am

VIRGEN CON EL NIÑO. Lippi **




En su famosa Virgen con el Niño (1455, Galería de los Uffizi, Florencia),presenta un tono idílico y una humanización del tema sacro. El ángel que sonríe y mira fuera del cuadro añade una nota informal a la composición. Gran parte de su tratamiento informal se debe a la renuncia que hace de los votos para contraer matrimonio en 1461. En obras como las series al fresco sobre Escenas de la vida de San Esteban y SanJuan Bautista (1452-c. 1465, Catedral de Prato), Fra Filippo combina elementostradicionales del paisaje gótico con la perspectiva del nuevo estilo creandounos misteriosos fondos en fuga. Fra Filippo ejerció una gran influencia en el arte florentino posterior. Su estilo conduce directamente al del pintor Sandro Botticelli y sus escenarios góticos pueden rastrearse en la Virgen de las rocas de Leonardo da Vinci.


Última edición por UNI Kotto el Mar Nov 23, 2010 7:25 am, editado 1 vez
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Vie Oct 29, 2010 3:40 am

Piero della Francesca


Nació en un pequeño pueblo del sur de la Toscana, hacia 1420. Estudió arte en Florencia,y recibió una fuerte influencia tanto de Masaccio como de Domenico Veneziano.Del primero derivan la solidez y rotundidad de sus figuras, mientras que de Domenico tomó el gusto por los colores delicados y las escenas bañadas por una luz natural fría y clara. A estas influencias añadió un innato sentido del orden y la claridad. Escribió tratados sobre geometría y perspectiva, además de reflejar ambos temas en sus obras. Concibió la figura humana como un volumen cuya correcta articulación en el espacio es posible gracias a una rigurosaconstrucción plástica y a una utilización nueva de la luz.
Casi todas sus obras son de carácter religioso —básicamente altares y frescos para las iglesias— aunque su sereno y noble díptico del duque de Urbino en el que retrata a Federico de Montefeltro y su mujer Battista Sforza (1465, Uffizi,Florencia) es una de sus pinturas más famosas. El indiscutible punto culminante de su carrera fue la serie de grandes frescos La leyenda de la Vera Cruz(c. 1452-1465) para la iglesia de San Francesco en Arezzo, en los que presenta escenas de sorprendente belleza, con taciturnas y majestuosas figuras fijadas en un espacio claro, cristalino. Estos frescos se caracterizan por los grandes contrastes —tanto en el tema como en el tratamiento— que crean un poderoso efecto de grandiosidad.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Vie Oct 29, 2010 3:49 am

La leyenda de la Vera Cruz
(En italiano conocido como Leggenda della Vera Croce), es un ciclo de frescos considerados la obra maestra del pintor Italiano Piero della Francesca. Fue pintado en el periodo 1452-1466 en la Capilla Bacci o coro de la Basílica de San Francisco de Arezzo, villa situada en la Toscana (Italia).Este ciclo de frescos está considerado una de las obras maestras de toda la pintura renacentista, tanto por la claridad de su composición como por su admirable luminosidad colorista.
Los frescos de la capilla mayor de la iglesia de san Francisco en Arezzo fueron encargados inicialmente al maestro del gótico tardío Bicci di Lorenzo. Los clientes eran la familia Bacci, eligiendo a Piero della Francesca como continuador de la decoración tras el fallecimiento de Bicci en 1452. El tema representado en las paredes laterales y frontales de la capilla es la Leyenda de la Vera Cruz, tomando como fuente "La Leyenda Dorada" de Santiago de la Vorágine, escrito de gran difusión en el Renacimiento y uno de los mejores textos para inspirarse iconográficamente. Sobre las fechas en las que Piero trabajó en este encargo existe disparidad de criterios entre los especialistas: Longhi considera 1452 y 1458 como los años entre los que realizó la obra; Clark, Gilbert y Ginzburg apuntan 1452 para el comienzo y 1466 para la finalización, dando gran importancia al viaje que el maestro hizo a Roma; Battisti considera que sería después de ese viaje a Roma, atrasando la fecha hasta 1459 y 1466. Sabemos que Piero contó con colaboradores que siempre estuvieron controlados por el maestro, proporcionándoles los cartones que nunca fueron alterados.
Conocemos el nombre de dos de ellos: Lorentino d´Andrea y Giovanni di Piamonte, autor de uno de los Profetas. La técnica empleada es mixta al utilizar pintura al fresco y en seco junto a temple a la caseína, que se endurece transcurrido el tiempo y es insoluble. Gracias a esta técnica mixta consiguió unas tonalidades y una nitidez difícilmente superables pero ha incidido en el aspecto negativo al deteriorarse con mayor rapidez, conservándose con dificultad a pesar de las sucesivas restauraciones. La Leyenda de la Vera Cruz se inicia con la enfermedad de Adán que antes de morir recibió la promesa del arcángel san Miguel de un óleo milagroso; Adán envió a su hijo Set a recoger el óleo, recibiendo una rama de olivo de la que brotaría el óleo de la salvación (Muerte de Adán). Transcurridos los años, Salomón decidió emplear el árbol que había crecido de la rama de olivo para la construcción de su templo pero al no lograrlo se utilizó como puente, siendo venerado el Sagrado Madero por la reina de Saba cuando fue a visitar al monarca judío, prediciendo que ese madero sería el culpable de la desaparición del reino de los judíos (Salomón y la reina de Saba). Salomón intentó ocultar el madero pero fue descubierto y se empleó para la construcción de la Cruz con la que se crucificó a Cristo (Traslado del Sagrado Madero). Para evitar que el lugar se convirtiera en un centro de peregrinación se construyó sobre el Gólgota un templo a Venus; transcurridos 300 años, Constantino tuvo un sueño en el que se le aparecía una cruz con la que obtendría una importante victoria (Sueño de Constantino). Efectivamente, con el signo de la cruz consiguió vencer en la batalla contra los bárbaros y expulsarlos de la frontera del Imperio (Victoria de Constantino sobre Magencio). El emperador decidió convertirse al cristianismo y su madre, santa Elena, inició la búsqueda de la Sagrada Reliquia en Palestina, preguntando entre los judíos y llegando a torturar a Judas, que conocía el emplazamiento (Tortura del judío).
Tras las revelaciones, se destruyó el templo y aparecieron tres cruces, realizando la que sirvió para la muerte de Jesús el milagro de resucitar a un joven (Descubrimiento y milagro de la Vera Cruz). Transcurridos otros 300 años, el rey persa Cosroes se apodera de la reliquia, haciéndose adorar como un dios, provocando la ira del emperador bizantino Heraclio, que le derrota y decapita (Batalla de Heraclio y Cosroes). Heraclio se adueña de la Sagrada Cruz y la devuelve a Jerusalén (Exaltación de la Cruz), concluyendo así la historia. Piero representa las escenas de mayor complicación en las paredes laterales tratando más de un asunto y las de menor complejidad en el muro frontal. La narración se ha complicado extraordinariamente ya que no sigue una línea cronológica sino que altera el orden para mostrar una simetría organizativa por la que sentía especial admiración.
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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Vie Oct 29, 2010 3:51 am

ALGUNOS FRESCOS DE LA "LEYENDA DE LA VERA CRUZ"

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Re: Pintura Italiana del Quattrocento

Mensaje por Uni Kotto el Vie Oct 29, 2010 6:15 pm

Virgen de Breda (o del Huevo) De lla Francesca.

Autor: Piero della Francesca
Fecha:1472-74
Características:248 x 170 cm.
Museo:Pinacoteca di Brera





  • Durante la estancia de Piero della Francesca en la Corte de Urbino realizó varias obras que se consideran cumbres en su producción: los retratos de Federico de Montefeltro y Battista Sforza, la Virgen de Senigallia, la Flagelación y esta Madonna con Niño, también conocida como Pala Montefeltro o Pala Brera, debido al museo donde se guarda actualmente procedente de la iglesia de san Bernardino de Urbino.
  • Es una de las obras más populares del maestro y que más comentarios ha suscitado. La Virgen con el Niño dormido en una extraña postura se encuentra en el centro de la tabla, acompañada de tres santos a cada uno de los lados y cuatro ángeles tras ella. En la zona de la izquierda apreciamos a san Juan Bautista, san Bernardino y san Jerónimo mientras que en la derecha se hallan un evangelista -identificado con dudas como san Juan- san Pedro Mártir y san Francisco.
  • En primer plano, vestido con una armadura plateada -en la que los reflejos permiten contemplar una ventana- muy similar a la que encontramos en su Triunfo, se sitúa Federico de Montefeltro, duque de Urbino y uno de los principales clientes de Piero. La escena se desarrolla en un espacio dominado por arquitectura de marcado acento renacentista, especialmente la bóveda de cañón que se cierra con una cúpula en forma de concha de la que pende un huevo de avestruz. Los casetones decorados con elementos florales tienen un relieve considerable, creando el maestro la sensación de estar en un palacio más que en un espacio sagrado o celestial.
  • La luz ilumina todas las figuras, reforzando su carácter escultórico y contribuyendo a la formación del espacio en la escena. También sirve para aumentar el efecto de autonomía de los personajes que aun estando muy unidos entre sí, cada uno se encuentra distante del compañero. Las figuras de los ángeles dirigiendo su mirada al espectador parecen buscar respuesta a los enigmas del cuadro, especialmente en cuanto a las diferentes interpretaciones que se han producido. En esta obra de Piero adquieren una importancia fundamental las joyas, el coral que pende del cuello del Niño, el oro y los diversos adornos, buscándose un significado simbólico. En aquellos momentos la perla se relacionaba con el agua del bautismo y el agua que manó del costado de Cristo durante la crucifixión, mientras que el coral protegía a los niños de los malos presagios y de los peligros, además de indicar la santidad virginal.
  • Por lo que se refiere al huevo y la concha se interpretan como una alusión a la maternidad de Battista Sforza, quien se retiró a la villa de Gubbio para concebir con mayor facilidad un hijo, interviniendo milagrosamente san Ubaldo por lo que el niño se llamó Guidobaldo. El nacimiento se produce el 1 de enero de 1472 falleciendo Battista el 6 de julio del mismo año al no recuperarse del parto; además, el huevo era el símbolo del duque, relacionándose pues con su sucesión.
  • También se han encontrado indicios de una referencia a la batalla de Volterra, victoria conseguida por Federico en 1472 por lo que aparecería arrodillado y con la armadura, exaltando su poder. Dejando de lado la simbología, parece claro que estamos ante una obra votiva, realizada por Piero para ofrenda del duque. Las figuras de los santos que se encuentran entre medias de sus compañeros se consideran añadidos posteriores, con la existencia de colaboradores en la obra, entre los que se menciona al español Pedro de Berruguete como el autor del rostro y de la armadura del duque. En la profusión de detalles podemos encontrar una referencia al mundo flamenco que Piero conoció en su estancia en la Corte de Urbino.


    Última edición por Unifi Kotto (universo) el Sáb Oct 30, 2010 5:40 am, editado 2 veces
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Vie Oct 29, 2010 6:29 pm

    Benozzo Gozzoli
    F
    lorencia 1420 - Pistoia 1497


    • Benozzo di Lesse, que era su nombre de pila, se inicia en el arte de la orfebrería primero y luego se decanta por la pintura. Estando en Florencia trabajó con Ghiberti, más tarde en la Ciudad Eterna entró en contacto con Fra Angelico. De su producción destaca El Cortejo de los Reyes Magos que ejecuta para la capilla del palacio de los Médicis en Florencia. En los frescos que cubren los muros de este espacio recurre a escenas que evidencian la influencia de los pintores florentinos.
    • Para la ejecución de esta obra se inspiró en una pintura sobre tabla de Gentile da Fabriano que abordaba el mismo asunto. En esta obra, los Reyes Magos, representados con ricos ropajes, cabalgan hacia el encuentro con el niño. Pero lo más significativo es la comitiva que acompaña a los magos de Oriente, formada por los personajes más representativos de la sociedad, en su mayoría miembros de la familia Médicis. En el análisis de esta composición es importante resaltar como el autor llega a transformar una escena de índole religiosa en un tema social. En lo que se refiere al paisaje cabe añadir que todavía denota reminiscencias medievales.
    • A partir de 1463 comienza a trabajar en las Escenas de la Vida de San Agustín en San Gimignano que concluye en 1467. Un año después, inicia las Escenas Bíblicas del Camposanto de Pisa, donde trabaja hasta 1484. De su producción sobre tabla son dignas de mención Virgen entre ángeles y Santos que conserva la National Gallery de Londres y Virgen con Niño de San Gimignano. De su maestro Fra Angelico adopta el gusto por el detalle y los colores brillantes, aunque no reproduce sus fondos místicos. La maestría con que describe sus representaciones permitió que se convirtiera en uno de los artistas más admirados de la época.


    Última edición por Unifi Kotto (universo) el Vie Oct 29, 2010 6:32 pm, editado 1 vez
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:11 am

    EL CORTEJO DE LOS REYES MAGOS. Gozzoli



    Procesión de los Magos (detalle)
    Autor:Benozzo Gozzoli
    Fecha:1459-61
    Museo:Palacio Médici-Riccardi

    Material:Fresco


    La composición realizada por Benozzo Gozzoli en el Palacio Médici muestra el uso de elementos aparentemente contradictorios como son el fondo de paisaje, representado según los convencionalismos del gótico internacional, y los escorzos de los caballos y algunas figuras. Los elementos tradicionales aparecen aquí no como solución arcaizante sino como intento de ambientación histórica de la fecha del acontecimiento.
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:15 am

    Ghirlandaio. Domenico di Tommaso Bigordi
    Nacionalidad: Italia
    Florencia 1449 - Florencia 1494


    • Ghirlandaio, sobrenombre de Domenico di Tommaso, fue un pintorflorentino que trabajó para los Médici; su trabajo estuvo muy cercano a las posturas más conservadoras del pintor como artesano y empresario. Se formó enel taller de Baldovinetti y en el de Verrocchio,donde conoció a Leonardo daVinci. Allí desarrolló un estilo sólido, materialista y algo anticuado silo comparamos con algunos de sus coetáneos como el propio Leonardo o Botticelli.Formó su propio taller con dos de sus hermanos pequeños, Benedetto y David.Entre sus obras más importantes se cuenta el ciclo de frescos sobre la vida de María,pintados para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia, que llevó a cabo entre 1486 y 1490 por encargo del poderosoGiovanni Tornabuoni, socio de los Médici.



    • El artista retrató a la esposa de Giovanni, Lucrezia Tornabuoni y a su hija, la hermosa Giovanna. Elestilo de Ghirlandaio es francamente profano incluso en los temas religiosos:el pintor ambientó todas sus escenas sagradas en el interior de las lujosascasas de los burgueses más acaudalados de Florencia.



    • Por ello se le considerael mejor cronista de las costumbres y la vida de su época. Hay también obras deGhirlandaio en Pisa, San Gimignano y la Capilla Sixtina, donde acudió con otrosimportantes pintores en la embajada que los Médici enviaron al papa paradecorar esta iglesia. Otra faceta de su trayectoria pictórica muy celebradafueron sus retratos, de entre los que destaca el titulado Anciano con sunieto.



    • Además, Ghirlandaio fue el maestro de Miguel Ángel y su hijo Ridolfo fue amigo y compañero de Rafael,aparte de un buen retratista.
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:19 am

    GIOVANNA TORNABUONI. Ghirlandaio.



    Giovanna Tornabuoni
    Autor:Ghirlandaio
    Fecha:1488
    Museo:Museo Thyssen Bornemisza
    Características:77 x 49 cm.
    Material:Témpera



    • Si tuviéramos que destacar dos obras de Ghirlandaio, serían el retrato de Giovanna Tornabuoni y el Anciano con su nieto. Ambas resumen el espíritu del retrato florentino, dominados en el Quattrocento por la elegancia, la sofisticación y al mismo tiempo, la fidelidad al retratado y la verosimilitud de la imagen. Giovanna Tornabuoni era hija de Lucrezia, también retratada por Ghirlandaio en un cuadro frío y soso, que pudo tener alta participación de los aprendices de su taller.
    • Giovanna aparece también en el retrato de la alta sociedad florentina que Ghirlandaio realizó con el pretexto de pintar la Aparición del ángel a Zacarías. La joven se había casado dos años antes y el retrato resulta un triste documento de su belleza, puesto que Giovanna moriría el mismo año que el pintor terminó el cuadro. La pose de la muchacha era típica del Quattrocento, de perfil sobre un fondo neutro, oscuro, que destaca la elegancia y hermosura de la joven.
    • Ella está colocada sobre estructuras geométricas: un eje axial en mitad del cuadro, ángulo recto para su brazo y una suave pirámide para el cuerpo. Todo ello traduce perfección ideal, que se hace eco en la alacena de fondo, toda ella construida con cuadrados y rectángulos.
    • En la alacena hay más complementos que aluden a la perfección de la joven: la hilera de cuentas de coral, que simbolizan el amor a Cristo, las joyas y el libro, aficiones de las jóvenes de buena familia, y un letrero escrito en latín por el autor que reza: "¿Podría el arte retratar su carácter y virtud? Ninguna pintura en el mundo podría ser más hermosa. 1488".

    EL ANCIANO CON SU NIETO **

    Anciano con su nieto
    Autor:Ghirlandaio
    Fecha:1480 h.
    Museo:Museo Nacional del Louvre
    Características:62,7 x 46,3 cm.
    Material:Témpera

    Lo que destaca, evidentemente, es la falta de idealización en una época en la que todos los retratados querían parecer héroes de la Antigüedad clásica. Sin embargo, el pintor se ha sometido fielmente a los rasgos de su modelo e introduce la idealización en la personalidad y la relación de los dos protagonistas: en toda la atmósfera se puede palpar el amor entre ambos y el ennoblecimiento que de ello resulta hace bellas las dos figuras. Ghirlandaio pinta los vestidos de ambos en un rojo brillante característico de la zona de Venecia, aunque trabaja en Florencia. Este color se asociaba a nobleza y riqueza, puesto que era un color caro de conseguir (aunque más caro era el azul y el dorado). La composición del pintor alude bastante a los modelos flamencos que transmitió el pintor Antonello da Messina, al situar a los modelos junto a una ventanita lateral que se abre a un paisaje; sin embargo, el paisaje es típicamente italiano, similar al de la Anunciación de Leonardo da Vinci o al de la Adoración de Lorenzo di Credi.


    Última edición por UNI Kotto el Mar Nov 23, 2010 7:26 am, editado 2 veces
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:26 am



    Botticelli.Alessandro Di Mariano Filipepi

    Nacionalidad: Italia
    Florencia 1444-45 - Florencia 1510
    Pintor
    Estilo: RenacimientoItaliano
    Escuela: Quattrocento ,EscuelaItaliana


    • Botticelli era el apodo de su hermano mayor, Giovanni, cuya obesidad provocó que el mote de tonelete se extendiera a todos los miembros de la familia. Sandro nació en Florencia hacia1444-1445, en el seno de una familia humilde de artesanos. Quizá por eso se inició en el arte de la orfebrería, oficio de gran prestigio en el siglo XV.Pero el joven cambió de planes y con 17 años entró en el taller de Fra FilippoLippi, uno de los pintores florentinos más afamados del Quattrocento. Ese aprendizaje tuvo lugar en Prato y duró unos cinco años. Hacia 1465 Sandro hace sus primeros trabajos bajo la atenta mirada de su maestro, cuyo estilo apreciamos en las Madonnas con Niño realizadas durante estos años.


    • Desde 1470 Botticelli dirige un estudio en la actual Via della Porcelana de Florencia, en una casa adquirida por su padre seis años antes. Será ese año cuando reciba el primer encargo procedente de una institución oficial, la Fortalezapara los "Sei della Mercanzia". La fama del joven pintor venía avalada por obras anteriores como la Epifanía. Su inclusión en la lista de la "Compagnia degli Artisti di San Luca"data de 1472, encontrándose a Filippino Lippientre los ayudantes o discípulos de Sandro.


    • En 1474 se traslada a Pisa para realizar una serie de frescos en el cementerio de la localidad, ejecutando como prueba una escena de la Virgen; por desgracia ni los frescos ni la tabla se conservan. Un año más tarde se iniciará la estrecha relación entre la familia Médici y Botticelli,colaboración que será larga y fructífera. Las obras realizadas en estos últimos años de la década de 1470 - especialmente retratos como el de Giuliano deMédici - aumentarán su prestigio hasta ser llamado en julio de 1481 por el papa Sixto IV para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina junto a Ghirlandaio,Perugino,Pinturicchioo Cosimo Rosselli. La Rebelión contrala Ley de Moisés y la Escena judía y las tentaciones de Cristo son las dos obras ejecutadas en Roma.


    • . En esta década de 1480, Botticelli realizará sus obras más importantes: la serie de Nastagio degli Onesti, la Madonna del Magnificat o la de la Granada y sus escenas mitológicas - el Nacimiento deVenus o la Primavera- con las que verá aumentar su éxito. No en balde, en estos años obtendrá numerosos encargos de las familias más prestigiosas de Florencia. El Retablo Bardio la Anunciación indican que su bello estilo está en su momento álgido, estilo que se encuentraa caballo entre los conceptos del Renacimiento yel espíritu del Góticotardío, integrando en sus obras el pensamiento de sus clientes, por lo quesus encargos fueron numerosos.


    • En la década de 1490 se iniciará la influencia del monje benedictino Girolamo Savonarola en la religiosidad de los florentinos, que afecta al propio Botticelli, cuyo hermano Simone seguirá fervorosamente al clérigo. La muerte de Lorenzo el Magnífico llevará pareja la expulsión de los Médici de la ciudad en 1494, aunque el maestro se mantenga en contacto con ellos. Pero el peso de Savonarola crecerá con fuerza en el ambiente florentino y las obras de Sandro sufrirán un giro hacia el ascetismo,como comprobamos en la Piedad, la Coronación de la Virgen o la famosa tabla de la Calumnia de Apeles.


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    Última edición por UNI Kotto el Jue Dic 30, 2010 8:11 am, editado 2 veces
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:33 am

    ALEGORIA DE LA PRIMAVERA. Botichelli



    La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentistaItaliano SandroBotticelli. Está realizado al templesobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho.


    • Su datación es incierta. Según buena parte de la crítica, se pintó en 1476 o 1477.



    • Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco yla empuñadura de la espada de Mercurio o las cadenas y los broches de lasGracias.


    • Estudios interesantes son los que se han realizado sobre las relaciones dimensionales de las partes de la escena en referencia a reglas musicales.
    • Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas,estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés del manierismodel sigloXVI. Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.


    • Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes,de colores claros e incluso transparentes.
    • La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Lospersonajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árbolestradicionalmente relacionados con la familia Médici. Noobstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas,cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici. Detrás de Venushay un mirto,planta tradicionalmente sagrada para ella. Mientras, la parte derecha estáhecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles,lo que sería una alusión al novio, Lorenzo, en latín Laurentius.



    EL NACIMIENTO DE VENUS


    El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fuepintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palaciosde ocio en el campo. El tema mitológico era habitual en estos emplazamientoscampestres, surgiendo imágenes como la Primavera o Venus y Marte. Venus es la diosa del amor y sunacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronosy arrojados al mar. El momento que presenta el artista es la llegada de ladiosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento comodescribe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli.

    Venusaparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largoscabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derechotrata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuasromanas de las Venus Púdicas. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, eldios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajesen un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, lasdiosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su mantodecorado con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con unmanto también floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición diceque surgieron con ella. Técnicamente, Botticelli ha conseguido una figuramagnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con unalínea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera, elartista toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus trabajos.Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los plieguesy los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelliparecen algo frías e incluso primitivas


    Última edición por UNI Kotto el Jue Dic 30, 2010 8:12 am, editado 2 veces
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:47 am

    Mantegna,Andrea
    Nacionalidad: Italia
    Isola di Cartura 1431 - Mantua 1506
    Pintor
    Estilo: RenacimientoItaliano
    Escuela: Quattrocento ,EscuelaItaliana

    • Andrea Mantegna es uno de los grandes creadores del Quattrocento italiano. Natural de Isola di Cartura, entre Padua y Vicenza, vio la luz hacia 1431, formándose en Padua con el pintor Squarcione - apasionado estudioso de la época romana y coleccionista de objetos arqueológicos, afición que heredó el propio Andrea - quien le consideró su hijo adoptivo. Ya en sus años jóvenes se interesó por la perspectiva tomando como referencia las obras de Paolo Ucello,Andrea del Castagno o Fra FilippoLippi, maestros que habían trabajado en Padua. En 1448 Mantegna tienetaller propio y realiza su primera obra, desgraciadamente perdida. Se iniciócomo fresquista al año siguiente, en la decoración de la capilla Ovetari juntoa Nicolò Pizollo, destruida por los efectos de una bomba en 1944.


    • Ya en estos primeros momentos se aprecia la influencia en sus figuras del escultorDonatello, dando la impresión de ser estatuas de bronce o piedra por lo que aesta primera época se la conoce como el "estilo pétreo". También seinteresa por la perspectiva, como se aprecia en la Asunción de la Virgen, siguiendo la Trinidad de Masaccio.Durante la ejecución de este encargo en la iglesia de los Ermitaños, setrasladó a Venecia, donde se relaciona con la familia Bellini, contraematrimonio en 1452 con Nicolasia, hija de Jacopo y hermana de Giovanni, yestablece una estrecha relación con sus cuñados, como se observa en la Oraciónen el huerto o la Presentación en el templo.


    • A su regreso a Padua realiza una de sus obras más importantes:la Pala deSan Zenón, donde introduce el lenguaje de la "SacraConversazione", continuando con su estilo monumental y pleno de fuerza. Elafán por lo escultórico se pone de manifiesto en el San Sebastián de Viena, pintado en estos años, donde se interesa por los fondosarquitectónicos inspirados en el mundo clásico.


    • Con 29 años Andrea se instalaen Mantua y permanece como pintor de corte de la familia Gonzaga hasta sumuerte, realizando allí sus obras más importantes: la decoración de la Cámara de los Esposos, donde los Gonzaga son retratados en diversas actitudes; el interéspor la perspectiva y las referencias antiguas le llevan a abrir la sala graciasa las referencias a la campiña plagada de castillos y ciudades, destacando el Óculo fingido que sirve de coronamiento a la estancia. También de la estancia en Urbino seríala Muerte dela Virgen, donde la perspectiva y las figuras dotan al conjunto de unsereno equilibrio.
    • Su fama le hizo ser llamado a Roma por el papa Inocencio VIII para decorar una de las capillas del palacio del Belvedere, destruida en1780, regresando de nuevo a Mantua en 1490, cuando inicia los lienzos del Triunfo del César, evocación majestuosa del mundo romano que recuerda los frisos yrelieves históricos de la Antigüedad. Isabella d´Este le encargó la decoraciónde su "Studiolo", donde pintó el Parnaso y elTriunfo de laVirtud. Durante estos últimos años sus imágenes religiosas se hacen más intimistas y desaparecen las referencias arquitectónicas para representar unfondo neutro aunque en algunas, como la Madonna de los Caballeros o la Virgen Trivulzio,continúa con dichas referencias.


    • Las figuras siguen siendo escultóricas,interesándose por los escorzos y la perspectiva, como se muestra en el Cristo muerto,una de las más bellas obras de la pintura universal. Su afición por el mundoclásico le llevó a realizar escenas que simulan relieves como la Introducción delculto de Cibeles en Roma o Sansón y Dalila.La gran aportación de Mantegna a la pintura del Quattrocento será dotar de unamonumentalidad escultórica suprema a las figuras, tomando las ideas de Masaccioy llevándolas a su máxima expresión. No debemos olvidar su producciónretratística y sus dibujos y grabados, que sirvieron de inspiración a losmaestros del Cinquecento.


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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:49 am

    MUERTE DE LA VIRGEN. Mantegna **



    Muerte de la Virgen
    Autor:Andrea Mantegna
    Fecha:1461
    Museo:Museo del Prado
    Características:54 x 42 cm.
    Material:Oleo sobre tabla


    Procedente de una capilla del palacio ducal de Mantua, adquirida por parte de Carlos I de Inglaterra y después, en 1649, por Felipe IV de España. En una habitación encuadrada por pilastras sombrías, pero abierta a una vista del lago de Mantua, los apóstoles rodean el lecho de la Virgen moribunda. La hábil perspectiva se coordina perfectamente con las figuras escrupulosamente trazadas y coloreadas. El efecto total es severo pero de una dignidad viva y conmovedora. Debidamente considerada como obra maestra del temprano Renacimiento, se singulariza por su detallado naturalismo, radiante claridad y solidez de espíritu.


    Última edición por UNI Kotto el Mar Nov 23, 2010 7:26 am, editado 1 vez
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Sáb Oct 30, 2010 5:58 am

    CRISTO MUERTO. Mantegna **


    Cristo muerto
    Autor:Andrea Mantegna
    Fecha:1474 h.
    Museo:Pinacoteca di Brera
    Características:68 x 81 cm
    Material:Oleo sobre tabla
    Estilo:Renacimiento Italiano



    Jamás en la historia del arte se había visto una figura humana desde este punto de vista. Mantegna sorprendió y escandalizó a todos con este impresionante alarde de dominio de la perspectiva y la proyección geométrica.
    Aplicando literalmente las leyes de las matemáticas, Mantegna dibujó un cuerpo según el canon renacentista, perfectamente proporcionado, y lo proyectó hacia un punto de fuga central que nos muestra un violento escorzo del cadáver de Cristo.
    La muerte se abalanza sobre los espectadores, que pueden contemplar simultáneamente las llagas de los pies, el vientre hundido, las llagas de las manos y la patética faz de Jesús, con los labios entreabiertos y la piel amoratada.
    Es una auténtica agresión al espectador y al mismo tiempo una audaz declaración de principios artísticos que Mantegna realizó en este cuadro inolvidable.


    Última edición por UNI Kotto el Mar Nov 23, 2010 7:27 am, editado 1 vez
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por AeroHis el Jue Nov 04, 2010 1:07 am

    La Trinidad - Masaccio (Iglesia de Santa Maria Novella)

    Tema. La escena une en el mismo espacio lo más sagrado (Trinidad compuesta por Dios Padre, Hijo crucificado y Paloma del Espíritu Santo), los intercesores entre Dios y los hombres (María y San Juan a los lados de Cristo) y los simples mortales (representados como donantes o personas arrodilladas que rezan ante la divinidad, normalmente forma de representar a aquellos que pagaban el cuadro).



    Técnica y soporte. La obra se encuentra realizada en una pared utilizando la técnica del fresco (pigmentos coloreados mezclados con huevo como aglutinante)
    Composición es típicamente renacentista. Las figuras se inscriben en un triángulo equilátero que crea una movilidad pero sin generar angustia o tensiones, subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad.



    Como es típico también en el Renacimiento se recurre a las formas geométricas (cuadrado, rectángulo, círculo) para organizar todo el espacio. Se trata de utilizar la geometría como una forma de crear armonía, pues todas las medidas del cuadro se realizan en función de operaciones numéricas



    Línea y color. Predomina la línea sobre el color, aunque ésta sea apenas perceptible. El dibujo es sintético (con pocos detalles y una cierta tendencia a la geometría, especialmente en los paños). En cuanto al color está contrapesado para no perder armonía. Fíjate en los rojos y azules que se van alternando en el cuadro (El azul es un frío y pesa menos que el rojo, un cálido; su organización equilibrada se hace para evitar que una parte del cuadro sea más importante que la otra)

    La luz es utilizada de forma representativa por el autor, creando con ella claroscuros que refuercen el carácter volumétrico (tridimensional) de las figuras. Observa esta comparación. La primera fotografía es románica y no tiene claroscuro (XII) y la segunda del propio Masaccio

    Perspectiva. Se trata de uno de los mayores intereses de la obra. Para conseguir este espacio fingido el pintor ha utilizado especialmente la arquitectura, colocando a los personajes en distintos escalones que entran en el espacio.



    Además, todo el fondo está tratado por medio de una arquitectura clásica que, además de tener carácter iconográfico (Arco del Triunfo como Triunfo de Cristo sobre la muerte), permite realizar una serie de líneas de fuga por medio de sus casetones que coinciden en el punto de fuga y también eje de la composición: La Trinidad.

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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Lun Nov 22, 2010 7:45 am

    LA BATALLA DE SAN ROMANO. Paolo Ucello **




    Batalla de San Romano (II)
    Autor:Paolo Ucello
    Fecha:1456 h.
    Museo:Galería de los Uffizi
    Características:
    Material:Oleo sobre tabla
    Estilo:Renacimiento Italiano
    La perspectiva y el movimiento se convierten en Paolo Ucello en una obsesión, como bien se aprecia en las tres escenas de la Batalla de San Romano, posiblemente sus obras más famosas. Considera que la perspectiva es volumen y masa, escorzo violento antes que posturas sensibles y frágiles. Los caballos de Ucello serán fuente para la mayor parte de los maestros del Quattrocento, mostrando a la perfección su deseo de plasmar la monumentalidad de las figuras y el volumen. En este segundo episodio son las diferentes lanzas y los personajes distribuidos en planos los que otorgan la profundidad, desarrollando una sensación de dinamismo sensacional, situando a los caballos muertos en primer plano para introducir al espectador en la composición. Las luces y los colores parecen irreales, como inspirados en una novela de caballerías, pero con el movimiento y la monumentalidad escultórica de las figuras. Ucello transmite al espectador el mundo vertiginoso que tanto apreciaba. Su relación con Masaccio resulta fundamental para su interés por los avances del Quattrocento.

    PAOLO UCELLO

    Nacionalidad: Italia
    Florencia 1397 - Florencia 1475
    Pintor
    Estilo: Renacimiento Italiano
    Escuela: Quattrocento

    I
    nició su formación artística cuando tenía diez años, en el taller del escultor Ghiberti, en el momento en el que se estaban realizando las segundas puertas del Baptisterio. En 1415 es admitido en el Gremio de Pintores, a lo largo de 1425 se traslada a Venecia para trabajar en los mosaicos de San Marcos, regresando a Florencia seis años después, tras haber realizado frescos en Prato y Bolonia. En 1436 se le encarga el fresco del "condotiero" John Hawkwood a caballo, más conocido como Giovanni Acuto, en la catedral florentina, como si se tratara de una estatua ecuestre, pudiendo poner de manifiesto sus conocimientos de perspectiva, introduciendo en la obra la técnica del escorzo. Una vez realizadas varias obras para el Duomo de Florencia, se marcha a Padua en 1445, pintando a su regreso el Claustro Verde en la iglesia florentina de Santa María Novella, exponiendo nuevos sistemas de perspectiva, como ocurre en las Batallas de San Egidio y San Romano, famosas por los escorzos tan marcados.
    Paolo Ucello siempre ha estado considerado como el maestro del Quattrocento más preocupado por la perspectiva.
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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Lun Nov 22, 2010 7:59 am

    ENCUENTRO DE SALOMÓN CON LA REINA DE SABA. Piero della Francesca **



    El encuentro entre los soberanos tiene lugar en una sala, en la que los elementos arquitectónicos recuerdan los edificios de la antigüedad: columnas estriadas, capiteles compuestos y arquitrabes. Salomón y la Reina de Saba ocupan el centro de la pintura, con sus séquitos respectivos a la izquierda y a la derecha. Todos lucen vistosos atuendos.
    En el año 1452, Piero della Francesca fue llamado a realizar, en sustitución de Bicci di Lorenzo la que acabaría conociéndose como su obra maestra y una de las más significativas del Renacimiento: los frescos de la basílica de San Francisco en Arezzo.
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    Uni Kotto

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    Re: Pintura Italiana del Quattrocento

    Mensaje por Uni Kotto el Lun Nov 22, 2010 8:04 am

    EL SUEÑO DE CONSTANTINO. Piero della Francesca



    Sueño de Constantino
    Autor:Piero della Francesca
    Fecha:1452-66
    Museo:Iglesia de San Francisco de Arezzo
    Características:329 x 190 cm.
    Material:Fresco
    Estilo:Renacimiento Italiano
    Piero della Francesca presenta el momento previo de la visión de Constantino, cuando el emperador duerme en su tienda guardado su sueño por un sirviente que apoya su codo en la cama imperial y dos soldados armados, uno de ellos de espaldas. En la zona superior izquierda encontramos al ángel que baja para mostrar la cruz a Constantino, siendo el foco de iluminación del conjunto. La tienda abre sus telas para adentrarnos en el sueño del emperador, arropado en su lecho; diversas tiendas se muestran al fondo para crear sensación de perspectiva, una de las obsesiones de Piero. El sirviente es uno de los mejores rostros realizados por el maestro, con una increíble sensación de modernidad, dirigiendo su mirada al espectador. La iluminación nocturna crea un atrevido efecto de claroscuro, dotando de volumetría y aspecto escultórico a las figuras. Las telas ofrecen sensacionales plegados tanto en los soldados como en las sabanas del emperador o los hábitos del ángel, en una posición muy escorzada. Bien es cierto que los personajes carecen de expresividad, faltándole un halo de vida para ser una escena insuperable. Aun así, los conceptos lumínicos, anatómicos y de perspectiva son dignos de reseñar, tomando como antecedente directo los trabajos de Masaccio en la Capilla Brancacci.
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