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EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

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EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Mar 20, 2010 11:21 pm

Dedicado con todo nuestro cariño a nuestra Diosa Minea de Creta.('besukis')

INTRODUCCION A LOS PINTORES FLAMENCOS

Dentro de la pintura flamenca existen varias escuelas:
la italianista y la reaccionaria durante los siglos XV al XVI, y la naturalista o colorista de la Escuela de
Amberes
del siglo XVII.


Las dos primeras hacen referencia a la pintura de los Países Bajos
que surgió dentro del Renacimiento Europeo. Estaban
formadas por un conjunto de artistas relativamente aislados de la revolución del
Renacimiento y algunos, como
la escuela reaccionaria, contrarios a influencias italianizantes.


Aún conservaban rasgos del estilo gótico, técnicos, como el uso de la tabla
en lugar del lienzo, y temáticos, sobre todo religiosos y
espirituales. Sin embargo, su habilidad detallista e intereses les impulsaron a
investigar y a descubrir de forma empírica la perspectiva, a perfeccionar la técnica del retrato al que
dotaron de gran profundidad psicológica y a reivindicar el paisaje como tema
pictórico.


Su concepción medieval del artista como artesano evitó que muchos de estos pintores
fueran conocidos puesto que bastantes no firmaban sus obras hasta bien avanzado el siglo XVI.
Tampoco se entregaron demasiado a la reflexión sobre su arte por lo que son escasas las biografías y
los tratados sobre sus técnicas, aunque alguno nos ha llegado.


De la pintura flamenca se pueden observar obras maravillosas en España, ya que sus reyes fueron
admiradores de su pintura. Destacan por su importancia los depósitos del Museo del Prado, como
por ejemplo el retablo del Descendimiento de Van der Weyden.



CARATERÍSTICAS TÉCNICAS DE LA PINTURA FLAMENCA

La pintura flamenca carece de precedentes en gran formato, a excepción de las
vidrieras. Pero sí en las miniaturas, sobre las cuales posee una larga tradición
de excepcional calidad. Esto determinará algunas características del arte
flamenco, como serán el empleo de colores brillantes, que recuerdan a los
pigmentos usados para la iluminación de las miniaturas. También el detallismo
aplicado a estas pequeñas obras maestras se transmite a la pintura de gran
formato. Este rasgo lo permite en gran medida el avance técnico que sobre el
óleo que ya existía, pero tenía un proceso de secado tan lento que no lo hacía
demasiado útil.


Los pintores flamencos del s. XV no inventaron la técnica al óleo, pero si se encargaron de
aplicarla sistemáticamente, contribuyendo a su consolidación y difusión durante
el siglo XV y XVI. Utilizaban tintas fluidas y transparentes,
aplicadas por medio de veladuras para obtener las luces, para sombrear
delicadamente, o para matizar el color del fondo.


Los flamencos usaban una técnica mixta de temple y óleo. Una primera capa
normalmente al temple, se usaba para definir el dibujo y el modelado con sus
luces y una ligera indicación del color. La siguiente capa, al óleo, servía para
que el artista se Dedicase exclusivamente a la representación del efecto cromático.

Conservaron como soporte, sin embargo, la tabla, que había sido el más
importante durante la Baja Edad Media, a pesar de que en Venecia ya se estaba
empezando a generalizar el uso del lienzo. Esto es indicativo de lo íntimamente
unidos que estaban los conceptos de artista y artesano aún en aquella época.


Última edición por universo el Miér Jun 02, 2010 11:14 pm, editado 6 veces
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Dom Mar 21, 2010 12:08 am

LA VIRGEN DE LOS CONSELLERS. PINTOR HISPANO-FLAMENCO LUIS DALMAU


La Virgen dels Consellers es una tabla pintada al óleo por el artista Lluís Dalmau en 1445 y que se encuentra en el Museo Nacional de Arte de
Cataluña
en Barcelona. Está
considerada como una de las piezas en pintura gótica flamenca más importantes realizadas
en Cataluña.
El retablo consta de una sola tabla, con figuras de tamaño natural,
representando a la Virgen con el Niño, sentada sobre un trono de estilo gótico
apoyado sobre cuatro leones, dicho trono está pintado con ornamentos de
esculturas y se corona con un alto dosel
con un pináculo en el centro y
otros dos más pequeños en ambos lados. La Virgen presenta una larga cabellera
ondulada cayéndole por encima de ambos hombros y se cubre con un gran manto de
color azul, ribeteado con una cenefa de oro
y perlas que se encuentra sujeto en el pecho con un broche de orfebrería, mientras el Niño
está cubierto con un velo transparente blanco y lleva colgado en el cuello un
amuleto de una rama de coral.[7]
Se encuentra la escena situada dentro de un interior con ventanales flamígeros
al fondo, donde hay unos ángeles cantores y se aprecia detrás de ellos el
paisaje. En ambos lados del trono de la Virgen se encuentran San Andrés y Santa
Eulalia, los cuales portan los atributos de su martirio y hacen la presentación
de los cinco consejeros de la ciudad que le habían hecho el encargo,
arrodillados con las manos juntas en aptitud de oración en un primer término y
retratados fielmente, vistiendo gramallas[8] rojas forradas de piel. .
El pavimento del suelo está realizado copiando azulejos valencianos con los
escudos de la ciudad de Barcelona y en el techo la arquitectura representa una
bóveda
de crucería
que muestra en sus claves el escudo de la ciudad.[9]

Lluís Dalmau firmó esta obra en la base del trono de la Virgen.


Última edición por MariUni tetereision el Mar Mar 23, 2010 5:45 am, editado 1 vez
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Dom Mar 21, 2010 12:15 am

PINTURA GÓTICA HISPANO-FLAMENCA DEL PINTOR JAIME HUGUET

PI

EN la pintura gótica de Jaime Huguet se
puede ver
la fusión de lo cortesano y de lo religioso. Huget debió
viajar a Italia a formarse con alguno de los artistas que difunden el
italianismo.

Una de sus obras maestras es La Santa
Cena. Aquí, la mesa ya no es una mesa circular como en la Edad Media, sino
rectangular, lo que la acerca a un incipiente carácter renacentista.

]Hay un espacio pictórico central (fuente
de comida) que se cierra con Cristo y con los apóstoles. Huget dibuja como si
grabara, de modo que la línea de contorno tiene mucha fuerza. Todo este interés
por el dibujo, por el adorno de las telas, los nimbos, hizo pensar a Diego
Angulo que este pintor se formaría con un miniaturista o un orfebre.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Dom Mar 21, 2010 12:28 am

PINTURA GÓTICA HISPANO-FLAMENCA. PINTOR FERNANDO GALLEGO


Fernando Gallego es posiblemente el
pintor más importante de este periodo. Debió conocer bien la pintura de los
primitivos flamencos y es posible que fuera allí en alguna de las expediciones
que partieron desde Castilla.

[Una de sus principales obras es el
Martirio de Santa Catalina. La escena se desarrolla al aire libre. En el paisaje
del fondo se aprecia un gran detallismo en los motivos arquitectónicos.

En el desnudo de Santa Catalina -contemporánea al Nacimiento de Venus de Boticelli-
todavía no hay rasgos de la antigüedad clásica, sino que se trata de una figura
medieval.
Otro hecho destacable es el
caricaturismo con que pinta a los verdugos.

[]En el Retablo de la Piedad se muestra un
realismo humanizado y dramático
donde aparecen lágrimas, gotas de sangre.]Santa Catalina fue martirizada
con unas ruedas que tenían incrustadas puntas de cuchillos y otros objetos cortantes.
Pero antes de que sufriera daño, los ángeles del señor abrieron el cielo y
bajaron a rescatarla, rompiendo las ruedas de martirio y derribando a sus verdugos.
Estupefactos, los jueces de la santa contemplan el castigo divino.




Última edición por MariUni tetereision el Mar Mar 23, 2010 5:54 am, editado 1 vez
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 1:30 am

Pintura Gótica española durante el Reinado de los Reyes Católicos[/b]

[b]Bartolomé Bermejo


Es un pintor que procedía de Córdoba. Tuvo amplia actividad en diferentes puntos de la Corona: Soria, Zaragoza, Toledo... Fue el primer artista reclamado por diferentes lugares para trabajar.Su influencia fue crucial en los círculos de pintores anónimos.
A Bartolmé Bermejo se le considera actualmente como uno de los grandes genios de la pintura gótica.
Seguramente estudió en Flandes, pues se percibe una gran influencia flamenca (de Van Eyck, Van der Weyden, y sobre todo, de Dirk Bouts). Su perfecto conocimiento de la técnica al óleo refuerza aún más la idea de una posible estancia en Flandes.





Santo Domingo de Silos [editar]Santo Domingo de Silos entronizado como abad posiblemente sea la obra más divulgada del autor. Era la tabla de un retablo que se hizo para Daroca, en Aragón. Data de 1474-1477, la más antigua de las suyas que se conocen.




El retablo de la Virgen de Montserrat o Retablo della vergine di Montserrat se conserva en la sacristía de la catedral gótica de Acqui Terme (ciudad y sede episcopal del Piamonte, en la provincia de Alessandria en Italia). Se considera que se elaboró cerca de 1485.

Es un tríptico en el que se representa a San Sebastián. Óleo sobre tabla. La figura del santo se contrapone a un paisaje crepuscular, representado de forma naturalista.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Hath el Lun Mar 22, 2010 1:49 am

Gracias Uni.
La pintura flamenca, siempre me gustó muchisimo.
Aunque nola curse este año... me ha gustado mucho tu exposición.
Siempre hay cosas que recordar, y sobre todo de aprender.
abrazito
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 6:34 am

Gracias Hart!!!

La verdad es que nos hemos repartido el trabajo de arte medieval...y como nuestra diosas son un cielo..yo estoy haciendo esto y te aseguro que estoy disfrutando muchísimo!!! abrazito abrazito
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 6:44 am

PINTURA GÓTICA ESPAÑOLA FLAMENCA[u]

PINTOR: PEDRO BERRUGUETE
Pedro Berruguete (Paredes de Nava, Palencia ~1450 - 1503) fue un pintor renacentista español, haciendo la transición desde el estilo gótico internacional.
Tras su formación, probablemente con Fernando Gallego en Salamanca, viajó muy joven a Italia, donde trabajó bajo el mecenazgo del duque de Urbino Federico de Montefeltro, lo que le permitió conocer a los principales artistas del Quattrocento, como Melozzo da Forlì. Berruguete aprendió en Italia importantes técnicas como el dominio del espacio, anatomía, composición, variedad y naturalidad en los gestos, además de los elementos característicos arquitectónicos y decorativos propios del Renacimiento. Regresó a Castilla hacia 1483 y a partir de ese momento sus obras presentan ya estas características, algo que se echa en falta en sus primeras obras, de carácter hispano-flamenco. Su vasta obra será por tanto una síntesis del arte italiano, el flamenco (aprendido de su maestro burgalés) y el puramente castellano.



Virgen con el Niño
Autor:Pedro Berruguete
Fecha:1490 S. F.
Museo:Museo del Prado
Características:58 x 43 cm.
Material:Oleo sobre tabla
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 6:48 am

LISTADO DE PINTORES FLAMENCOS[u]

Los principales pintores flamencos de los siglos XV y XVI fueron:

Jan Van Eyck y su hermano
El Bosco
Pieter Brueghel el Viejo
Roger van der Weyden
Hugo van der Goes
Hans Memling
Petrus Christus
Dieric Bouts
Filips van Goede
Jacques Daret
Pieter Brueghel
Ambrosius Benson
Pieter Coecke
En la segunda mitad del siglo XV, el estilo flamenco se difunde por Europa:

Francia:
Jean Fouquet
Enguerrand Quarton
Nicolas Froment
Maestro de Moulins
Alemania:
Konrad Witz
Martin Schongauer
Hans Holbein el Viejo
Michael Wolgemut
Portugal: Nuno Gonçalves
España
Corona de Aragón: Luis Dalmau, Jaime Huguet, Jaime Vergós, Rafael Vergós, Pablo Vergós, Jacomart, Joan Rexach, Bertomeu Baró, Pere Nisart, Bartolomé Bermejo
Corona de Castilla: Jorge Inglés, Maestro de Sopetrán, Juan de Segovia, Sancho de Zamora, Maestro de los Reyes Católicos, Fernando Gallego, Juan Sánchez de Castro.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:12 am

PINTOR: JAN VAN EYCK
[
b]La fecha de nacimiento de Jan van Eyck es desconocida, aunque suele situarse en el último decenio del siglo XIV. Esta confusión provoca múltiples malentendidos a la hora de datar sus obras y de crear una evolución en su estilo, puesto que la mayor parte de sus obras fechadas y firmadas sin la menor duda, son de los últimos diez años de su vida, atendiendo a un nacimiento posterior a 1390. Los datos biográficos de Jan van Eyck son escasos, aunque bastante más abundantes de los conservados de otros pintores contemporáneos.
El pintor nació y se educó en la época de apogeo del gótico internacional, estilo pictórico muy elegante y refinado, lleno de colorido, con predominio de la línea curva y sinuosa; se trata de un arte de Corte, en el que predomina el arte de los miniaturistas y la difusión del libro iluminado, el Libro de Horas. El centro artístico estaba en París, y también en Dijon, donde se afinca la Corte de Borgoña.
La madurez como pintor de Jan le llega con la muerte del duque Juan sin Miedo, al que sucede Felipe el Bueno, quien en pocos años pasará a ser el patrono de Jan. Con el cambio de duque, cambia la orientación artística: la Corte se establece en Países Bajos, también perteneciente al ducado de Borgoña, y los artistas marchan de París a Flandes y Brabante. Hubert, el hermano mayor de Jan van Eyck, vive en Gante. Robert Campin, maestro de Rogier van der Weyden, murió en Tournai y expandió su nuevo estilo por todos los Países Bajos. Se considera que Campin y los dos hermanos van Eyck fueron los autores de la transición entre el gótico internacional y la pintura flamenca. Estos pintores vivieron en un mundo urbano, con alta densidad de población, dedicada en su mayor parte al comercio.
El dinero abundaba y el afán de ostentación también, por lo que existía un clima propicio a los encargos artísticos fuera del ámbito de la iglesia y de la aristocracia. De hecho, no se conservan datos sobre obras encargadas a Jan van Eyck por parte de sus patronos, el conde de Holanda y el duque de Borgoña. Todas las obras catalogadas eran encargos de comerciantes, altos funcionarios y clérigos a título particular. El nuevo arte, la pintura flamenca de los Van Eyck y de Campin, está caracterizado por el fuerte realismo.
El gótico internacional había dado muestras ya de la nueva orientación artística, en su búsqueda de un espacio coherente y de un mayor ilusionismo. Paralelamente a la renovación flamenca, en Italia se había producido un cambio radical respecto del arte tradicional europeo, con la llegada de los maestros del Quattrocento y sus teorías acerca de la plasmación de la realidad, la perspectiva, la luz, la proporción y la anatomía humana. Curiosamente, ninguno de los artistas del Quattrocento mostró una conciencia artística tan fuerte como la de Jan van Eyck. Ni Ucello, ni Massaccio, ni Piero della Francesca se atrevieron a firmar, fechar o dar datos personales en sus obras. Sin embargo, ningún artista nos legó mayor información de sí mismo como Jan van Eyck, que siempre inscribía largas frases en los marcos de sus obras.
Los hermanos Van Eyck habían nacido en Maaseik, Limbourg, cerca de Maastricht. Probablemente, Jan se educó con su hermano Hubert, bastante mayor que él y pintor de gran renombre, pese a que ninguna obra de su mano está documentada actualmente. Sin embargo, todas las referencias de la época destacan a Hubert por delante del talento de su hermano. Jan pudo haber realizado un viaje de formación a París, que entonces era la capital cultural, antes de 1415, pero no quedan datos que lo confirmen. De hecho, no tenemos noticias de su trayectoria hasta 1422, en que parece ser que entra al servicio de Juan de Baviera, conde de Holanda. Para él pudo realizar siete miniaturas del Libro de Horas de Turín, desaparecido en un incendio. Su primer trabajo conocido, pues, era una miniatura. Esto marcará su estilo en el resto de sus obras: van Eyck es definido por muchos como un maestro del microcosmos. La mayor parte de sus obras no supera el medio metro de altura y el universo de detalles que aparecen en ellas refleja una riqueza de simbolismo y trascendencia que le ha hecho famoso a lo largo de la historia del arte. En 1425 el conde de Holanda murió y Jan pasó casi automáticamente al servicio de Felipe el Bueno, el duque de Borgoña, el gobernante más poderoso de la región, primo de Felipe el Hermoso y futuro yerno del rey de Portugal.
Van Eyck se mantuvo al servicio del duque hasta su muerte; el duque debía de sentir gran aprecio por él porque hizo grandes favores a la viuda y los hijos del pintor muchos años después de muerto éste. Fueran cuales fueran los motivos para que el duque apreciara tanto a Jan van Eyck, evidentemente no se basaban en su habilidad como artista. No se conserva ningún encargo del duque a Jan. De hecho, el duque le contrata como Varlet de Chambre, una especie de asistente de cámara. La mayor parte de los cometidos de Jan consistirán en el desempeño de misiones secretas, viajes y delegaciones en nombre del duque, la mayor parte de ellas de contenido desconocido hoy día. Su nueva posición le lleva a establecerse en Brujas; de allí, el duque le manda a Lille y en 1426 recibe una extraordinaria recompensa por un viaje secreto. Puede que se trate de una expedición a Valencia, donde el duque pretendía establecer un contrato de matrimonio con la hija del conde de Urgell. La embajada no fructificó y en 1427 y 1428 se producen nuevos viajes a la Península, donde ya aparece reflejado en los documentos van Eyck. Esta vez el objetivo es Portugal, para casarse con la infanta Isabel, hija del rey. La misión de van Eyck era mandar el retrato de la princesa para que el duque decidiera; Van Eyck era el más indicado para ello por el realismo que caracterizaba su estilo, frente a la idealización y la elegancia de los artistas del gótico internacional. Van Eyck estuvo dos meses en la Península, uno de los cuales dedicó a hacer dos retratos de Isabel y el otro a viajar por Santiago de Compostela, Valladolid y Granada. En tan poco tiempo no pudo pintar nada para los ibéricos ni dejar huella alguna de su arte.
Los seguidores españoles de su estilo se guían por la obra de Luis Dalmau, que viajó a Países Bajos para conocer el taller de van Eyck. El duque finalmente acordó la boda y el 10 de junio de 1430 creó la Orden del Toisón de Oro para conmemorar la ocasión. El collar del Toisón es la insignia característica de la monarquía española, heredada del primer rey de los Austrias, Carlos V, heredero a su vez del ducado de Borgoña.
Finalizada la misión, en 1430 Jan van Eyck se casa con Margarita, de origen y familia desconocidos. La pareja se establece definitivamente en Brujas. Jan continúa con sus misiones secretas: Hesdin en 1431-1432, Lille en 1432 y un posible viaje a Palestina o Bizancio en 1435-1436. El motivo de este viaje sería el deseo antiguo de Felipe el Bueno de organizar una Cruzada a Tierra Santa. En 1434 y 1435 nacen los dos primeros hijos de Jan. La única obra conocida de este período, 1425-1432, es el Políptico de Gante, que no es una obra de Jan sino de su hermano Hubert. Entre 1424 y 1426, Hubert trabajó febrilmente en el Políptico, hasta el día de su muerte.
Jan lo repintó y remató, entregándolo al cliente, Joos Vyd, en 1432. Es a partir de este año y hasta 1441, es decir, en nueve años, el período en el que se datan todas las obras firmemente atribuidas a Jan van Eyck. Las características de su arte están ya establecidas: realismo simbólico, es decir, objetos captados de un modo casi retratístico, cotidianos pero llenos de significados religiosos en su mayor parte. Jan tiene la costumbre de inscribir largos versículos en sus obras religiosas, preferentemente del Deuteronomio, el libro de Isaías y del Apocalipsis. Escribe en latín, griego y neerlandés. Sus frases ayudan a identificar los temas de sus cuadros, sus retratados y a veces proporcionan datos sobre él mismo. Entre las inscripciones más frecuentes se encuentra el lema adoptado por el pintor: "Als ich kan", que viene a significar algo así como "lo mejor que puedo", o "como puedo". Esta frase podría parecer modesta, pero el magnífico alarde de su habilidad profesional lo convierte en una falsa modestia. Su perfección le consiguió clientes no sólo entre los flamencos y borgoñones, sino también en las diversas colonias de extranjeros que poblaban Flandes, sobre todo italianos.
Sus retratos eran demandados por la extraordinaria fidelidad a sus modelos. Algunos rostros pintados por van Eyck fueron reutilizados por otros artistas como personajes anónimos de sus cuadros, personalizados para dar variedad a los asistentes a los Calvarios, pastores de la Epifanía, etc. Otra característica de sus obras es la presencia de la luz, que casi siempre proviene de la izquierda. En los cuadros religiosos se explica porque sus vistas de interiores de iglesias se hacían más naturales de esta forma; las iglesias se orientaban al norte y la luz llegaba al interior del sur, desde la izquierda. La repercusión de Jan van Eyck fue tremenda y alcanzó al arte flamenco hasta muy avanzado el Barroco. Se considera que Petrus Christus fue su discípulo, aunque no está comprobado. Lo que sí es evidente es que Petrus Christus recogió mejor que nadie su estilo y lo transmitió a los lugares donde viajó, como España. El paralelo de Van Eyck en su país sería Robert Campin, pero lo desconocido de esta figura hace que sea mejor su discípulo, Van der Weyden, el continuador del estilo realista, que evolucionó hacia la expresividad y el dramatismo en sus escenas religiosas.
[/b]

PINTOR: HUNBERT VAN EYCK (hermano de JAN)

La personalidad de Hubert, aparte de su indudable, pero no separable, participación en la pintura del políptico de s. Bavón de Gante, es personalidad huidiza y rebelde a todo propósito de configurar su vida. Debió de nacer en 'Maaseik hacia 1370, y un cuadro suyo es mencionado en un legado de 1413. En 1424 consta que vive en Gante, y se le pagan dos tablas pintadas. De otra y de una imagen de s. Antonio queda memoria en 1426, pero los propósitos de identificar aquélla no pasan de aventurados. Muere en Gante el 18 sept. 1426 y es enterrado en el sepulcro de su cliente Josse Vydt.[b] No hay duda de que fuera el primero en pintar el retablo de s. Bavón, encargado por dicho cliente, pero como todas las presunciones de mayor colaboración inciden sobre su hermano Jan, han sido legítimas también las interrogantes acerca de cuáles pudieran ser sus obras originales, las propias solamente de Hubert.








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[justify]


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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:15 am

EL CORDERO MÍSTICO
PINTOR: JAN VAN EYCK
y su hermano Hubert


Políptico de Gante, Adoración del Cordero Místico
Autor:Jan Van Eyck
Fecha:1425-29
Museo:Catedral de San Bavón
Características:137,7 x 242,3 cm.

Material:Oleo sobre tabla
Estilo:Pintura Flamenca El Políptico de Gante también es conocido como del Cordero Místico, precisamente a causa de este panel que es el de mayor tamaño de toda la obra y el de mayor importancia iconográfica. El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar. Su sangre brota del pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz. Además, sobre él se encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles, algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la columna, los clavos...) mientras otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una fuente de bronce con un vástago de oro rematado con la escultura de un ángel. Es la fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la referencia al Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que veíamos en el altar y el cáliz lleno de sangre. La fuente está rodeada por dos semicírculos de personajes arrodillados, en actitud de adoración: a la izquierda están los doce profetas y a la derecha, los catorce apóstoles (incluyen a Matías, Pablo y Bernabé, y no está Judas). Tras ellos, a la izquierda tenemos a los Patriarcas, entre los cuales resulta interesante destacar a uno proveniente del mundo pagano: el hombre con barba que viste una túnica blanca sería el poeta Virgilio, muy popular en la cultura medieval. A la derecha, los papas y obispos. Por último, saliendo del bosque tenemos a los dos grupos de santos mártires, hombres y mujeres. Se les distingue porque llevan las palmas del martirio. Entre las mujeres se reconoce a Santa Ursula, Santa Bárbara, Santa Inés y Santa Dorotea.


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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:23 am

[b]Políptico de Gante, Dios Padre
Autor:Jan Van Eyck y su hermano Hubert




Fecha:1426-27
Museo:Catedral de San Bavón
Características:212,2 x 83,1 cm.
Material:Oleo sobre tabla
Estilo:Pintura Flamenca El modo de representar a Dios Padre había variado con frecuencia, aunque todos coincidían en destacar el modelo bizantino como el más majestuoso y digno de todos. Este estilo bizantino para mostrarnos a Dios en su trono es el que recuperan los hermanos Van Eyck para rematar el Políptico de Gante, una de sus obras más famosas. Dios está en un magnífico trono y lleva las dos coronas, una bizantina en la cabeza con la tiara papal, y otra a los pies, como señor de lo terrestre además de señor de lo espiritual. Porta además un cetro en la mano, mientras que con la otra bendice a los espectadores. Su traje está lleno de pedrería, perlas y riquísimos bordados, pintados de una manera prodigiosa, según el realismo simbólico que hizo tan famoso a Jan van Eyck, el más joven de los dos hermanos pintores. Hubert fue quien comenzó el políptico y probablemente esta figura en principio era la de Cristo en Majestad. A esta idea contribuye la decoración del trono, un dosel con bordados de oro que nos muestran a un pelícano alimentado a sus polluelos con la sangre de su pecho. Este es un signo exclusivo de Cristo. Sin embargo, parece que hubo un cambio en el programa cuando Hubert murió y se hizo cargo del trabajo su hermano Jan. Así, el menor transformó a Cristo en Dios Padre para cargar el acento del conjunto en la Santísima Trinidad, añadiendo la paloma del Espíritu Santo sobre el panel de la Adoración del Cordero Místico, que representa nuevamente el sacrificio de Cristo por los hombres.


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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:29 am

POLÍPTICO DE LA ADORACIÓN DEL CORDERO MÍSTICO. COMPLETO
PINTORES: HUBERT Y JAN VAN EYCK

[u]

El Políptico de la Adoración del Cordero Místico, también conocido como Políptico de Gante o el Altar de Gante es un retablo o conjunto de cuadros o tablas pintadas al óleo por los hemanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante.
En el marco inferior interno está escrita una cuarteta rimada que dice que fue comenzado por Hubert van Eyck "del cual no existe mejor" y que Jan, "segundo en el arte", lo acabó en 1432.
Sus 24 paneles forman la obra de mayores dimensiones de la pintura flamenca.
La tabla central que representa la escena de la Adoración es una obra fundamental en la historia de la pintura ya que presentaba un nuevo campo de visión naturalista, resultado de ampliar sobre una tabla, escenas y representaciones que hasta entonces solo fueron accesibles a los conocedores de las miniaturas.
El panel central interior del políptico, junto con los paneles interiores de las puertas representa una composición basada en un pasaje del Apocalipsis de San Juan (7.9) que dice :
"Después de esto, vi que había una multitud tan grande que nadie no la habría podido contar. Eran gentes de todas las naciones, tribus, pueblos y lenguas. Permanecían de pie delante del trono y delante del Cordero, vestidos de blanco y con palmas en las manos, proclamaban en voz alta :
La salvación viene de nuestro Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero."
El políptico normalmente se mostraba cerrado, con las escenas menores de la parte exterior de las puertas visibles, pero en las festividades se mostraba abierto, con los paneles interiores visibles, entonces se revelaban sus mejores figuras, escenas y colores
Una serie de referencias esotéricas que llenan el retablo de simbolismo escondido, muy del gusto de los pintores flamencos junto a referencias cultas a la pintura italiana del Trecento, a Giotto e incluso a su contemporáneo, el pintor renacentista Masaccio, confieren al cuadro un notable interés, ya que Jan, el autor del panel central, fue capaz de reelaborar los elementos simbólicos dentro de los elementos visibles. Pero es su aportación innovadora a la representación de la realidad y al desarrollo del espacio pictórico lo que sitúa este retablo como un hito en la historia del arte que marca ya la transición del gótico al Renacimiento.
En la escena contemplamos una campiña con la ciudad de Gante al fondo. Esta campiña presidida por el trono del Cordero es un espacio que alberga un despliegue efervescente de miles de figuras y detalles prodigiosamente concretos. Una ola de luz penetra toda la naturaleza, liga sin brusquedad todos los ambientes y une armoniosamente todas las materias, desde las telas de los ropajes y los metales de las hebillas y coronas, hasta la piel de los rostros o las hojas de los árboles y los edificios del fondo
El Políptico fue pensado para la catedral de san Bavón en Gante, donde permanece aún hoy.
[justify]
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:26 pm

EL MATRIMONIO ARNOLFINI
Analizamos ahora uno de los cuadros más emblemáticos y discutidos de la historia de la pintura, el retrato que de los esposos Arnolfini realizó el pintor flamenco Jan van Eyk.


1) DETERMINAR:
a) TIPO DE OBRA: Pintura.
b) TÍTULO: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa.
c) AUTOR: Jan van Eyck (1390-1441).
d) FECHA: 1434..
e) LOCALIZACIÓN: National Gallery. Londres..
f) ESTILO: Primitivos flamencos.
* FORMA: Pintura sobre tabla de roble. 82x60 cm.
* MÉTODO: Obra realizada al óleo, mediante pince
l.

.* DESCRIPCIÓN GENERAL: El famosos cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja en el momento de contraer matromonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434).

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada. Sin embargo, otros analistas, mantienen que es así como vestían las mujeres de la época y por tanto, danban imagen de estar embarazadas.
Una suave luz envuelve la escena, dando de lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa en torno al del mercader.
B) Análisis simbólico:

El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:

* Algunos de los objetos que figuran el el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV.
* Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad, muy común en la época en la que el cuadro fue pintado.
* Los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión.
* El perro es una alusión evidente a la idea de fidelidad dentro del matrimonio.
* La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría desapercibida en pleno día), es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo, viene a representar también la llama del amor, que puede consumirse.
* Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la necesidad de perseverar en la oración.
El espejo, de forma circular, y en cuyo marco se nos muestran diez de las catorce estaciones del Víacrucis, muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos a una ceremonia para la cual, en aquella época, no era necesario un sacerdote. Por tanto, el espejo contendría el elemento esencial para identificar correctamente la escena representada: un enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los cuales podría ser el propio pintor.
* Tanto la borla que cuelga de la cama como el abultado vientre de Giovanna son claras alusiones a la fertilidad. Precisamente, sobre la borla, en el cabecero de la cama, aparece una figura femenina que podría ser Santa Margarita (patrona de los partos) o Santa Marta (patrona del hogar).
* Sobre las manos de la pareja aparece una gárgola en actitud sonriente. Algunos autores consideran que este elemento es básico para comprender el significado del cuadro: un exorcismo mediante el que se pretende alejar el mal que atenaza a la pareja: la falta de descendencia.

[b]C) Análisis sociológico:

Giovanni Arnolfini fue un rico mercader italiano, procedente de Lucca, que se asentó en la ciudad de Brujas (Flandes) atraido por las posibilidades comerciales de la zona, en la que logró una extraordinaria fortuna, de la cual el cuadro que comentamos en buen reflejo. Los objetos representados son, en si mismos, exponentes de las extensas relaciones geográficas de su propietario.
Este es, precisamente, el contexto en el que se desarrolla la pintura de los artistas denominados "primitivos flamencos", de los cuales van Eyck es el máximo exponente: una burguesía consolidada, próspera en los negocios, atraida por la moda de la decoración de interiores mediante tapices y, como en este caso, cuadros, entre los cuales los retratos ocupan un importante papel.

.Van Eyck es considerado como el mejor representante de esta escuela de primitivos flamencos y, durante mucho tiempo se pensó que había sido él quien inventó la técnica de la pintura al óleo. Hoy se cree más bien que la perfeccionó, de manera que su pincelada, de secado más lento, le permitía representar con mayor exactitud las figuras de sus cuadros. De este modo, esta pequeña obra es una síntesis de todas las características de la escuela: minuciosidad, interés por el color, naturalismo y estudio de la perspectiva.
Finalmente, la colocación del espejo en el fondo de la escena supone una verdadera innovación en el mundo de la pintura, pensándose que esta obra influyó decisivamente en otros cuadros que emplean el mismo recurso, como ocurre en las Meninas de Velázquez.
[/b]


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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:35 pm

HOMBRE CON TURBANTE ROJO. AUTOR. JAN VAN EYCK



Autor:Jan Van Eyck
Fecha:1433
Museo:National Gallery de Londres
Características:25,8 x 18,9 cm.
Material:Oleo sobre tabla
Estilo:Pintura Flamenca

El Hombre con turbante rojo es uno de los retratos más famosos de Van Eyck, y como la mayoría, de identidad desconocida, lo que ha levantado todo tipo de teorías. Algunos han encontrado cierto parecido entre los rasgos de este hombre y los de Margarita van Eyck, la esposa del pintor, por lo que piensan que se trata de su suegro. Otros van más allá, y teniendo en cuenta la edad madura del hombre del retrato y la del propio Van Eyck, piensan que es un autorretrato. Lo que está claro es que se trata de un retrato maravilloso, sobre un rostro serio y realista, en el que se deja constancia de las arrugas y la dureza de la expresión, y en el que se deja todo el efecto pictórico sobre el brillante color rojo del turbante. Esta extravagancia debía de llamar la atención a los contemporáneos de Van Eyck tanto como a los espectadores contemporáneos. En el marco, que es el original de la época, encontramos las habituales citas del artista: la firma, la fecha y su lema "Als ich Kan", es decir, "lo mejor que puedo".
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:50 pm

PINTOR: EL BOSCO (JEROME VAN AKEN)

Sobre la figura de Jerome van Aken "El Bosco" es poco lo que sabemos con certeza.
Nació en 1453 en la pequeña ciudad de Hertogenbosch ("Bosque del Duque"), localizada en la moderna Holanda, donde desarrolló toda su vida artística . Su infancia transcurrió en el seno de una familia de artesanos pintores en el seno de la cual aprendió el oficio.
Los clientes del negocio familiar, su pertenencia a la Cofradía de La Hermandad de Nuestra Señora y un matrimonio socialmente beneficioso le ayudaron a ser conocido en pocos años. A comienzos del XVI ya era un artista de nombre consolidado en los Países Bajos, con encargos de altos personajes públicos, e incluso su fama se extiende fuera del país. Durante el siglo XVI fue imitado por numerosos pintores, especialmente Bruegel el Viejo.
Su situación económica desahogada le concede una cierta libertad a la hora de expresar sus ideas en la pintura de forma más personal que la mayoría de los pintores de la época. Conocido por sus enigmáticas pinturas que ilustran complejos temas religiosos con una imaginación fantástica.
El Bosco vive el cambio entre dos épocas, hundiendo sus raíces en la tradición medieval, pero no puede ser contemplado como un mero epígono de la Edad Media. En su obra apreciamos el vitalismo típico de una sociedad en crisis, en cuyo seno se gesta el germen del humanismo renacentista. Elementos significativos de este momento y de esta sociedad son la herejía, la fe, la moral, la alquimia, la brujería, el erotismo, lo demoníaco y, como aglutinante de todo, la religión. Es por ello por lo que la obra de El Bosco aparece impregnada de todos estos temas al ser su testimonio. A través de sus pinturas, alejadas de las tradiciones dominantes en la pintura flamenca e impregnadas de fantasía desbordante y de vivencias populares, el Bosco realiza una crítica de las instituciones y costumbres de su entorno, en línea con otros movimientos espirituales de la época ("devotio moderna", Erasmo de Rotterdam...).
En su obra destacan: El jardín de las delicias, El carro de heno, Los siete pecados capitales, La extracción de la piedra de la locura, El juicio final, y Las tentaciones de San Antonio.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 7:55 pm

PRINCIPAL OBRA DEL PINTOR EL BOSCO
EL JARDÍN DE LAS DELICIAS. TRÍPTICO




[b]Es de sobra conocido el peculiar papel que posee Jeroen van Aken, El Bosco (1453-1516), en la de la pintura. En efecto, se trata de un pintor cuyas representaciones (normalmente realizadas al óleo sobre tabla), revelan la acusada personalidad del artista, así como la especialísima visión que poseía de la época que le había tocado vivir. Sus cuadros son frecuentemente verdaderas sátiras de los vicios y males de la sociedad, mezcladas con alegorías, alardes de la imaginación y la fantasía e, incluso, un lenguaje simbólico que muchas veces nos cuesta trabajo comprender.

Ejemplo supremo de esto que decimos es su obra "El jardín de las delicias", un tríptico sobre tabla que se conserva en el Museo del Prado de Madrid. De composición tripartita, la lectura correcta del cuadro ha de hacerse de izquierda a derecha. Así, el panel izquierdo nos lleva al Paraíso, en el momento en que Dios entrega Eva a Adán. Pero con Eva y la dichosa manzana se extendió el pecado por el mundo, de lo que nos da cumplida cuenta la tabla central, que nos presenta los pecados capitales de la humanidad, sobre todo aquéllos asociados a la lujuria y los placeres de la carne y el sexo. Como justa condena a los vicios de los hombres, la tabla derecha nos muestra un infierno con horrores de diverso tipo.


Hasta aquí, una somera descripción de la obra. Pero en el Bosco, nada es tan sencillo, como pudiera parecer. Todo puede disponer de una segunda interpretación. Por ejemplo, en el Paraíso aparece en primer plano una fosa en la que se ha querido ver un preaviso de los poderes del demonio y, en definitiva, de la existencia del mismo infierno. De igual modo en la tabla central, toda ella llena de personajes desnudos, encontramos aves de tamaño desprorporcionado y una exhuberante abundancia de frutos naturales de diverso tipo. Por fin, en el averno, parece que gigantescos instrumentos musicales contribuyen a la eterna tortura de los allí condenados, mientras un rostro (tal vez el del propio artista) nos mira con fijeza.
Frecuentemente se señala el carácter moralizador de ésta y otras obras del Bosco, hecho que estaría en consonancia con su pertenencia a una hermandad religiosa de carácter pietista. Sea como fuere, la minuciosidad de su trabajo, el dominio de las técnicas del óleo y la miniatura y su capacidad para organizar una composición tan compleja hacen de este tríptico un verdadero deleite para la vista. También se dice que el cuadro, una vez comprado por el rey Felipe II, permaneció en el dormitorio real hasta su muerte.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 8:03 pm

PINTOR FLAMENCO VAN DER WEYDEN
Sabemos sobradamente que Roger van der Weyden (1400-1464) es uno de los más grandes maestros de la pintura flamenca de finales del medievo. Conocemos cumplidamente su gran capacidad para representar temas de carácter religioso, así como su proverbial habilidad para el retrato. Nos llama, quizás, la atención que fuese también conocido en su época como Rogier de la Pasture o que, tras alcanzar la maestría, sus obras fuesen copiadas con frecuencia, como muestra del elevado valor estético que se les atribuía. Y nos conmueve la capacidad de este artista para retratar el dolor y el sufrimiento en muchos de sus cuadros; la facilidad con la que instala en ellos una atmósfera de intenso dramatismo.
Roger van der Weyden (Tournai, hoy en la provincia de Henao, Bélgica, 1399/1400 - Bruselas, 18 de junio de 1464), fue el pintor más célebre e influyente de la escuela flamenca en el período gótico. También se le conoce como Roger de la Pasture o Rogier de le Pasture.
Fue aprendiz de Jan van Eyck y Robert Campin. Es nombrado maestro en Tournai en 1432. En 1435 se instala en Bruselas, que se convirtió en su residencia habitual. Allí creó un taller y fue nombrado pintor oficial de esa ciudad (1436).
Estuvo en Italia en 1450 para ganar el jubileo de 1450, y allí conoció las obras del pintor Gentile da Fabriano aunque nada de lo que vio en Italia le influenció estilísticamente. Estuvo en Roma y parece que también en Ferrara.
Su hijo Pierre también fue pintor, aunque no tan destacado. Rogier de le Pasture influyó en varios otros artistas, tales como Hugo van der Goes, Hans Memling, Petrus Christus, Dirk Bouts y Gérard David.
Sus únicas obras firmadas son los cuatro paneles dedicados a la justicia que estaban en la Sala dorada del ayuntamiento de Bruselas y que se perdieron en los bombardeos de 1645. En Berna hay unos tapices que son reproducciones de ellos.
Así pues, realmente, no se conserva nada suyo firmado, y sus figuras tuvieron tanto éxito que fueron muy reproducidas. Aun así, las atribuciones son muy poco cuestionables.
Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por sus notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En sus primeras obras, su estilo es marcadamente gótico: hierático, y realiza fondos dorados. Posteriormente evoluciona hacia líneas sinuosas y fluidas en cuerpos y en drapeados. Sus personajes presentan un marcado corte realista.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 8:10 pm

EL DESCENDIMENTO DE VAN DER WEYDEN

[b]
Todo elogio a Van Der Weyden se queda corto cuando contemplamos este Descendimiento del Museo del Prado, sin lugar a dudas uno de los mejores cuadros de la historia de la pintura universal. Pintado al óleo sobre tabla hacia 1436 para el gremio de los ballesteros de Lovaina, fue concebido como un tríptico, del que faltan ahora los paneles laterales. Aunque lamentemos esa pérdida, el amplio panel central (de 2,2 metros de ancho y 2,6 de alto) es una de las muestras más sublimes de esas capacidades del artista.
La composición es bien conocida: se representa aquí un tema clásico en la iconografía cristiana: el Descendimiento de Cristo y la Quinta Angustia de María. Para ello, van der Weyden nos presenta en el centro de la escena una cruz ya vacía, de la que se está bajando el cadáver de Jesús, sostenido por un joven (alzado sobre una escalera, al fondo), Nicodemo y José de Arimatea. A la vez, se inicia el proceso de envolverlo en un blanco sudario, mientras otra figura masculina, a nuestra derecha, muestra un frasco de ungüentos. Este lateral de la tabla se cierra con el llanto desconsolado de María Magdalena.
.En el otro extremo del cuadro, la visión del cuerpo exánime de su hijo provoca el desmayo de María, cuyo cuerpo es sostenido a duras penas por San Juan y una de las santas mujeres, mientras, al fondo, la otra, reproduce los rasgos de sufrimiento de la Magdalena. El pintor nos presenta estas diez figuras colocadas sobre un fondo dorado, rematado con tracerías góticas en los extremos superiores. Sin embargo, la parte inferior de la obra deja ver un atisbo de naturaleza, un suelo real en el que crecen algunas plantas. La ordenada distribución de los personajes nos los muestra formando grupos: tres figuras a cada lado, dos en la parte superior y las dos imágenes centrales de Jesús y María, cuyos dos cuerpos presentan un claro alineamiento, a modo de diagonales curvadas que atraviesan la obra y dan un ritmo específico a la composición.

Podríamos valorar también la excepcional capacidad de van der Weyden para manejar el color, con ese rojo impresionante del vestido de San Juan o ese azul desmayado del ropaje de la Virgen. O podríamos recrearnos en los efectos de la luz o en la profundidad de cada una de las figuras, en el volumen casi escultórico que muestran, o en la minuciosidad en los pequeños detalles (fijaos, por ejemplo, en el cabello de San Juan o en la leyenda que figura en el cinturón de la Magdalena). Pero quedémonos
con lo quey en los gestos de las dos mujeres de los extremos. Dolor espiritual e incluso dolor físico. Los rostros del dolor, en definitiva. es lo más sutil del cuadro: los propios rostros de los personajes, esos diez rostros que nos enseñan las diversas categorías del dolor humano: la muerte, la angustia, la pena, el llanto, la desesperación, la tristeza, el desasosiego o la incertidumbre. Dolor contenido en unos casos o dolor
explícito en otros, manifestado en las lágrimas que brotan de algunos de los asistentes al descendimiento y en los gestos de las dos.
Dijimos que en el cuadro aparecen diez figuras. Una más, de carácter simbólico, asiste a la escena. Se trata de la calavera que aparece a los pies de San Juan. La muerte, en síntesis. Pero junto a ella, brotan algunas florecillas. Tal vez quede sitio para la esperanza, parece decirnos van der Weiden.
[/b]
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Lun Mar 22, 2010 8:16 pm

RETRATO DE DAMA. AUTOR. VAN DER WEYDEN



[b]Retrato de dama
Autor:Rogier de La Pasture
Fecha:1455 h.
Museo:National Gallery (Washington)
Características:37 x 27 cm.
Material:Oleo sobre tabla
Estilo:Pintura Flamenca Casi tan bella y misteriosa como la Gioconda de Leonardo, este retrato femenino es una de las obras más elegantes de Van der Weyden. Algunos estudiosos creen que se trata de la princesa Marie de Valengin, hija de Felipe el Bueno, duque de Borgoña y patrón de Jan van Eyck. Es un retrato delicado y lleno de inspiración. La elegancia traspasa cada elemento de la composición con sutileza: la posición de las manos, el brillante destello rojo del cinturón en contraste con el vestido oscuro, la maravillosa toca transparente que deja ver el peinado y la frente de la dama... La modelo lleva la frente completamente rasurada, tal y como ordenaba la moda flamenca del siglo XV. Este mismo peinado lo podemos ver en otros retratos, como el de Margarita van Eyck, o en las santas y vírgenes de los cuadros religiosos. La gradación del color y el juego de transparencias y sutileza de la luz se debe al empleo del óleo, que permitía disolver los pigmentos en capas de aceites. Al superponerse estas capas se obtiene un increíble efecto de profundidad, veladuras y brillo esmaltado. Con el paso de los años, los aceites y barnices se han resquebrajado provocando craquelados que son muy apreciados por el ojo experto. [/b
]
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Mar Mar 23, 2010 5:39 am

HUGO VAN DER GOES
Hugo van der Goes (Gante, h. 1440 – Oudergem, cerca de Bruselas, 1482) fue un pintor flamenco, de la pintura gótica del siglo XV, estilo flamenco.
[justify]Nacido en Gante, es poco lo que se sabe sobre su vida. Entró en la guilda o gremio de artistas en 1467. Las primeras informaciones ciertas sobre este pintor lo sitúan en los años 1460 en Brujas donde colabora con la decoración en las fiestas en honor de las bodas del duque de Borgoña, Carlos el Temerario. Más tarde fue elegido decano del gremio, desempeñando este cargo desde 1473–4 al 18 de agosto de 1475. Ya en vida gozó de amplia fama, teniendo encargos tanto de los burgueses como de la aristocracia. Estuvo igualmente empleado por el gobierno de la ciudad como pintor de gonfalones, estandartes y otras pinturas temporales necesarias para las ceremonias de la época.

Al sufrir enfermedad mental, se retiró como hermano lego al monasterio Rodeklooster (Claustro Rojo), cerca de Bruselas alrededor de 1478 con la esperanza de que, viviendo en un monasterio, se recobraría de su depresión. No interrumpió completamente su actividad, pues es por esta época cuando realizó su Muerte de la Virgen, donde se transparenta una tensión dramática más aguda, traducida por la irrefrenable animación expresiva de los personajes. Van der Goes intentó suicidarse en 1480, y murió dos años más tarde.

En su obra acusa la influencia de autores como Jan Van Eyck y Roger van der Weyden que habían logrado representar con solvencia el cuerpo humano y el acabado realista en el detalle. Posteriormente conoce sin duda algunas obras italianas contemporáneas, y este contacto influye sobre él, en el sentido de acabar en una ordenación más monumental del espacio. Es un pintor que se esfuerza por romper con los modelos creados, aumentando la expresividad de los gestos y la fisonomía, no descartando representar lo que pueda ser desagradable.....

TRIPTICO PORTINARI





La Adoración de los Pastores es la tabla central del Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari), obra del pintor flamenco Hugo van der Goes. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, en panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.
Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.

La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.
Las dos alas laterales del Tríptico.

En primer plano, un bodegón de flores: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, y otro de cristal, con flores. A su lado, los ángeles. A su alrededor, los pastores son representados como campesinos, con rostros más realistas y ropas severas. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal.

En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra. En el ala izquierda del retablo está representado Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio y Tomás; el paisaje del fondo representa el viaje a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra a la esposa, María Portinari, con sus hijas, y las santas Margarita y María Magdalena; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal.
En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Mar 27, 2010 7:00 am

PINTOR PIETER BRUEGHEL EL VIEJO

Algunos registros indican que nació en Broghel,
cerca de Breda, pero no ha sido posible determinar si se trata de la ciudad
neerlandesa de Breda o la belga de Bree,

llamada Breda en latín. Desde 1559 eliminó
la 'h' de su apellido y comenzó a firmar sus pinturas como Bruegel.

Pieter Brueghel se especializó en paisajes poblados de campesinos, en un estilo
más sencillo que el del arte italiano que prevalecía en ese tiempo. La
influencia más notable en su arte es la del maestro holandés Hieronymus Bosch. Se
lo ha apodado Brueghel el campesino
Su genio se ha equiparado a menudo al de El Bosco, con quien comparte cierto tratamiento
fantástico en determinadas escenas como El Triunfo de la Muerte que se
expone en el Museo del Prado. Prácticamente desconocido en su etapa de formación, los únicos datos
sobre su vida y su carrera nos los ofrece una biografía de 1609, que le presenta
como un ignorante dedicado a la pintura cómica. Sin embargo, parece
suficientemente demostrado que fue un hombre de cierta cultura, puesto que
conoció a estudiosos y científicos de su país. Además, viajó por Italia para
aprender la forma de pintar de los renacentistas, permaneciendo incluso una

temporada en el taller de un maestro siciliano. Su viaje le valió además una
importante colección de dibujos excelentes sobre el paisaje de los Alpes,
que hubo de atravesar durante su
viaje. Tal vez esto resultara más importante
para su carrera que el aprendizaje
con los italianos, puesto que a su regreso
desarrolló una serie de paisajes muy
difundidos en Europa mediante el
grabado.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Mar 27, 2010 7:08 am

LA TORRE DE BABEL DE BURGHEL



Brueghel pintó varios cuadros con el mismo tema tras su estancia en Roma. Esta
se conoce como la Gran Torre de Babel, y resulta evidente que los niveles de la
construcción están inspirados en el impresionante Coliseo romano, que Brueghel
visitó. Tal vez lo grandioso de esa ruina inspiró a Brueghel lo sublime y al
mismo tiempo lo vano o efímero del esfuerzo humano. Así es como generalmente se
interpreta esta imagen: la Torre de Babel, monumento a la vanidad del hombre y
su inconsecuencia, pero al mismo tiempo tan magnífica... En el interior de la
torre pueden catalogarse todo tipo de actividades humanas, todas contribuyendo a
la elevación de la torre. Los colores son excelentes y el paisaje de fondo está
en la mejor tradición de las panorámicas de Patinir.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Sáb Mar 27, 2010 7:16 am

EL TRIUNFO DE LA MUERTE DE BRUGHEL


El Triunfo de la Muerte (en neerlandés, De Triomf van de
Dood
), es una de las obras más conocidas del pintor flamenco Pieter
Brueghel el Viejo
. Es un óleo sobre tabla,
pintado hacia el año 1562. Mide 117 cm de alto y 162 cm de ancho.
Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid.

Esta obra pertenece a la escuela flamenca del siglo XVI.
Pieter Brueghel es un humanista del renacimiento pero esta obra enlaza con la
tradición flamenca anterior, ante todo El Bosco, de quien
fue un gran estudioso. Esta tabla del Prado recuerda a las obras de El Bosco en
su aspecto satírico y moralizante.
Este cuadro es un paisaje panorámico
de la muerte: el cielo en la distancia está oscurecido por el humo de las
ciudades ardiendo y el mar que se ve al fondo está plagado de naufragios; en la
orilla hay una casa, alrededor de la cual se está agrupando un ejército de
muertos. El paisaje, anodino y arrasado, resalta la pequeñez, crueldad
y
falta de sentido común del hombre, que pretende rectificar un destino
que le ha sido impuesto. Se alzan sobre este
paisaje mástiles coronados por ruedas, picotas en las que se han ajusticiado a
los criminales, cuyos cadáveres se balancean.

La cruz permanece solitaria e impotente
en el centro de la pintura. La Muerte avanza con sus batallones de esqueletos, cuyos escudos son tapas
de ataúd, que conducen a la gente
hacia un ataud con forma de túnel decorado con cruces, mientras un esqueleto a
caballo va matando gente con su guadaña.

Por todo el cuadro se ve a los esqueletos atacando a los desamparados
hombres, que huyen aterrorizados o intentan, en vano, luchar. No hay defensa
posible. Los esqueletos matan a la gente de muy variadas maneras: cortando
gargantas, colgándolos, ahogándolos, e incluso cazándolos con perros
esqueléticos.

A la izquierda, los esqueletos conducen una tétrica carreta llena de
calaveras que sin duda formarán parte después del ejército de los muertos.
Detrás de ellos, la enseña de la cruz preside el tribunal de la muerte, que
contempla impasible la hecatombe. Sobre ellos, unos esqueletos tocan la campana
avisando del fin del mundo. Delante, en el extremo inferior izquierdo, yace el
rey, revestido de su capa con vueltas de armiño y con el cetro en la mano. La pintura claramente representa a
gente de distintos niveles sociales: desde campesinos y soldados hasta nobles e
incluso reyes, todos atrapados por la muerte del mismo modo, en la temática
medieval del poder igualatorio de la Muerte.

Un poco más hacia el centro del primer plano, un perro olisquea la cara de un
niño, muerto en brazos de su madre, también caída. En esta parte central se ve
que algunos cadáveres ya han sido amortajados y uno de ellos yace en un ataúd con ruedas.

El juglar se esconde bajo la mesa; un caballero intenta defenderse.


La visión de Brueghel no carece de cierto humor sardónico, como puede verse
en la parte inferior derecha del cuadro. En el extremo, una pareja de enamorados
permanecen absortos e ignorando lo que les rodea. Detrás de la mujer, un
esqueleto imita al tocador de laúd. Al lado de ellos, hay una mesa puesta con
manjares y un juglar, con jubón
ajedrezado, intenta esconderse debajo de ella. A su lado, un caballero hace
ademán de desenvainar su espada, intentando defenderse de lo irremediable.
Como corresponde a un cuadro tan pesimista, los colores son sombríos.
La pintura resulta útil desde un punto de vista histórico, pues representa
aspectos de la vida cotidiana europea a mediados del siglo XVI. Se representan
con detalle las ropas, así como pasatiempos como los juegos de cartas. De manera
única, la pintura muestra un método usual de ejecución para los criminales del
siglo XVI: atado a una rueda sobre un palo vertical.
Objetos como instrumentos musicales y los primeros relojes mecánicos,
y escenas entre las que se
encuentra una misa de difuntos proporcionan a los historiadores
datos para
entender mejor el estilo de vida de los años 1560.
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Re: EL REALISMO DE LOS PINTORES FLAMENCOS.

Mensaje por Uni Kotto el Dom Mar 28, 2010 10:16 pm

PINTOR HANS MEMLING

Nació en Seligenstadt, Cerca de Frankfurt en la región del Medio Rin, trabajó en el Países Bajos
bajo Rogier van der Weyden (C. 1455-1460). Luego se trasladó a Brujas en torno a 1465. destacado pintor de la escuela flamenca de Brujas durante el período de decadencia política y comercial de la ciudad. El arte de Memling, revela claramente la influencia de los pintores flamencos
contemporáneos.


Esta tabla del Prado es un de más cabales y hermosas representaciones de la
Epifanía, con los tres Reyes Magos representando las tres edades del Hombre y
unas de las primeras representaciones conocidas en que Baltasar es negro (y
además no un negro imaginado sino sacado del natural). Otro detalle a tener en
cuenta es de los pendones de los reyes, un detalle que recuerda la formación del
pintor en el taller de Stefan Lochner, que también incorpora esa misma heráldica
a su tríptico de los Reyes Magos de la catedral de Colonia.

Así la luna
creciente y la estrella serían las armas de Melchor (el rey que besa los pies de
Jesús), las estrellas de oro sobre fondo azur representarían a Gaspar (el
monarca de la derecha) y Baltasar tendría como enseña el hombre que parece
correr y que en Lochner es un soldado armado. En ambos casos el color empleado
es el sable (sable y rojo en Memling), rasgo que no indica necesariamene la
negritud del poseedor de las armas o de la población de ese reino.

El
pintor ha cuidado con la misma morosidad un aspecto que puede parecer
irrelevante: la arquitectura. La Sagrada familia se alberga en las ruinas un
templo que a todas luces es del estilo románico. Como se observa en los Van
Eyck, Memling estima una forma de construir que en aquella época estaba
completamente pasada de moda. No obstante, el pintor la reproduce con bastante
fidelidad y es de suponer que albergue un significado que hoy desconocemos.


Los críticos señalan que el pilar central tras la Virgen subraya el
papel trascendental de ésta en la historia de la salvación. Ese pilar compone
con la éxedra una especie de girola en la que se abre una puerta a la derecha
para que el buey y la mula entren sin profanar el sacrosanto espacio central. En
el colmo de verosimilitud, Memling ha colocado la bisagra de la puerta que
cerraba ese acceso y que hay que suponer que desapareció en la ruina del
edificio.

Por último señalar que el miembro del séquito que mira a través
de la ventana ha sido considerado un autorretrato del pintor.

Esta tabla
mide 96,4 x 147 cm y forma parte de un tríptico cuyas dimensiones son 96,4 cm x
271 cm. Los otros paneles son el Natividad y la Purificación de la Virgen. El
tríptico se pintó en Brujas y perteneció a Carlos V, quién mandó colocarlo en la
capillade la Casa Real de Aceca en las cercanías de Toledo, de donde pasó al
Museo del Prado.
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